Sinfonía azul

Jazzeidoscopio

2012-01-26T10:32:00.002+01:00

Tomando partido

2012-01-19T19:07:00.003+01:00

Viaxe de ida e volta

2012-01-12T21:40:00.001+01:00

En la novela en gallego Arredor de si de Ramón Otero Pedrayo (1930) se retrata a un personaje, Adrián Solovio, que luego de haberse hastiado de los placeres que proporciona el esnobismo y lo extranjero, decide volver a su tierra y allí logra reencontrarse consigo mismo a través de lo que siendo más propio, hasta entonces había despreciado.
Dado que ando todavía con problemas físicos y no puedo escribir mucho, aprovecho la ocasión para volver a casa y renovar mis maltrechas fuerzas al calor de esos temas que siempre me han encantado. Los he escogido entre mis discos y es la primera vez que uso este programa.
Espero que todo salga bien y al menos os produzcan cierto bienestar.

Disparos de despedida para un año difunto

2012-01-04T20:50:00.003+01:00

El fracaso infinito de Cecil Taylor

2011-12-27T18:28:00.000+01:00

En una hermosa narración, el escritor argentino Cesar Aira glosa la figura de Cecil Taylor en 1956 cuando después de una formidable formación académica decide lanzarse al mundanal ruido para dar a conocer al público sus portentosos hallazgos musicales.
“En su cuarto había un piano que no siempre podía hacer afinar por falta de los catorce dólares necesarios, y era un mueble ya casi póstumo. Dormía allí por la mañana y parte de la tarde, y salía al anochecer. Trabajaba de lavacopas en un bar. Ya había grabado un disco (In transition) y esperaba algunos trabajos temporarios en bares con piano”

Es curioso constatar el paralelismo entre los orígenes familiares de Cecil Taylor y Duke Ellington, el gran ídolo musical del pianista free. Los dos eran hijos de la pequeña burguesía negra que ejercía la servidumbre en hogares de políticos blancos. Los dos vivían en comunidades blancas y recibieron una educación musical exquisita en la que la figura materna tiene un papel esencial. Cuenta Ted Goia que la propia madre de Cecil era amiga de Sonny Green, batería ilustre de Duke Ellington.

Cecil siempre fue un tipo decidido y según sus propias manifestaciones en 1954 ya había forjado su estilo musical. En su disco inicial, aparentemente ortodoxo, tenemos una versión del Bemsha swing de Thelonious Monk . Es evidente el contraste entre el sonido austero y espacioso del compositor en la grabación original, con el barroquismo y la "politonía desmadrada" de Taylor.

Volvamos a la narración de Cesar Aira. Tenemos pues a Cecil Taylor en 1956 a punto de dar el salto al escenario. Él no es ingenuo y sabe que le va a ser difícil conectar con el público general e incluso con el público aficionado al jazz. Para más inri su primera actuación va a ser en un tugurio lleno de drogadictos, alcohólicos y algún que otro músico. Esperaba quizás la indiferencia y se encontró con las risas. No volvió a actuar allí. Algo semejante ocurrió en su segunda actuación en directo. Cecil no comprendía lo que le estaba pasando. Puede entender la indiferencia, incluso alguna forma de rechazo, pero no que se le tome a broma.
Subitamente le llega la oportunidad de tocar en la meca: el Village Vanguard. Hora y horas ensayando en su destartalado piano para preparar su día D. Un día D con F de fracaso:
"No hubo más que unos aplausos condescendientes: «al menos sudó». Esto lo desconcertaba. En la parte posterior del escenario había algunos músicos que desviaron la mirada con una sonrisita de monos. Fue a sentarse a la mesa donde estaban sus conocidos, que hablaban de otra cosa. Uno le tomó el codo e inclinándose hacia él sacudió lentamente la cabeza hacia la derecha y la izquierda. Con una gran carcajada, alguien prorrumpió en un «Después de todo, ya terminó». El crítico de jazz más prominente de la época estaba sentado unas mesas más allá. El que había sacudido la cabeza fue a conversar con él y regresó con este mensaje:
-Sinhué -así lo llamaban al crítico entre ellos- hizo un silogismo claro como un cielo sin nubes: el jazz es una forma de música, por tanto es una parte de la música. Como lo hace nuestro buen Cecil no es música, tampoco puede aspirar a la categoría de jazz"
Cecil decidió seguir a lo suyo, con sus trabajos eventuales y sus muchas horas delante de su teclado. Un día recibe una extraña invitación. Tocar en la hora del té de Gloria Vanderbilt, siempre necesitada de dar un toque de originalidad a sus famosas veladas artísticas. Los Vanderbilt junto a los Rockefeller son la auténtica aristocracia de una ciudad aparentemente plebeya como Nueva York. La actuación dura exactamente 20 segundos. Fue la propia señora Vanderbilt la que cerró la tapa del piano, todo un gesto esnob como comenta Cesar Aira en su relato.
Luego llega un contrato para actuar durante una semana en otro de esos bares plagados de camellos y yonquis. Duró escasos tres minutos antes de la aparición del patrón que con gesto adusto le preguntó si quería tomarles el pelo.
"Esa noche caminó por las profundas calles del sur de la isla, pensando. Había algo curioso: la actitud del difuso irlandés que vendía heroína no difería gran cosa de la que había mostrado poco antes la señora Vanderbilt. Pero ambos personajes no se parecían en nada. Salvo en esto. ¿Pasaría por ahí, por el acto de interrumpirlo, el común denominador de la especie humana? Por otra parte, en las últimas palabras del sujeto encontraba algo más, algo que ahora reconstruía en el recuerdo de todas sus desdichadas presentaciones. Siempre le preguntaban si lo hacía en broma o no."
Cuando ese verano participó en el Festival de Newport y la frialdad fue absoluta. Tampoco la recepción mejoró cuando le invitaron a actuar en una universidad o más tarde en la Copper Union, una entidad que promocionaba a músicos de vanguardia. Para Cesar Aira ni siquiera el esnobismo propio de estos ambientes podía entender o justificar la revolución musical de Cecil Taylor.
"Cecil abandonó uno de sus empleos habituales y con algo de dinero ahorrado pasó los meses de invierno estudiando y componiendo. En la primavera surgió un contrato por unos días, en un bar de Brooklin, donde se repitió lo de siempre, lo de aquella primera noche. Cuando volvía a su casa en el tren, el movimiento, el paso de las estaciones inmóviles produjo en él un estado propicio al pensamiento. Entonces advirtió que la lógica de todo el asunto era perfectamente clara, y se preguntó por qué no lo había visto antes: en efecto, en todas las historias con que Hollywood le había lavado el cerebro siempre hay un músico al que al principio no aprecian y al final sí. Ahí estaba el error: en el paso del fracaso al triunfo, como si fueran el punto A y el punto B que une una línea. En realidad el fracaso es infinito, porque es infinitamente divisible, cosa que no sucede con el éxito"

Krapp in Blues

2011-12-19T13:12:00.000+01:00

En días pasados el amigo Luther Blues me pidió que seleccionase algunos temas para colocar en la playlist de su estupendo y más que recomendable blog 101Blues Llegar.
Pedido y hecho, aquí están los temas. Muchos ya han pasado antes por aquí, otros son nuevos. No os agobiéis, solo son 10 y pico (el pico es un fragmento de Bright Mississipi interpretado por el gran Allen Toussaint) y además haciendo click en la parte superior izquierda podéis verlos en Youtube. Predomina el blues, como no podría ser de otra manera, pero hay algún otro más cercano al rhythm and blues, como el introductorio, ese famoso Hallelujah I Love her So de Ray Charles que siempre he considerado ideal como sintonía para un programa de radio.
Espero que os guste la selección.

Algunos prefirieron seguir bailando

2011-12-11T19:02:00.003+01:00

El cisma siempre acaba por romper todos los movimientos políticos, filosóficos, religiosos o culturales producidos por la humanidad, por muy poderosos que nos pudieran parecer en principio.
En las mismas fechas en que Adolf Hitler imaginaba un Reich poderoso y eterno pocas personas podrían imaginar que el swing no siguiese imperando en la música de forma parecida. Se tiende a considerar a este estilo como un género jazzístico forjado por grandes conjuntos orquestales y caracterizado por un fuerte contenido rítmico.
Era mucho más.
Por ejemplo, la música que se escuchaba por la radio, el medio de comunicación más barato y más valioso en aquellos tiempos de pobreza y depresión. Pero también estaba presente en el cine -la otra alternativa cultural apta para todos los públicos- y aparecía en primer plano o de fondo en aquellas frenéticas y alocadas comedias de la época o en los densos dramas de contenido policíaco del incipiente cine negro.
Relevante en la música, relevante en la forma de imponer una nueva moda en el vestir, relevante como fenómeno de resistencia juvenil frente a las rigideces pdel pasado y como no, relevante en la forma de disfrutar del ocio en los salones donde la gente escapaba bailando del duro oficio de vivir en tiempos de infortunio.

