31 de oct. de 2009

Masekela



Si alguien ha tenido la oportunidad de ver la excelente película Distrito 9 ya sabe en que consistían aquello guettos de África del Sur en el que el gobierno racista “contenía” a la población no blanca. Desde la Primera Guerra Mundial y hasta principio de los años 60 el más importante de ellos era Sophiatown, un lugar cercano a Johannesburgo que se convirtió en el centro de la cultura negra sudafricana.
Sophiatown constituía una isla de libertad, un centro de poder cultural, vivo y deslumbrante que desafiaba al genocidio en el que estaba empeñado el gobierno del Partido Nacional. Había escritores, pintores y sobre todo buena música. Una música que combinaba el swing instrumental con los ritmos africanos, especialmente de origen zulú. En los 60 este género mixto jazz-zulú se terminaría llamándose Mbaqanga:


El arzobispo anglicano Trevor Huddleston fue uno de los más grandes luchadores contra el apartheid. Desde Sophiatown fomentaba el desarrollo de los jóvenes para evitar que fueran presa fácil de la delincuencia, mientras qye en el campo político intentaba combatir la arbitrariedad del régimen desde su condición de inglés, pastor y blanco. En aquel “Harlem africano” creció Hugo Rampolo Masekela y allí el padre Trevor le regaló su primera trompeta:


Masekela entró con 14 años en la primera orquesta de jóvenes de Sudáfrica, grupo patrocinado por el propio arzobispo. Era un niño precoz y ya tenía alguna experiencia cantando y tocando el piano. Luego sus inquietudes musicales le hicieron interesarse por el jazz más progresista, el bebop, que empezó a desarrollarse en aquel país a través del Sophiatown Modern Jazz Club. Conoció entonces a Dollar Brand (que al hacerse muslmán pasaría a llamarse Abdullah Ibrahim), Kippie Moeketsi, Makaya Ntshoko o Jonas Gwangwa con los que en 1959 fundaría quizás el primer grupo de jazz africano estable y sin duda, el primero que hizo bebop: The Jazz Epistles.

La gran oportunidad para todos estos muchachos, entre los que estaba la gran Miriam Makeba, vino a través del musical King Kong, historia del boxeador negro Ezequiel Diamini, de gran éxito dentro como fuera del país,  tras su representación en los escenarios londinenses:



En 1960, a raíz de la matanza de Sharpeville, el régimen se quitó su careta formalista y enseñó al mundo su cara más siniestra. Asesinatos, detenciones masivas, deportaciones y destrucción definitiva de Sophiatown convertida tras el paso de las excavadoras, en una exclusiva urbanización blanca. Masekela, su esposa Miriam Makeba y el resto de sus compañeros tuvieron que huir. El trompetista marchó a Gran Bretaña y luego a Estados Unidos donde contactó con los grandes nombres del funky-jazz y la fusión de aquel período. En 1968 consigue un éxito memorable con la alegre Grazing in the Grass, entrando en las listas de éxito donde alcanzó una posición inaudita para un instrumental de los 60:



En los 80, tras una etapa de adicciones múltiples, renació su interés por los asuntos y la música de su tierra. Colaboró en las causas antipartheid- como en el famoso disco Graceland de Paul Simon-, con otros músicos afrianos como Fela Kuti e incluso participó en la puesta en marcha de un estudio móvil para emitir música desde Botswana hacia su oprimido país natal. En los 90, con la caída del régimen racista vuelve a su patria, escribe su biografía, sigue grabando su música y pasa a formar parte de la mitología vital de la nueva y democrática Sudáfrica.