Cualquiera diría que la foto publicitaria de arriba tiene razón. El sonido rasposo de este viejo vinilo suena como si se hubiera utilizado como aguja el zapato de mujer. Se trata de la orquesta de Tiny Bradshaw antes del cisma, antes de que el swing y por lo tanto el jazz, se escindiera en dos partes diferenciadas. Unos eligieron la experimentación y otros prefirieron seguir bailando.

Bradshaw comenzó su carrera musical como cantante y batería pero muy pronto, en 1934, marchó a Nueva York donde fundó su propia banda y grabó su primer disco. Pasarían 10 años hasta poder grabar el segundo. Sin ser de las que marcaron la pauta en aquellos años, su big band era reconocida y reconocible, aunque muchos insistían en compararla con la de Cab Calloway.
Con el legendario cantante del Cotton Club, Tiny compartía unas dotes para convertir cualquier espectáculo en un prodigio de dinamismo y humor. Por su banda de los 40 pasaron gente tan ilustre como Sonny Stitt o los cantantes Lonnie Johnson y Roy Brown. Otros reconocidos músicos hicieron arreglos para la orquesta: Russell Procope, Charlie Shavers, Gigi Gryce o el propio Sonny Stitt. El final de la Segunda Guerra Mundial fue el momento del gran cambio y Tiny tuvo claro desde el principio hacia donde dirigir sus pasos. Fichó por King Records un sello fundamental en el desarrollo del rhythm and blues y llegó el éxito. El vídeo anterior fue el primero con su nueva compañía. En ese mismo año, 1950, llegó el segundo. Era muy temprano pero el rock and roll ya estaba a la vista.

Tiny Bradshaw era una estrella ascendente del rhythm and blues y su big band realiza giras por todo el país ante un público que prefiere no darle muchas vueltas a la cabeza y seguir bailando. En 1951 vuelve a dar en la diana con Walk that Mess.

El hit más grande de su carrera se produjo en 1952 cuando publicó Train Kept A-Rollin, uno de los temas primordiales en la prehistoria del rock and roll luego versioneado hasta la saciedad por un montón de grupos. Un blues alegre y repetitivo que se adelanta a todo lo que vendría después.

Es un tiempo de grandes proyectos y de actuaciones en los más importantes escenarios, como en el célebre teatro Apollo de Nueva York. Con el grupo de Tiny Bradshaw comparten cartel gente como B.B. King, Ruth Brown e incluso Billie Holiday. En 1954 triunfa este tema que tiene como solista al saxo tenor Sil Austin desde entonces conocido como Mister Ping Pong. Será su último éxito.
.
El 8 de noviembre de 1955 Tiny Bradshaw sufre un ataque de apoplejía, era el segundo, que lo deja paralizado de cintura para abajo. Morirá de un tercer ataque en 1958, cuando luego de recuperar su estado físico intentaba darle nuevo impulso a su carrera en plena vorágine del rock and roll. Pero aquel, ya no era su baile.

"Tienes que olvidarlo. Esto es Chinatown"

2011-11-29T18:51:00.004+01:00

El 26 de septiembre pasado fallecía Uan Rasey, quizás el trompetista más importante salido de los estudios de Hollywood. Rasey, empezó su carrera cinematográfica en 1949 y su presencia fue ineludible en cualquier banda sonora donde se requeriese el uso de su instrumento. Sin embargo, pudiera haber sido una más entre los músicos anónimos que formaban aquellas deslumbrantes orquestas. Pudiera haber sido pero no lo fue y la causa de su popularidad tiene mucho que ver con su interpretación en esta banda sonora compuesta en apenas 10 días por el gran Jerry Goldsmith.

10 dias para componer y grabar la banda sonora de Chinatown después de que el compositor original fuera despedido por Robert Evans, un productor exigente y nervioso, artífice principal de esta obra maestra del cine negro cuando todos creían que el género había muerto. A su lado, un triangulo creativo de primer nivel: Roman Polanski intentando exorcizar sus terribles demonios personales tras el asesinato de Sharon Tate; Robert Towne que consiguió el Oscar al mejor guión por este film y el mencionado Jerry Goldsmith que compuso 8 de los 12 temas de la banda sonora.

Solo 30 minutos de música original salpimentada con viejos standards de los 30 y 40 pero lo suficientemente significativa como para ser nominada los Oscars ganados ese año ni más ni menos que por Nino Rota y Carmine Coppola por El Padrino 2ª parte. Hoy en día la American Film Institute considera a Chinatown como la novena mejor banda sonora de todos los tiempos.
Su fascinante, misterioso y casi mágico teme de amor se ha convertido en uno de esos bombones musicales que ponen los dientes largos a muchos instrumentistas de viento, hasta el punto de que muchos hayan preferido comérselo casi sin sacarle el envoltorio. Puede ser el caso de Terence Blanchard cuando la homenajea en su disco Jazz in Film de 1999.

En la misma onda ortodoxa navega Nicholas Peyton cuando hace otra versión del tema en su álbum del 2008 titulado Into the Blue.

Después de estos adalides del tradicionalismo jazzístico, una versión de un heterodoxo consagrado, John Zorn. Su pieza está incluida en Naked City, una joya musical altamente recomendable publicada en 1989.

Pasen y elijan. O bien quédense con todas. Recuerden, ésto es Chinatown.

Balsámica Bettye

2011-11-19T21:06:00.000+01:00

Hace unos días, en plena convalecencia de mis problemas físicos, asistí a un concierto que fue un bálsamo reconfortante para mi entonces maltrecha salud. En el escenario un grupo de jóvenes tocando con brío y delicadeza. Al frente, Bettye Lavette, una mujer nacida en 1946 de raza negra. De físico frágil. Menuda. Casi insignificante en las inmensidades del viejo teatro decimonónico.

El soul del sur. El de Memphis. El soul de Otis, Aretha o Wilson Pickett. El de Sam and Dave o Isaac Hayes. El soul de Stax Records distribuido por la Atlantic. Aquel viejo soul que iluminó los 60 y los 70, se hace voz y desgarro en esta cantante crecida curiosamente en Detroit, la capital norteña del género, la sede de la Tamla Motown.

Éste Let Me Down Easy fue grabado por Bettye con apenas 19 años y fue considerado en su tiempo como un hito del género. Era su segunda grabación desde su debut con 16 años y le permitió estar en el ojo del ciclón soul participando en aquellas multitudinarias giras junto a todos los grandes. Pero no con tanta suerte. Su extraordinaria voz fue siempre degustada por un número reducido de entendidos permaneciendo alejada de los grandes circuitos comerciales. Durante las décadas siguientes apenas pudo realizar un puñado de grabaciones en diferentes sellos discográficos. Algunas canciones notables que alcanzaban mayor éxito cuando luego eran regrabadas por otros o versiones de temas conocidos que ella siempre sabía llevar a su terreno. Tuvo que esperar hasta 1982, tras 20 años de carrera, para poder publicar su primer álbum. Pasó el tiempo y la vida musical de Bettye Lavette parecía estancada en un "quiero y no puedo". Afortunadamente llegó la redención gracias a un apasionado coleccionista francés- ¡cómo no!- de música soul. Gilles Petard, se emperró en encontrar los masters de las grabaciones de Bettye de los años 70 y los encontró cuando todos los daban destruidos por el fuego. Se publicaron en el año 2000, coincidiendo con la reedición de un viejo disco de la artista por un sello holandés. Le llegó el éxito a través de Europa y una vez más los norteamericanos se echaron las manos a la cabeza pensando en lo que se habían perdido durante tantos años. ¿Os suena la historia?
Premios, reconocimiento, nuevas grabaciones. Entre ellas, dos álbumes extraordinarios: I've Got My Own Hell to Raise del 2005 con temas escritos exclusivamente por mujeres y The Scene of the Crime del 2007 candidato al Premio Grammy como mejor disco contemporáneo de blues y donde hay esta recreación de un viejo tema de Elton John.

Bettye Lavette fue reconocida en el 2008 como mejor cantante femenina por la Blues Music Award. 46 años habían pasado desde su bautizo musical.
Unos meses atrás me quedé estremecido al oír esta versión de un tema de Bruce Springsteen para una célebre película. Ahora forma parte de mi botiquín de primeros auxilios musicales y os aseguro que me ha funcionado.

Ni el jazz en serio, ni el rock en broma

2011-11-08T13:30:00.000+01:00

Nacieron en 1999 y aunque han editado un único álbum, Díscolo (2000), desde entonces han estado presentes en el mundillo musical español creando un sello discográfico, Pueblo, realizando bandas sonoras y actuando en numerosos festivales de jazz y rock. Efectivamente, el grupo Dead Capo navega sin pudor entre dos mundos musicales que algunos consideran opuestos. Desde su posición como grupo de culto se pueden permitir el lujo de la infidelidad a cualquier propuesta musical exclusivista. Lo suyo es la versatilidad y la poligamia. Lo demuestran recreando el tema de Adolfo Waitzman para esa desternillante película española de 1962 titulada Atraco a las tres .

En su página web en Myspace dicen de su álbum único: "Díscolo.., es una impredecible batidora de estilos, una road movie sin fronteras con paradas en el jazz, el swing, el rock, las bandas sonoras del eje Mancini-Schiffrin-Barry-Rota-, el surf, el lounge, el funk, el blues...
Y continuan:
"Su música (la del disco) es el resultado de una sobre-exposición a múltiples estilos de música, muchos moldes musicales que han tratado de derretir para crear uno propio"

Les han influido los grandes compositores de bandas sonoras pero también la fecundidad infinita de Charles Mingus, los grupos jazísticos con toques punk de la agitación neoyorquina de finales de los 70 como los Lounge Lizards de John Lurie o el hoy aclamado John Zorn etc...

Además son tipos divertido e inquietos por lo que sucede a su alrededor. Algunos de sus miembros fueron redactores de un ácido Manifesto! Moncloa Sound System (podéis verlo haciendo click en el enlace) redactado tras ser invitados a la Moncloa en el Día Internacional de la Música del año 2004. Por su parte, Javier Gallego, tiene un extraordinario programa en Radio 3 titulado Carne Cruda donde extrae el jugo a la actualidad de una forma ágil, divertida y mordaz aderezándolo con propuestas musicales tan atrevidas y singulares como las que desarrolló en el grupo del que fue batería hasta éste último verano.

"Si existiera un Freud de las armonías se daría un festín con estos tipos. Aparecen toda clase de patologías e irreverencias musicales. A mí me saben. Son de un Mingus atareado y apaleado a la vez, más claras, pero agujereadas como un queso. Hay un pequeño Schoenberg entre las cuerdas y un hombre del saco estrellado en el miedo de nadie. Sam está hasta las narices de tocarla otra vez y le ha robado el garito a Bogart. Al oírlos viene a buscarte un gato callejero que se sueña a sí mismo flotando entre sonidos de Mancini. Hay un glam que se sacude como una estera y se cadencia 10 veces hasta asomar la risa. Un trópico de cáncer con esa censura de Mogambo llena de incestos y de-formaciones simpatiquísimas. Se hace sonar el espejo de feria y aparece un Malher aFellinando, como la zona fantasma de los tres malvados de Superman"(Dead Capo: Clásicos de un tiempo por llegar / La Maga Z)

¿Solo o con Jeru?

2011-10-20T13:30:00.001+02:00

No soy un gran comprador de discos, como mucho uno al mes y eso porque suelo adquirirlos a pares. Busco entre las ofertas baratas y me quedo con la más sugerente. Sin pretenderlo previamente, entre mis últimas compras han caído tres discos de Gerry Mulligan. Por ejemplo el que contiene este tema clásico y fascinante:

Aquí podemos ver a Mulligan y Webster tocando en directo otro tema de ese feliz encuentro discográfico de 1959. El batería sigue siendo Mel Lewis y el contrabajista, si no me equivoco, es Leroy Vinnegar.

La vida de Jeru, como lo apodó Miles Davis, está plagada de felices encuentros y algún que otro encontronazo. El encuentro con su niñera afroamericana Lily Rose que le enseñó a amar la música negra. Su encuentro adolescente con un locutor de Filadelfia que lo contrató para escribir arreglos en su emisora y que le permitiría ser fichado luego por las orquestas de Gene Krupa o Claude Thornhill. En esta última, se produce otro encuentro decisivo: con Gil Evans, que lo enrolará en su intrépida nave cool.
El Noneto no tuvo el éxito esperado y Mulligan, como otros héroes de la Generación Beat, decidió largarse a California. Quería quitarse de una vez la etiqueta de arreglista y ser considerado un músico de verdad, a pesar de tocar tan aparatoso cachivache. Se encontró con Chet Baker, y durante dos años las cosas fueron redondas. Los chicos blancos rebeldes encontraron un nuevo símbolo musical en aquella pareja artística. En esta adaptación cinematográfica de una novela de la figura más emblemática de la Generación Beat, Jack Kerouac, podemos ver a Jeru tocando junto a Art Farmer.

El encuentro con el éxito fue también el encontronazo con las drogas, con la ley que lo envió a un centro correccional por hacerse adicto a ellas y con el propio Chet Baker, endiosado autista tras su salto a la fama. Menos mal que estaba cerca Bob Brookmeyer con el que creó otro grupo excepcional.

Por aquella banda pasaron gente del talento de Lee Konitz, otro componente del Noneto, Zoot Sims, Art Farmer etc... Hiperactivo como pocos, Jeru se convirtió en un colaborador habitual de otros grandes intérpretes, tanto en grabaciones como en festivales. Podía tratarse de Monk con el que alcanzó una compenetración musical difícilmente igualable -llegó a tocar en el funeral del pianista-, podía tratarse de Armstrong, de Duke, de Miles, de Basie, de Mingus, podía tratarse incluso de Astor Piazolla con el que tiene un disco espléndido llamado Summit.

Apartir de finales de los 50, el gran encuentro musical de Gerry Mulligan es con la música de gran formato. Crea una big band propia llamada Concert Jazz Band, compone música para el cine y concibe un repertorio sinfónico para su instrumento, antes considerado estrafalario y marginal.

Pues sí, para mí no hay duda, si hay que elegir: siempre con Jeru.

Sid sabe como hacerlo

2011-10-13T13:11:00.001+02:00

La mano se mueve ansiosa en el dial hasta encontrar el punto requerido. La noche es larga y se requiere buena compañía. Esa voz lenta y áspera como papel de lija sabe como hacerlo. Ya suena la sintonía:

Para los que todavía piensen que la música esta hecha por seres privilegiados dotados para la creatividad por alguna musa caprichosa y difundida por angélicos filántropos bienintencionados que protegen a sus cachorros dándoles en todo momento lo que ellos necesitan, quizás les venga bien conocer algo de este muchachote blanco, un poco turbio, que en la década de los 40 se convirtió en una de las figuras más influyentes del tinglado del jazz. Concretamente, el gran disc jockey del Jazz. Uno de los culpables de que estemos hablando de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis o Thelonius Monk como si fueran amigos de la infancia.
¡¡¡Here comes the kid with the fancy pants and the fancy lid... Symphony Sid!!!

La banda de Tadd Dameron con Fats Navarro y Milt Jackson presentados por Symphony Sid seudónimo de Sidney Tarnopol, un hombre de larga trayectoria en la radio desde sus comienzos en 1937 en la WBNX y que culminaría 12 años después retransmitiendo su programa de costa a costa. Por en medio están sus habilidades como gran muñidor del jazz y en concreto del bebop como cuando convenció al propietario de un asador de pollos en Broadway a que utilizara su local como sala de conciertos para los músicos boppers. El Royal Roost pronto se convertió en un lugar de encuentro para los jóvenes músicos y para que el propio Symphony Sid pudises retransmitir sus programas en vivo.
Sid se estaba convirtiendo en un hombre poderoso e influyente, bien relacionado tanto en los ambientes musicales como en los bajos fondos de la Gran Manzana. Era lógico que los músicos se lo agradeciesen. La posteridad ha perpetuado el nombre de nuestro personaje a través este tema compuesta por Lester Young e interpretado luego por una legión de artistas.

King Pleasure, amigo de ponerle letra a todo lo que se pusiera por delante, concibió una que encajaba con la música de Prez y con la importancia de aquel mítico programa de radio entre los que lo escuchaban.

Hubo otros homenajes musicales de Arnett Cobb o éste Symphony in Sid de Illinois Jacquet.

Muchas veces hay demasiado poco espacio entre la cumbre y la caída. En el mismo año en que consiguió que su programa tuviese alcance nacional fue descubierto en posesión de marihuana. No tuvo repercusiones penales, pero sabiendo que los de narcóticos no iban a dejar de estrechar el lazo, decidió dejar sus actividades y marcharse a Boston. Estuvo allí hasta 1957 dedicado a lo que había hecho siempre. Cuando volvió, Symphony Sid había cambiado.

A su vuelta, el viejo Sid se entrega en cuerpo y alma a la música latina. Al latin jazz, por supuesto pero también al mambo, al boogaloo y a algo que se comenzaba a llamar salsa.
Le llamaron traidor. Le llamaron vendido. Le llamaron toda esas clase de atrocidades que se suele decir de la gente cuando no sigue la senda que los escandalizados habían diseñado para ellos. Y sin embargo, en los últimos años, volvió a oírse de nuevo música de jazz en las emisiones conducidas por aquella voz lenta y áspera como papel de lija.