24 de oct. de 2009

Canalla, cómico y cantarín


La caída del fascismo y la inmediata postguerra favoreció el desarrollo del jazz en Italia. En 1945, Giancarlo Testoni y Arrigo Polillo fundan la revista Música Jazz, el gran estandarte informativo del jazz en aquel país.
Ahora el swing debe ceder protagonismo a otros géneros nuevos. El pianista y director de orquesta Giorgio Gaslini, luego conocido por sus bandas sonoras para Michelangelo Antonioni, se atreve con el bebop. El guitarrista Franco Cherri coquetea con la música clásica. El pianista Armando Trovajoli es un gran compositor de cine que también hace comedia musical. Piero Piccioni sorprende a todos con su orquesta 013 y luego se irá a América durante una larga temporada donde compartirá escenario con el mismísimo Bird. Nunzio Rotondo, gran trompetista, se hace famoso por su programa de jazz en la incipiente televisión italiana:

  El compositor y pianista
Bruno Martino logra realizar una síntesis perfecta entre el lirismo propio de la portentosa canción italiana de los cincuenta con sus propias raíces jazzísticas. En un tema convertida en standard del cool jazz se resumen sus logros. El célebre Estate:

Pero no nos pongamos tristes, el final del swing clásico fue un final alegre, multicolor y escacharrante; tanto en su país de origen con el jump blues, como en Italia donde el humor es un producto de primera necesidad. Que se lo pregunten a aquel canalla, cómico y cantarín, llamado Fred:

Fred era Ferdinando Buscaglione, un tipo que empezó a cantar y tocar -tocaba de todo- en clubes de jazz siendo un muy joven adolescente. Un encuentro casual cambio su vida:

Fred Buscaglione trabajaba de animador radiofónico después de haber sido capturado por las tropas aliadas en Cerdeña mientras que Leo Chiosso, su amigo, había sido deportado por los alemanes a Polonia. Leo tenía dos pasiones en la vida: la novela policíaca y la música de jazz, de ahí que decidiera usar el seudónimo literario de Bruce Reid. Fue por la radio como se enteró de que su amigo Fred seguía vivo. Terminada la guerra, Leo decidió escribir canciones tomando contextos de la novela negra para retratar la realidad con un fondo irónico y ácido. Fred Buscaglione asumió sin reparos el papel de chico duro y camorrista aunque muy frágil y blando con el alcohol y las mujeres. El "gangster"
Buscaglione se convierte en una estrella tremendamente popular pero su estilo, desconcertante y extraño para la industria musical, no tiene una plasmación discográfica hasta el año 1955. Un error que se subsanará con el éxito alcanzado con su primer single, el que contiene Che Bambola,  con el que Buscaglione se convertirá en uno de los personajes del momento. Habrá muchas más grabaciones hasta 1960 y también actuaciones en televisión, en anuncios, en películas y en la incipiente prensa rosa que encontró un filón gracias a sus amores y desamores con su mujer magrebí  Fátima de Robin  y con otras grandes starlettes del momento. En sus últimas entrevistas reconoce que está harto del personaje de "Fred el Duro" y que quiere descansar. 
El descanso fue más largo de lo previsto, ya que fallece tras chocar su Ford Thunderbird contra un camión el 3 de febrero de 1960. 
Su muerte fue un fenómeno de relevancia nacional y el éxito de sus temas perduró durante los primeros 60. Luego hubo un período de cierto olvido hasta su resurgimiento actual. Sobre su vida se ha realizado una comedia musical y hasta una orquesta se ha dedicado a revivir su memoria:  La "Fred Forever Jumpin". 
Bravo, Fred.

20 de oct. de 2009

Con humor, el swing entra mejor

No non suonare del jazz,
del jazz,del jazz
ti prego non fare del jazz
del jazz ,del jazz

No jazz questa sera
no jazz per favore
ho nel cuore un ricordo d' amore
che mi fa soffrir così

No jazz è un tormento
no jazz è un rimpianto
sogna l' anima stanca
il ritorno di chi mi lasciò

Musica dolce tu, musica mia
scendi nel cuore
dimmi che posso ancor sperar

No jazz questa sera
no jazz per favore
voglio illudermi ancora
di vivere e amar come allor
no jazz,no jazz

No jazz questa sera
no jazz per favore
voglio illudermi ancora
di vivere e amar come allor
no jazz,no jazz
no jazz