Simplemente, Red Nichols

2011-10-04T13:53:00.003+02:00

En días pasados Félix Amador Gálvez en su excelente blog "Jazz, ese ruido", una bitácora absolutamente imprescindible para los que amamos el jazz, hacía referencia a un film biográfico, un biopic, dedicado a Red Nichols, una semiolvidada figura de la escuela de jazz blanco de los años 20 y primeros años 30, antes de la eclosión del swing.

A partir de la entrada he tenido ocasión de de ver Tu mano en la mía el horroroso título español para The Five Pennies, film realizado por Melville Shavelson en 1959 e interpretado en su papel principal por un contenido Danny Kaye. En el elenco principal aparece también Louis Armstrong, figura inevitable en los films de o con jazz de aquel período, y otra serie de figuras del género como el batería Shelly Manne o el cantante Bob Crosby. Además el propio Red Nichols interpreta los números a la trompeta tocados en la pantalla por Danny Kaye. Es el caso de este Battle Hymn Of the Republic compuesto a mediados del siglo XIX y popular en la Guerra Civil americana de la década siguiente. Estas variaciones sobre temas tradicionales constituyen uno de los pilares básicos sobre el que se asentó el primer jazz.

A mi modo de ver The Five Pennies es una película agradable que adolece de esos tópicos lacrimógenos que solían acompañar a aquellas películas biográficas de los años 50 dedicadas a músicos de jazz blancos. Hay que recalcar lo de blancos, Hollywood no estaba en condiciones o no quería levantar las barreras raciales. Aquellas eran historias ejemplarizantes en que sus protagonistas -caso de Glenn Miller en Música y Lágrimas- a pesar de tener un destino trágico acababan redimiéndose o redimiendo a su entorno. En este caso no hay la muerte del protagonista, pero si la historia de un hombre que renuncia a su carrera musical para cuidar de su hija enferma de poliomielitis. Sin embargo la vida le ofrece otra oportunidad y puede volver a retomar su vida artística muchos años después. La historia es real y el éxito del film ayudó a relanzar la carrera de Red Nichols músico importante en aquella escuela de músicos blancos criados en Chicago y triunfantes en Nueva York. Por su grupo, The Five Pennies, -nombre engañoso ya que se trataba de una verdadera big band- pasaron en su primera época gente de la talla de Benny Goodman, Jimmy Dorsey, Glenn Miller, Jack Teagarden o Joe Venuti.

Recogen algunas fuentes y comenta Félix, que Red Nichols llegó a hacer más de 4000 grabaciones en aquellos años. En Europa consiguió un éxito rotundo antes de que la llegada de las grabaciones "calientes" de los músicos afroamericanos borrase la estela de aquellos "pioneros" blancos. Este su gran hit de aquellos tiempos: Ida Sweet As Apple Cider.

Cuando era célebre, lo compararon con Bix Beiderbecke e incluso con el propio Armstrong. Luego los que antes lo apoyaban dijeron de él que tocaba de una forma rígida y envarada, que era un impostor, un tipo sin escrúpulos que grababa discos con nombres y grupos ficticios para amasar dinero. Lo dejó todo a mediados de los 30 y en la plenitud de la época swing solo era una reliquia olvidada en el pasado. Tras la guerra dejo su trabajo en los astilleros para volver a retomar su carrera artística. Red tuvo cierto papel en el resurgir del jazz tradicional a finales de los 40 y principios de los 50, aunque en su juventud había practicado una música mucho más cercana al swing que al sonido de Nueva Orleans. Siguió actuando en clubes hasta su muerte en 1965.

La cabeza que sobra

2011-09-26T13:03:00.002+02:00

Algunas grandes canciones tienen historias chicas:

"Suena el teléfono a las tres de la mañana. Medio dormido levanto el receptor y oigo la voz de Gardel que me dice con evidente satisfacción:
—Che viejo, acabo de encontrar una melodía macanuda para el tango " Por una cabeza".
Y procedió a cantármela ipso facto. No sé si sería porque todavía no me había despertado del todo, que al oír por teléfono el fruto de su inspiración, ni la melodía ni la letra me hicieron mucha impresión; y así se lo dije. Algo amoscado Gardel me contestó con su fina ironía: —Mira, Beethoven, vos te quedás con tus corcheas y semifusas; pero no te metas conmigo en asuntos de "matungos"
Me causó gracia la comparación beethoveniana y comprendí que nadie como él —carrerista empedernido y dueño de un dispendioso stud— podía hablar con más autoridad de temas hípicos; nadie como él podía conocer la emoción del jugador de ver a su caballo llegar victorioso al disco, ni sentir desaliento de verlo flaquear en el momento mismo en que un supremo esfuerzo lo hubiese colocado en la categoría de ganador. Como dicen los versos de su tango:
“Por una cabeza
de un noble potrillo
que justo en la raya
afloja al llegar . . .”
Tal vez el producto de una "fija" conferida sigilosamente al oído, que fracasa en la raya. Sí, creo que Gardel tenia razón. Yo me quedo con mis corcheas. Además, yo sabía que, lo mismo que otras canciones que nos parecen triviales al principio, el genio de Gardel ennoblecería este tango hípico y lo elevaría a una altura insospechada."
(Terig Tucci - Gardel en Nueva York 1969)
Encontramos pues a Carlos Gardel a punto de rodar en Nueva York la película Tango Bar, pero ponerle la música a una letra del gran Alfredo Le Pera con el que compartiría destino tres meses más tarde en el accidente aéreo de Medellín que segó su vida .
Dos famosos bailes marcan la crónica sentimental cinematográfica de esta canción. En Esencia de mujer (Scent of a Woman) -recreación norteamericana de la excelente Perfume de mujer de Dino Risi- el Teniente Coronel Frank Slade (Al Pacino) retirado del ejército a causa de su ceguera y profundamente amargado por su minusvalía invita a bailar a una desconfiada Donna (Gabrielle Anwar). Una escena mítica cargada de enorme intensidad sensual subrayada por la música aterciopelada del grupo The Tango Project.

El baile de Arnold Schwarzenegger y Jamie Lee Curtis con la que termina esa comedia divertida llamada Mentiras arriesgadas tiene connotaciones ciertamente burlescas.

Nada que ver con ese toque kitch y elegante, casi de cine negro o de comic sofisticado con el que Spielberg da un respiro al espectador en esa sofocante y extraordinaria La Lista de Schindler.

Hay muchas versiones de Por una cabeza. La de Andrés Calamaro, a tiro de click, tiene un comienzo casi flamenco y un buen acompañamiento musical pero a mi modo de ver no logra entrar en el espíritu que requiere el tema, haciéndolo demasiado lánguido y espeso. Creo que el acercamiento actual de ciertas figuras del rock argentino al antes denostado tango, aún siendo meritoria, en la mayoría de las ocasiones deja bastante que desear.
Me resulta más gratificante la del fantástico violinista Itzhak Perlman. El violín siempre ha hecho buenas migas con el tango.

Por último una versión jazzística del excelente trompetista argentino afincado en España, Guillermo Calliero. Se trata de una actuación reciente en el entrañable Cafe Central de Madrid.

Alguien llora por mí

2011-09-17T22:00:00.003+02:00

(Para Axis, que tiene un precioso blog y que se dio cuenta de mi torpeza, al haber inhabilitado por error la posibilidad de dejar comentarios en esta entrada)

En octubre de 1932 la orquesta italoamericana de Ted Fio Rito, con el entonces cantante novel Muzzy Marcellino , le gana la partida al todopoderoso Paul Whiteman publicando por primera vez este tema. En compensación, la versión del llamado "Rey del jazz" tuvo un éxito mucho más grande que la original.

500 o 600 versiones más tarde, ya en los 60, Muzzy Marcellino vuelve a retomar el tema con el instrumento que le proporcionó más popularidad gracias a su aparición en las películas de Disney o Sergio Leone.

En esos mismos años un dúo británico de pop algo relamido, Chad and Jeremy, consigue que el viejo tema vuelva a las listas de éxitos.

Ann Ronell es la autora de Willow Weep For Me y una de las pocas mujeres que pudieron entrar en esa gran fábrica de éxitos y eternos standards llamado Tin Pan Alley. Su mentor, su compañero, su pigmalión, quizás su amante fue George Gershwin a quien le dedicó el tema. Incluso los maldicientes llegaron a decir que Gershwin fue el autor real de la pieza y que le cedió los derechos a Ann como un regalo especial, algo que la posteridad y la bibliografía musical ha descartado.
Ni que decir tiene que el jazz es el género musical que más provecho ha sacado de Willow Weep For Me. Por ejemplo, en esta escena de baíle llena de swing interpretada por Vera Ellen en la última película de los Hermanos Marx, Amor en conserva (Love Happy)

Cientos y cientos de versiones y arreglos para orquestas, pequeños grupos y solistas.
¿Dónde elegir entre tanta variedad?
Ante la duda, me quedo con la que escuchándola suscitó esta entrada, la que me indujo a hacerla. No voy a ser nada original, aunque Art Tatum interpreto en muchas ocasiones este tema, la de 1949, del mismo año que la película de los Marx, ha quedado como la definitiva.