Quizás esta letra cantada por el gran crooner italiano Natalino Otto en 1948 pueda sorprender a alguien a pesar de su palpable ironía. 
¿Qué tipo de daños puede provocar el jazz tanto en las emociones co,o en los sentimientos?
El régimen fascista italiano lo tenía claro, aquella era "antimúsica negra y bárbara" y por ello hicieron lo posible para prohibirla o por lo menos censurarla. En defensa de los valores patrióticos, obligaron a italianizar las canciones y a prohibir la radiodifusión de determinados temas y cantantes que tenían que ver con aquella música extranjera. Natalino Otto fue uno de los censurados, él había emigrado a USA donde llegó a presentar un programa de radio y al volver a Italia en 1937, vio como se le vedaba el acceso a la EIAR, es decir, a la radio pública italiana. Pensemos que en aquel momento, la radio era el principal divulgador musical entre el gran público lo cual pudo haber sentenciado mortalmente su carrera. No fue así y sus grabaciones musicales tuvieron un éxito tan rotundo que lo convirtieron en el "Rey del Ritmo" durante los años 40 y 50. 
Estos triunfos de la música sobre la barbarie, no hubieran sido posible sin la labor de los directores de orquesta que impulsaron el swing como género popular en la música trasalpina. Gente como Gorni Kremer, Cinico Angelini, Tito Petralia y el más grande, Pippo Barzizza.
Ba-ba-baciami piccina es el primer gran éxito internacional del swing italiano y uno de los más importantes en toda su historia. Compuesta en 1941, llegó a ser muy popular en Estados Unidos en la década de los 50. Pippo Barzizza a la batuta y Alberto Rabagliati cantando fueron sus intérpretes:


Alberto Rabagliati
es uno de los personajes más singulares del swing italiano y el otro gran crooner de aquel momento junto a Natalino Otto. Sus contactos con la música norteamericana se producen ya en los años 20 cuando se presentó en aquel país para un concurso de imitadores de Rodolfo Valentino. Fracasa como actor en Hollywood pero vuelve a Italia deseoso de llevar  a su tierra los nuevos aires musicales que tanto le habían maravillado. En principio trabaja con 
Pippo Barziza y luego canta ritmos caribeños con una orquesta cubana, finalmente consigue entrar en la EIAR con su propio programa de radio. Su éxito es tal que el propio gobierno de Mussolini cede y le deja hacer su música hasta de hacerle protagonista de campañas de propaganda.  Otro de sus grandes temas ha sido mil veces interpretado por los grandes de la canción italiana, Ma l' amore no.


Las otras grandes figuras del swing italiano de los 40 estaba compuesto por unas jóvenes hermanas holandesas, el trío Lescano


Las hermanas Lescano llegaron a Italia como grupo de baile a principios de los años 30 y sus habilidades vocales les hicieron descollar en los programas de la radio estatal. Su éxito apoteósico duró hasta 1942, cuando se descubrió el origen judío de su madre. Perdieron sus contratos y finalmente fueron detenidas acusadas de enviar mensajes codificados a los aliados a través de sus canciones. Se les comparó con las Andrews Sisters  aunque su actividad artística no es posterior al de las norteamericanas.
El otro gran crooner italiano de los cuarenta fue Ernesto Bonino apodado "Mr. Swing". Tuvo una época de gran esplendor en la postguerra. En su larga gira americana   recaló en Estados Unidos donde cumplió su sueño de cantar los grandes temas del jazz en los mejores clubes del momento. Luego su carrera sufrió un declive importante y pasó sus últimos años viviendo gracias a un subsidio gubernamental.

El Quartetto Cetra es el otro gran grupo vocal del momento y su nombre son las siglas de las letra iniciales de los componentes del grupo en su etapa primera. Su estilo siempre estuvo muy vinculado al jazz vocal estadounidense y al primitivo doo- wop de la postguerra. Si hay un tema que ha hecho famoso al grupo es el celebérrimo Nella Vecchia Fattoria. Temas sencillos, fáciles de tararear pero con arreglos sofisticados y brillantes que crearon todo una escuela:

14 de oct. de 2009

Sonny Boy & Sonny Boy

La llamada "música del diablo" tiene cosas endiabladamente extrañas. Robert Johnson fue poseído por su Satánica Majestad en persona. Más modesto, Alex "Rice" Miller fue poseído por el alma de John Lee Williamson, otro cantante y armonicista de blues, más joven y tan vivo como él.