Para terminar una versión vocal realmente impresionante que no procede de la ortodoxia oficial jazzística. Se trata de la interpretada por la majestuosa Etta James, un nombre irreemplazable para los que nos gusta la música negra, sin fronteras.

La larga espera de Junior Kimbrough

2011-09-08T14:15:00.002+02:00

En el último año muy pocos temas musicales me han impresionado tanto como este Release Me de Junior Kembrough. Una guitarra obsesiva de sonido hipnótico y poderoso acompañando a esa voz cruda, casi gutural, que viene de algún lejano territorio; de un país que uno imagina primitivo y austero, casi descarnado. Release me es un mantra que entra en nuestra sensibilidad como un afilado bisturí para llevarnos a un lugar íntimo y secreto donde poder recuperar cierta sensibilidad perdida, tan perdida que quizás nunca ha sido nuestra.

La historia de Junior Kembrough es muy semejante de la de su amigo y rival R.L. Burnside al que dediqué una entrada el 1 de agosto (Ver aquí). Como aquel procedía del norte del estado de Misisipi, tierra de colinas, bosques y aparceros, lejos de los inmensos campos de algodón que cubren el Delta. Como a Burnside le sobrevino la fama cuando ya había cumplido los 60 gracias al documental Deep Blues, realizado por el afamado crítico Robert Palmer y el director Robert Mugge. Estas son imágenes de aquella película en la que interpreta el tema que dio título a su álbum de debut : All night long.

Estamos en el ambiente abigarrado de una juke joint, una de esas viejos colmados -a veces simples barracas- donde la maltratada población rural de color que habita el sur profundo podía hacer cualquier cosa en su escaso tiempo libre: comprar comida, beber, bailar o escuchar a los músicos ambulantes de blues que se acercaban por allí. En ese escenario se curtió el artista y fue donde desarrolló su carrera musical hasta cumplir 62 años.
A pesar de las deficiente acústica de estos locales, en este próximo vídeo podemos ver a Kimbrough tocando a la guitarra una de su grabaciones antiguas, luego incorporada a su primer álbum.

Se dice que el pequeño Kimbrough se aficionó a tocar la guitarra tras encontrar la que se padre guardaba encima de un armario antes de ir a trabajar al campo. Una trastada infantil le llevo al mundo de la música de forma autodidacta y pronto encontró en Hudsonville, su ciudad natal, a músicos que le ayudaron a perfeccionar su talento. Como Burnside, Junior tuvo que buscarse la vida en diferentes oficios mientras tocaba en tugurios y realizaba alguna que otra grabación. Pero el éxito nunca traspasó el circuito de locales baratos del norte del estado y si algún "cazabluesmen" ocasional se había fijado en él, apenas tuvo repercusión para su proyección musical.
Su fortuna cambió tras el documental del 92. Fat Possum, la discográfica que le dio la oportunidad a Burnside, encontró en el músico de Hudsonville un nuevo filón. El éxito del disco All Night Long fue tan apoteósico que muchos lo consideran el mejor álbum de blues de la década. Inmediatamente grabó otro titulado Sad Days, Lonely Nights.

Éxito y triunfo para el bueno de Junior que sin buscarlo se convirtió en una leyenda viviente. El local que se compró con sus ganancias, un Juke Joint modernizado, se convierte a mediados de los 90 en una nueva meca para las grandes figuras del rock. Rolling Stones, U2, Sonic YouthIggy Pop -con el que llegará a actuar de telonero- pasan por allí intentando nutrirse o quizás vampirizar la savia del maestro. En 1997 publica su tercer y definitivo álbum en vida, Most Things Haven't Worked Out que lleva el título de este excelente instrumental.

Giras, viajes y un constante ajetreo para un hombre al que las cosas le llegaron demasiado tarde cuando ya tenía mermada su frágil salud. Muere en enero de 1998 de un ataque al corazón. En su lápida alguien escribió: Junior Kimbrough is the beginning and the end of all music.
Fue padre de 36 hijos.

Zaz: otra musa en Montmartre

2011-08-31T20:47:00.001+02:00

Una chica con una fantástica voz ronca, acompañada por guitarra y contrabajo, da muestras de su poderío en la entrada de uno de sus vetustos locales del legendario y ahora turístico Montmartre. No hay nada espontáneo, no son músicos callejeros, aunque lo fueran en su momento. Se trata de una de esas sesiones acústicas organizadas por la revista L'Express. En escena la gran sensación musical de la temporada. Tranquilos, no debéis asustaros, estamos hablando de Francia donde las cosas son diferentes. Al menos en el terreno musical.

(Aquí teneis el tema anterior subtitulado en español)
Zaz es el nombre artístico de Isabelle Geffroy, una cantante de 31 años que publicó su primer y único álbum en el 2010. Como era una chica aplicada comenzó en el Conservatorio de su ciudad natal, Tours, donde aprendió a tocar diversos instrumentos antes de descubrir sus tremendas dotes vocales. Más tarde, como era una chica lanzada, formó parte de diversos grupos: una banda vasca con la que recorrió el centro y el sur de Francia; un grupo de rock latino llamado Don Diego , donde adoptó su seudónimo actual; y también en grupos de jazz o rap. Puro mestizaje musical adobado por largas giras que le llevaron a lugares tan diferentes como Colombia, Japón o a atravesar toda Rusia desde el lejanísimo Vladivostok. Como era una chica permeable supo llevar a su estilo todo lo que iba encontrando por el camino sin perder nunca su perspectiva. Con ella no han podido ni fronteras físicas, ni musicales, ni escenográficas. Antes del éxito actual había actuado indistintamente en grandes recintos, en pubs o en incluso en la propia calle, tal como aparece en estos vídeos. Antes del 2010 ganó algún premio importante y empezó a ser admirada en los corrillos musicales franceses con ese grandilocuencia a la que son tan adictos en aquellos pagos: "La rumeur enflait depuis quelques semaines : Zaz, c'est une sacrée voix, et ce sera la révélation de l'été ! ".
Pero Zaz además, es una chica inteligente y se tomó su tiempo hasta publicar su primero y hasta la fecha, único álbum. Un álbum que lleva su propio nombre. Era Mayo del 2010 y desde entonces el éxito ha sido extraordinario. El disco no ha dejado de sonar y sonar primero en su país, luego en los países francófonos y finalmente en el resto de Europa. Sobre todo este tema compuesto por su productor Soltani Kerredine, aquí con subtítulos en español.

También hay composiciones de la propia Isabelle, del cantante Rafael Haroche y una hermosa versión de de otra musa inolvidable del viejo Montmarte, Edith Piaf.

Para Isabelle Geffroy es hora de recoger premios y éxitos. Puede mirar atrás sin remordimiento. Es joven pero se lo tiene merecido. Ha recorrido una larga ruta para llegar a Montmartre.

Un mundo para Ray Nance

2011-08-25T20:22:00.004+02:00

"Ray Nance nunca ha desafinado en su vida y ello lo convierte en único entre los artistas dedicados a la libertad de expresión en la música.
Cantante...

violinista...

cornetista...

y bailarín, ¡Ray lo tiene todo!
A pesar de lo brillante de sus solos, el éxito nunca se le subió a la cabeza.
Se trata de un artista nato y no hay trompetista que aborde el fraseo improvisado del "Take The A Train" sin caer en algunos de los pasajes originales ejecutados por Ray Nance en la primera grabación del tema.

Ray se unió a la banda en 1940 y estuvo con nosotros más de veinte años. ¿Qué más puedo deciros acerca de un hombre corto de estatura pero que destaca como un gigante sobre sus colegas y competidores?. Tan solo hay un Ray Nance en el mundo.
(DUKE ELLINGTON - La música es mi amante)

Tok Tok Tok: nunca te agostarás por escuchar una música más.

2011-08-19T11:52:00.008+02:00

Desde Friburgo, la ciudad más soleada de Alemania y territorio de conquista para múltiples invasores, un grupo que desde 1998 ha sabido romper las fronteras musicales desde dentro. Soul, jazz, y versiones calientes de viejos temas pop a cargo de una cantante excepcional de origen nigeriano, Tokunbo Akinro ; Morten Klein, saxofonista de larga experiencia es su alter ego; Christian Flohr les acompaña desde el bajo, Matthias Meusel pone los ritmos en la batería y Jens Gebel crea atmósferas en los teclados.
Soleadas levedades que saben conquistarnos.

Cuando a la música le salen burbujas

2011-08-10T13:06:00.000+02:00

He dedicado varias entradas a ese género musical dicharachero, voluble y a veces casi inaprensible llamado Jump blues -desde aquí podéis acceder a la etiqueta-. Para esos señores de pipa y lupa, sofisticados hasta la nausea y que piensan que oír música es un ceremonia mística que les puede levantar de sus sillones acolchados hasta subirlos por los aires y alcanzar cierta forma de levitación; el jump blues no deja de ser una música mestiza y comercial, alimento de juke-box y producto de las necesidades de baile de la población, especialmente la de color, después que las orquestas de swing echaran el cierre tras la crisis económica propiciada por la Segunda Guerra Mundial. Una visión simplista y clasista que dando la vuelta a aquella famosa frase de Unamuno parte de la falsa idea, tan cultivada por la intelectualidad occidental, "de que todo lo que no es vanguardia es plagio".
Mezcla de blues, boogie woogie, swing y con toques del naciente rhythm and blues, aquellos instrumentistas y cantantes intentaron prolongar el viejo sonido de las big bands en grupos más pequeños donde el saxo o el piano eran los reyes y maestros de la función. A la manera sudeña y con su toque gospel de llamada y respuesta, en la tradición del swing blues desarrollada por las orquestas de Count Basie, Jay McShann, Lionel Hampton o Lucky Millinder. Un buen ejemplo puede ser dos saxofonistas amamantados entre las huestes del gran Hamp y que con el tiempo se convertirían en figuras indiscutibles del jazz convencional. Me refiero a Illinois Jacquet o su casi alma gemela, Arnett Cobb.

Nombres respetados por la crítica sibarita de jazz, que a fin de cuentas siempre quiere dictar sentencia. Luego están los grandes del género, los más reconocidos por el público y más despreciados por la ortodoxia. Casi todos han pasado por aquí en otras ocasiones: Louis Jordan, Cab Calloway, Louis Prima, Amos Milburn o el extraordinario Big Joe Turner, aquí acompañado por la orquesta del gran factotum del rhythm and blues, Johnny Otis.

Hubo más, muchos más, ya que el género asentó sus reales hasta que fue arrollado por un hijo malcriado llamado rock and roll. Un ejemplo puede ser Big Jay McNeely. Un tipo con una leyenda realmente graciosa ya que tenía la costumbre de tocar paseándose de un lugar a otro allí donde actuaba. En sus interpretaciones tumultuosas y en pleno éxtasis, salía fuera del escenario y tocaba desde la puerta del local o incluso en la calle. Un día, la policía lo detuvo en uno de sus paseos y lo llevaron a la comisaria. Cuando volvió después de que alguien pagase su fianza, el grupo seguía tocando interminablemente aquella pieza de marras y el bueno de McNeaely no dudo en incorporarse de nuevo y seguir tocando la pieza como si no hubiera pasado nada.

Hay pocas notas, pocos acordes y muchos riff repetitivos pero a veces lo más simple, lo aparentemente mas facil, nos llega más a fondo.
Por último, que en este apartado será siempre un por ahora, creo que no hay una orquesta que pueda representar mejor a este género mestizo que la de Lucky Millinder. Un personaje realmente curioso que ni sabía tocar, ni cantar y que inició su carrera como bailarín y presentador de shows en Chicago. A principios de los 30 ya tenía su propia banda desde donde impulsó la carrera de jóvenes músicos como: Harry "Sweet" Edison, Red Allen, Eddie "Lockjaw" Davis o el mismísimo Dizzy Gillespie. A mediados de los 40 se decanta por el naciente rhythm and blues y consigue encabezar la lista de éxitos cuando enrola en su banda a un gran cantante: Wynonie Harris . Luego siguió triunfando hasta su decadencia a mediados de los 50 en plena eclosión del rock and roll. A finales de los 30 y principios de los 40, antes de la eclosión del jump, contó en su orquesta con una extraordinaria cantante que era capaz de pasar sin pudor de la sacralidad del gospel a los temas humorísticos y ligeros del nuevo rhythm and blues. Me refiero a Sister Rosetta Tharpe.

R.L. Burnside: Últimos filones del viejo blues

2011-08-01T13:48:00.005+02:00

Desconozco si los buscadores de viejos bluesmen utilizan alguna varita de zahorí para descubrir sus tesoros allá por las tierras pantanosas del Misisipi. Lo cierto es que después de la fiebre musicológica de John y Alan Lomax allá por los años 30, no ha dejado nunca de haber una pléyade de investigadores, editores discográficos, críticos o simples aficionados lanzados a la aventura de encontrar algún mineral precioso escondido entre las tierras empobrecidas donde pasa tan caudaloso río. La resurreción de Son House, de Mississippi John Hurt o de Skip James ha sido un buen acicate para estos cazadores de tesoros musicales.
Cuando a principios de los 90, el crítico musical Robert Palmer -no confundir con el cantante- decidió con su amigo el director Robert Mugge hacer un documental basado en su libro sobre el blues del Delta titulado Deep Blues, apenas tuvo dudas a la hora de escoger a los músicos que mejor podían representar a aquel movimiento. Entre ellos tenía que estar R.L. Burnside.

El porche de una casa destartalada, viejos coches abandonados, una vieja guitarra barata y una cohorte de niños, parientes y gallinas ofreciendo un marco idóneo para otra gloria desconocida del blues del Delta. Las cosas no le iban bien al viejo R.L. Burnsdale a sus 66 años pero era lo acostumbrado. Su afición al blues siempre había convivido con los más variopintos oficios. Cuando marcho a Chicago en los 50 vivió en los suburbios y experimentó en sus propias carnes la violencia de aquellos tiempos. Perdió a su padre, a dos hermanos y a uno de sus tíos y desengañado decidió volver al Delta. Pero las cosas no le fueron bien, se vio implicado en una muerte y pasó cierto tiempo en la prisión de Parchman, como los viejos bluesmen de los 30. El blues le salvó de la desolación aunque no de la pobreza. Consiguió cierto reconocimiento a nivel local y fue figura invitada en diversas grabaciones y documentales realizados en las riberas del Misisipi allá por los 70 y 80. Un ejemplo es ésta grabación realizada por el legendario Alan Lomax en 1978:

Aquello no tuvo mayor trascendencia. No hubo reconocimiento para el artista incluso después de las grabaciones que realizó en los 80 con los folkloristas Mitchell y Evans. En ese estado de de abandono lo encontraron Palmer y Mugge en 1992. El entusiasmo de estos hombres modificó su destino.
Un pequeño sello local del Norte del Misisipi, Fat Possum, le dio su gran oportunidad. Tras alguna grabación acústica, los productores decidieron que el sonido simple, directo y minimalista de Burnside se acoplaba bien con la música tumultuosa y electrónica del grupo de garaje Jon Spencer Blues Explosion. Una apuesta arriesgada coronada con un éxito triunfal. De la vieja granja a los variados escenarios del nuevo rock alternativo e indie. Un salto brutal para el músico, que le permitió alcanzar una fama tardía, inesperada pero sin duda merecida. En compañía de aquellos jóvenes músicos o con sus viejos temas de siempre tocó la gloria con sus callosos y envejecidos dedos agarrándose a ella hasta su muerte a los 78 años en el 2005. Este es el tema que primero llamó la atención de sus descubridores y le permitió cruzar el inestable umbral de la gloria. Está reinterpretado con toda furia y ruido en su exitoso álbum con la Jon Spencer Blues Explosion.

Al menos, su voz

2011-07-24T20:51:00.005+02:00

No quiero ser cansino y os pido perdón por mi insistencia, pero desde que me enteré de su muerte, quería hacer una entrada en cada blog sobre Amy Winehouse.
He publicado una en el Circulo de los Suicidas Perezosos que si os apetece podéis leer desde aquí.
La otra viene a rebufo de lo que escribí sobre ella en esta bitácora, el 19 de mayo del 2009: "Una de los acontecimientos musicales más fascinantes de lo que llevamos de milenio se llama Amy Winehouse. Espero fervientemente que siga siendo así por mucho que una cuadra de idiotas -los que manipulan la industria musical; los del sensacionalismo amarillo y repulsivo o los humoristas anodinos y previsibles, cazadores de freaks- intenten cargársela."
Es fácil ponerse la túnica y arrogarse ahora la condición de adivino, pero cualquiera con dos dedos de frente sabía lo que iba a pasar.
¿Culpa de ella, culpa de los que se beneficiaron de su estela? ¿Acaso importa?
Sabemos que todo ésto es un gran tinglado en el que se juegan patrimonios, fortunas e incluso vidas. ¿Qué hubiera pasado si aquellos seres trágicos: Charlie Parker, Bessie Smith, Billie Holiday, Edith Piaf hubieran vivido en estos tiempos? Quizás se hubieran muertos antes, vapuleados como monigotes por una opinión pública hambrienta de emociones fuertes.
En fin, así son las cosas. Dos discos gloriosos y otra esperanza perdida en este empobrecido mundo musical.
Solo nos queda decir lo clásico: al menos nos queda su voz y eso es ya es mucho si se trata de la irrepetible y genial Amy Winehouse.