¿Tan vivo? Sin duda menos que el propio Rice Miller que no tuvo mayores reparos en usar en su programa de radio -King Biscuit Time de la KFFA de Arkansas- y a sugerencia de sus patrocinadores, el mismo apodo, Sonny Boy Williamson, que era con el que había triunfado en Chicago, John Lee. Habiendo oído hablar del carácter irascible de aquel, un tipo que no tenía reparos en sacar la pistola si la ocasión lo precisaba, Rice Miller no publicó ninguna grabación ni se aventuró a actuar más allá del Delta del Misisipi hasta la muerte del otro.



La trayectoria musical del primer Sonny Boy, el original, se trunca bruscamente en 1948. El 1 de junio es asesinado a pocas manzanas de su casa, en el Southside de Chicago, por un marido celoso. Tenía 34 años y era el hombre que habiendo popularizado la armónica en el blues se había convertido en su rey indiscutible. Este es su primer éxito de 1937:



Hasta 120 temas llevó a grabar en apenas 10 años John Lee, Sonny Boy Williamson I y su forma de tocar la armónica, por debajo de la afinación, creó el estilo que con posterioridad sería el imperante en el género. También fue uno de los pioneros del nuevo blues urbano de Chicago, siendo mentor y modelo para las jóvenes promesas del movimiento.




Un tipo raro Rice Miller, al que desde ahora llamaré Sonny Boy Williamson II. Su pinta excéntrica en las imágenes de su gira europea -con su barba de chivo, sus trajes oscuros, su bombín- lo hacen más parecido a un enterrador de película del Oeste que a un cantante de gran éxito y adorado por los adalides del blues blanco. El mismo Miller se preocupo de dejar en tinieblas muchos datos primordiales de su vida. Pudo haber nacido entre 1897 y 1912, aunque en su lápida aparece como fecha 1908, y procedía de una familia de aparceros agrícolas. En los 30 actuó con el seudónimo de Little Boy Blue y compartió escenario con todos los grandes del Delta, incluyendo a Robert Johnson. En 1941 se "rebautiza" y se convierte en un personaje fundamental en el mundillo del blues gracias a su famosísimo programa donde debutarán gente tan fundamental como Elmore James. Temas como Nine Below Zero, Help Me, Eyesight to the Blind, One Way Out o Bring It on Home lo hicieron ser en uno de los grandes compositores del género en los 50 y convertirse en uno de los ídolos indiscutibles para la generación del blues británico en los 60. Aquel hombre, acostumbrado a los pequeños clubs y tugurios de su tierra natal, quedó absolutamente deslumbrado cuando en su primera gira europea en 1963. le resultaba asombroso comprobar que allí podía actuar en grandes teatros y pabellones, alojarse en los mejores Hoteles y ser solicitado para grabaciones por los jóvenes músicos británicos: The Animals, Eric Clapton, Jimmy Page etc... Cuando volvió a su tierra le costó Dios y ayuda convencer a sus paisanos de que había recorrido mundo y conocido a grandes personalidades. En realidad, le costó mucho volver a su tierra donde era un negro más y como tal, debía soportar los latigazos de la discriminación racial. Pero lo hizo, quizás sabiendo que le quedaba poco tiempo de vida, aunque eso sí, agradecido como era a su tierra de acogida, adoptó para siempre la vestimenta de un verdadero "gentleman british": desde el bombín a los pies.
Extraño y endiablado mundo, el mundo del blues.


8 de oct. de 2009

¿Existe realmente el punk jazz?


Punk jazz es un término con el que Jaco Pastorius titula un tema suyo aparecido en su disco en directo de 1981, The Birthday Concert, con el que celebraba su 30 cumpleaños.