De Chick a Chick

2011-07-14T13:52:00.004+02:00

Uno no deja de sorprenderse ante la irresistible fuerza de voluntad de ciertos individuos capaces de sobreponerse a los mil y un obstáculos que el destino ha reservado para ellos. Acercarse a Chick Webb es acercarse a un tipo que hizo de sus terribles problemas físicos acicate y que supo sacar de cada segundo de su cortísima vida una energía arrolladora e implacable. Esa energía era la que caracterizaba su forma de tocar la bateria y la que quería que su propia orquesta desarrollase en el escenario.

Duke Ellington fue el mentor que le dio su primera oportunidad a aquel hombre corcovado y enano que era el verdadero diablo cuando se colocaba delante de una batería sin saber leer una partitura. No había tiempo que perder cuando sabes que tus días pueden estar contados y Chick no tardó en reunir a su alrededor una extraordinaria banda en aquel floreciente Harlem de principios de los 30. El éxito fue todavía más absoluto cuando su orquesta se convirtió en la titular de unos de los templos sagrados del jazz y del baile: el legendario Savoy Ballroom. El famoso Stompin' at the Savoy, el himno de la célebre sala, que luego sería universalizado en la versión de la orquesta de Benny Goodman puede ser un buen ejemplo comparativo de aquellas legendarias batallas de bandas de mediados de los 30 en las que la Orquesta de Chick Webb siempre salía victoriosa. En este vídeo del documental "Jazz" de Ken Burns se explica el fenómeno y como los tap dancers que abarrotaban el salón y se amontonaban a miles intentando entrar -e incluso interrumpiendo el tráfico en las calles adyacentes- eran entusiastas de la banda del pequeño percusionista de Baltimore.

Desde su alto trono en la cima de la orquesta y dominando todo el escenario, el Rey del Savoy, contemplaba sus dominios y quizás se sentía compensado de sus males viendo que su swing directo, ligero y terriblemente bailable podía competir con éxito con el estilo sofisticado de la orquesta de Duke Ellington o la popularidad de la de Benny Goodman. Un triunfo personal realzado desde 1935 con la incorporación de una chiquita que ganó un concurso de cantantes aficionados en el Teatro Apolo: la inigualable Ella Fitzgerald.

Cuando se la presentaron, Chick era remiso a dejarla a entrar en su banda ya que no la veía suficientemente sexy para darle el glamour que se exigía para una cantante de swing. Sin embargo al oírla, toda cambio. Tenía una voz poderosa y al mismo tiempo infantil, capaz de interpretar cualquier tema en cualquier tiempo y sobre todo de una forma absolutamente irresistible. Estando todavía en la banda de Chick, Ella consigue un éxito multitudinario en 1938.

Ese mismo año Chick Webb se empieza a resentir de sus problemas de salud y delega en otros músicos la dirección de la big band durante las numerosas giras. Su tuberculosis espinal, la enfermedad que había arrastrado desde su infancia, le llevará a la muerte en 1939. Ella Fitzgerald heredará su orquesta hasta que la big band desaparezca 1942.
¿Cual podría ser el tema más representativo de la corta pero fecunda carrera de Chick Webb?. El ya mencionado Stomping at the Savoy podría ser uno. Blue Lou, de tiempo mas reposado es muy hermoso. El elegante The Dipsy Doodle podría ser otra melodía realmente definitiva. Pero no voy a elegir ninguno de ellos aunque os dejo enlaces a los tres. Me inclino finalmente por este irresistible y popular Harlem Congo donde la batería de Chick suena con una claridad excepcional, casi imposible de encontrar en aquellas arcaicas grabaciones de los 30.

Contra viejos crooners en odres nuevos

2011-07-06T21:06:00.002+02:00

Cuando uno piensa en un cantante masculino de jazz de raza blanca, le suelen venir a la memoria alguno de esos crooners impecablemente vestidos y triunfantes después de hacerse unas galas por Las Vegas. Un tópico. Un tópico alimentado desde la era del swing por el poderío de ciertas figuras legendarias: Big Crosby, Dean Martin, Andy Williams, Tony Bennett y por encima de todos “la Voz”, Frank Sinatra. Sí, también existen algún heterodoxo a lo Chet Baker pero eso solo cuenta como excepción que confirma la regla. Lo malo es que el estereotipo no se ha renovado y hoy en día siguen proliferando, e incluso se han puesto otra vez de moda, los crooners a la vieja manera instalados en un confortable limbo musical. Me refiero a gente como Harry Connick Jr., Michael Bublé, Jamie Cullum o el el multilaureado y elogiado Kurt Elling.
¿Son buenos? Sí, pero suenan a viejo. A viejo arcón musical. Suenan a algo ya pasado, gastado y polvoriento. Tom Waits los conoce bien y les dio duro, convertido en un irónico Satchmo, en este Straight to the Top de su disco Frank´s Wild Years de 1987.

No, no es posible cantar jazz como si la música popular no hubiera existido en los últimos 50. Creo que hacerlo hoy en día es un anacronismo lamentable. Siempre hubo otras alternativas. El propio Tom Waits de los 70 es un claro ejemplo. Aquel muchacho que siempre quiso aparentar ser mayor exagerando hasta el límite su voz arrastrada como papel de lija y que gustaba de vestirse como un vagabundo callejero y suburbial. Aquel muchacho diferente empeñado en convertirse en un Charles Bukowski lastimero y apocalíptico.

Pero hubo otros antes que él. En Francia, entre la chanson y el jazz estuvieron Boris Vian, Henri Salvador y ese hombre adorablemente feo pero imán irresistible para las mujeres hermosas llamado Serge Gainsbourg.

El, como los otros, entendió desde el principio que el verdadero jazz vocal estaba más cercano al cabaret que a lo que pudiera hacer un tipo relamido vestido de smoking cantando éxitos de Broadway en una gran sala de conciertos. Lo siento por el espléndido Rufus Wainrighto por la glorias "reswingeantes" llamadas Sting, Rod Stewart o Brian Ferry pero sin desmerecer su categoría creo que el jazz vocal puede y deba ser otra cosa. Quizás aquel antiguo Fred Buscaglione (ver entrada) encontrara un camino, o un siempre moderno Nick Cave, o ese sarcástico tan peculiar llamado Randy Newman.

Coda final para esa leyenda italiana, el indomable Paolo Conte, del que no me atrevo a poner otra canción que no sea ésta archiconocida maravilla que viene tan al pelo.

Son unos cuantos y muy buenos. ¿No cantan jazz? Es posible, eso lo dejo al criterio de cada cual, pero al menos hemos pasado un buen rato ¿o no?

El último suspiro de los gigantes

2011-06-30T14:00:00.009+02:00

Nocturnidad y decadencia

2011-06-23T18:07:00.001+02:00

Un peu plus de la Nouvelle-Orléans, s'il vous plaît.

2011-06-14T20:09:00.005+02:00

La ciudad de Nueva Orleans tiene apenas unos 350.000 habitantes aunque su área metropolitana supere ampliamente el millón. Datos cuantificables e inmediatos. Lo que no es cuantificable es lo que ha aportado esta ciudad a la historia de la música popular. Por eso uno se debe conformar con hacer pequeñas catas en ese casi infinito territorio y volver una y otra vez.
Por ejemplo, sabemos que su fiesta más señalada es el Mardi Gras , el "Martes gordo", el Martes de Carnaval donde los orleaneses expresan toda la fuerza vital que llevan dentro. El Mardi Gras ha generado cientos de canciones pero si hubiera que elegir una que lo representase, una convertida en su himno representativo, sin duda habría que quedarse con este tema del músico más querido por la gente de la llamada "Crescent City": el legendario Professor Longhair

Otra cala cualquiera nos puede llevar ante la presencia de Lee Dorsey que empezó su carrera pública boxeando con el seudónimo de Kid Chocolate. Afortunadamente, Allen Toussaint -la fuerza motriz que ha movido la música de Nueva Orleans en los últimos 50 años- lo hizo bajar del ring y convertirlo en una figura del floreciente rock and roll, casi a la par de su famoso convecino, Fats Domino. Este fue el tema que hizo de él una estrella.