Nada de punk, puro jazz rock tal como lo concebía Jaco y su banda, Weather Report.
Uno se imagina que en las redomas musicales, allí donde se cuecen los estilos a fuego lento, el punk rock debe ser algo más parecido a ésto:



Acoustic Ladyland, es un grupo formado
en Londres en el 2001 y compuesto por Chris Sharkey (guitarra), Ruth Goller (bajo, antes a cargo de Tom Herbert ), Pete Wareham (saxos y voz), Seb Rochford (batería) y Tom Cawley (piano y teclados). Su nombre es un homenaje a uno de los más grandes discos de Jimi Hendrix, Electric Ladyland al que dedicaron su primer disco, de 2004, Camouflage:


Su segundo disco es Last Chance Disco, del 2005. Más experimental, más electrónico, con composiciones propias. Con él consiguieron el premio a la mejor banda
británica de jazz del 2005.



En su tercer álbum Skinny Grin (2006) se permiten alguna incursión en el trip-hop, el sonido de Bristol:



Su última aportación discográfica es de este mismo año y lleva el título de Living With A Tiger:



La pregunta sigue en pie: ¿existe el punk jazz?
Ellos, a su manera, creen tener la respuesta.



2 de oct. de 2009

Ahogarse en las propias lágrimas


It brings a tear,
Into my eyes,
When I begin,
To realize,
I've cried so much,
Since you've been gone,
I guess I'm drowning in my own tears,
I sit and cry,
Just like a child
My pouring tears
Are runnin' wild
If you don't think
You'll be home soon
I guess I'll drown in my own tears
I know it's true
Into each life
Some rain, rain must pour
I'm so blue
Here without you
It keeps raining
More and more
Why don't you
Come on home
Oh yes so I won't
Be all alone
If you don't think
You'll be home soon
I guess I'll
(drown in my own tears)
Ooh, don't let me
(drown in my own tears)
When I'm in trouble, baby
(drown in my own tears)
Oh, yeah, baby don't let me
(drown in my own tears)
I guess I'll drown in my own tears
Oh, mmmmm.

Drown in my own tears
, también conocida como I'll Drown in My Own Tears, es un tema de Henry Grover grabado en un single de 1951 interpretado por el pianista de sesión Sonny Thompson y la cantante Lula Reed. Siendo cara B llegó a ocupar el 5º puesto en el Billboard de rhythm and blues:



En 1956, Ray Charles grabó la versión canónica de este tema coincidiendo con su celebrada etapa de Atlantic Records. Con Drown in my own tears consiguió por tercera vez un número 1 en las listas. La canción se prestaba al estilo de Ray con ese piano omnipresente en la melodía principal. Se dice que la eficacia del coro de voces femeninas que acompaña esta canción, tuvo mucho que ver en la decisión de Ray de contratar un grupo permanente de acompañamiento vocal, las luego conocidas como Realettes:



En 1967 Aretha Franklin ficha por la Atlantic tras una carrera desangelada en la CBS. El factotum de la discográfica, Jerry Wexler estaba convencido de que era una cantante desaprovechada y se encargó de la producción de su primer LP I Never Loved a Man the Way I Love You que convertiría a Aretha en la indiscutible reina del soul. Tras el célebre Respect con el que comienza el álbum, se hallaba el tema de Henry Grover. La cantante siendo muy fiel al estilo de Ray ralentiza el tiempo y le da un toque más dramático a la composición:



Johnny Winter debuta en Columbia en el año 1969 con un disco que lleva su propio nombre. El hombre más blanco que se haya acercado jamás a la música negra -recordemos que tanto él como su hermano Edgar son albinos- hace su mejor álbum en su debut como solista y se convierte en el portaestandarte del blues blanco norteamericano.
Drown in my own tears era uno de sus temas.



Jeff Beck recrea el tema desde un punto de vista instrumental demostrando una vez más, porque es un guitarrista tan extraordinario. En la imagen se le ve actuando con la orquesta del músico y presentador Jools Holland, en un concierto de fin de año en la televisión británica.

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