Hagamos otro sondeo en este territorio pantanoso. Casi hace treinta años que se separaron pero siguen siendo una leyenda en Nola, otro nombre para la metrópolis de los cien nombres. Ellos nunca lo tuvieron claro: ¿Hacían jazz o rhythm and blues? Tampoco es un asunto importante para una ciudad que le da vida a cualquier condimento introducido en su guiso musical. Este tema de principios de los 80, homenaje a la urbe, se revitalizo como estímulo emocional ciudadano tras el desastre del Katrina.

Irma Thomas era camarera a finales de los 50. Un mujer de clase trabajadora casada muy joven. Cantaba de fábula pero al hacerlo descuidaba su trabajo. El patrón la despidió y Allen Toussaint la cogió al vuelo. Sin duda es una de las grandes figuras femeninas del soul. Aquí la vemos actuando con Galactic , un grupo entre el funk y jazz que está causando sensación en Nola desde mediados de los 90.

Me ha sabido a poco, tenemos que volver a hacer nuevas catas en Nueva Orleans. Sera necesario si queremos deslumbrarnos ante el fabuloso tesoro que se esconde bajo la ciudad de los pantanos.

Donde todo empezó una vez.

2011-06-08T14:34:00.002+02:00

Frente a la bazofia televisiva imperante a algunos nos queda un pequeño refugio, un “locus amoenus”, donde refugiarnos y sentirnos a salvo. Me refiero a esos prodigios narrativos que la televisión por cable americana, en especial la HBO, nos ofrece desde hace unos años con especial benevolencia. Treme es una de sus últimas propuestas.

El viejo y destartalado barrio de Nueva Orleans también conocido como Faubourg Tremé, centro de la cultura negra y criolla, intenta renacer de sus escombros pocos meses después del paso del Katrina. Un grupo heterogéneo de personajes intenta reconstruir la vida del barrio y la suya propia a pesar de las dantescas adversidades. Las naturales y las generadas por la inopia y la corrupción política. Una vez más David Simon, el autor de The Wire, nos muestra el latido de una ciudad con todos sus claroscuros y en este caso con toda su música, porque Treme es por encima de todo una serie donde se homenajea al inmenso, al casi oceánico mundo musical de Nueva Orleans.
Puede tratarse de un funeral con su ceremoniosa ida:

y su desenfrenada vuelta:

Puede ser un grupo de artistas famosos -y otros no tanto- lanzándonos rápidos destellos de su maestría:

Pero sobre todo es Nueva Orleans, esa ciudad, ese universo sonoro donde todo empezó una vez:

La visión global de Avishai Cohen

2011-06-01T11:35:00.004+02:00

Ese formulismo de la música clásica, donde cada músico ocupa en los conciertos un lugar determinado, ha sido heredado en otros ámbitos, como puede ser el jazz. El piano a la izquierda, según la perspectiva del espectador. A la derecha, la batería. Los sopladores, como diría Nicolás Peña, delante, en el medio. Detrás el contrabajo, aunque Mingus se saltaba ésto a la torera, por algo era Mingus. Avishai Cohen podría incluso tocar desde el camerino, al final del patio de butacas o en el tercer anfiteatro, siempre se notaría su presencia.

Hoy en día Cohen está en la cresta de la ola, pero nadie le regaló nada para llegar hasta allí. Nacido en un kibbutz israelí era un jovencísimo músico de apenas 18 años cuando decidió emprender la aventura neoyorquina. No era un niño pijo de familia adinerada y por ello, en vez de acumular diplomas en Berklee o Julliard, estudió en un conservatorio más modesto mientras se buscaba la vida trabajando en la construcción y tocando en el metro. Curiosamente aquel insólito contrabajista israelí consolidó su estilo haciendo música latina junto con Danilo Pérez. Más tarde llegó su hada madrina Chick Corea y se lo llevó consigo. En el sello del pianista desarrollo la primera parte de su carrera discográfica. Este tema es de su primer disco, Adama.

Desde su tercer álbum, Colors, se atreve a combinar su bajo eléctrico o contrabajo, con el piano y la voz. Además es arreglador y productor de todos sus temas. La personalidad de Avishai como músico se fue consolidando y tuvo su refrendo definitivo con su salida de la órbita de Chick Corea en el 2003. Ese mismo año debuta en su nuevo sello, Razdaz Recordz, con Lyla, un disco intimista y variado donde incluso se atreve con una divertida versión del Come Together de los Beatles.

Continuo es un álbum donde la influencia de la música del Medio Oriente vuelva a aparecer con enorme fuerza gracias a su renovada colaboración con su compatriota Amos Hoffman. Avishai sigue proyectándose a las alturas y recibe calificativos desbordantes de las revistas especializadas. Para Downbeat es un "visionario del jazz de proporciones globales". Hasta los más escépticos están de acuerdo en una cosa: el gran atractivo de este músico reside en sus formidables actuaciones en directo donde se entrega a un deliberado furor musical. Buena prueba de ello es su disco del 2007 grabado en el Blue Note de Nueva York.

Aurora es su penúltimo disco y Avishai aprovecha la para echar una mirada hacia sus orígenes sefardíes e incluso se atreve a cantar en cuatro idiomas diferentes: inglés, hebreo, español y en el casi extinguido ladino. Musicalmente es una mirada hacia un pasado perdido donde la mistura de elementos diferentes y contradictorios, lo que llamaríamos hoy fusión, fue posible. El sonido final es de una intensidad y una emoción pocas veces vista en los últimos años. Un tratado sobre la tolerancia cultural hecho desde el corazón y el sentimiento.

No te perdono, Bob

2011-05-24T14:37:00.004+02:00

No tienes perdón, Bob ¿cómo se te ocurre cumplir 70 años? Seguramente disimularás y pondrás esa cara de cemento arrugado que se te ha quedado tras tu larga y azarosa vida. Eso es lo jodido. Ya no eres aquel chico displicente, chulesco y engreído que se veía en aquel maravilloso documental de Pennebaker reflejando tu gira por el Reino Unido en 1965. Inolvidable aquella escena en que canta maravillosamente Joan Baez, tu novia por entonces y tu sigues escribiendo aparentemente imperturbable.

Te he visto actuar en dos ocasiones. La primera en 1993. Era el Concierto de los Mil Años y tú eras uno más en un cartel difícil de igualar: Chris Isaak, George Benson, Neil Young, los Kinks, Bob Dylan, Robert Plant, John Mayall, Sting, Eric Burdon, Bo Diddley, Wilson Pickett, Jerry Lee Lewis y Chuck Berry. Algún malévolo dijo que se le llamaba de los mil años por la suma de las edades de los intérpretes, pero realmente fue algo imborrable para todos los que estuvimos allí. La verdad es que de reconocer que tu actuación no me llamó excesivamente la atención, después del éxtasis vivido poco tiempo antes con los Kinks.
Recurro al cronista de El País Nacho Saenz de Tejada para intentar recuperar el recuerdo ido:
“Bob Dylan tampoco es un prodigio de generosidad pero en La Coruña no decepcionó a quien quiso acercarse, aunque fuese solo un instante. Su versión de Just like a woman estuvo bañada por ese dramatismo que solo tienen los grandes cuando intentan permanecer vivos a través de la autodestrucción artística, rompiendo sus canciones en mil pedazos hasta hacerlas irreconocibles y recreándose con seriedad y rigor.”

Siempre he adorado este tema: "Ah, finges como una mujer, haces el amor como una mujer y sufres como una mujer, pero rompes a llorar como una niña"
Volví a verte a finales de los 90. Es curioso, al contrario que en el jazz, en los conciertos de rock, pop o como tú prefieras llamarlos, necesitamos que nos repitáis las mismas canciones tal y cual las conocemos. Sin embargo tú siempre has sido un rompepelotas y nunca cantarías el mismo tema de la misma manera en que todos lo queremos recordar. Así pasó entonces y así ha pasado siempre contigo.

Machacas las canciones. Las trituras. Casi las aullas. Apostaría a que estás harto de ellas.
Tantas veces repetidas. Tantas veces convertidas en letanías para tantos. Significando tanto para tantos. Quizás te tiente aplastarlas para ver si sale algo nuevo de ellas. Alguna materia fertil que tú no conozcas. Algo propio. Cuando alguien es así de grande, adquiere la voz de todos y pierde su propia voz. Eso te ha pasado a ti y puedo entenderlo. Pero lo de cumplir 70 años, eso, Bob, eso no te lo perdono.

Otra más de Galijazz

2011-05-19T11:25:00.002+02:00

Con motivo del Día das Letras Galegas , el 17 de Mayo, le dediqué una entrada a la festividad en mi otro blog: Círculo de los Suicidas Perezosos . Pasemos ahora de la letra a la música, una excusa como cualquier otra, para dedicar otro repaso musical al jazz que se hace por estas tierras. Hay una faceta que me interesa muco de estos músicos: son compositores, es decir, abren el mapa del jazz a nuevos sonidos. No se limitan a dar otra vuelta de rosca a territorios excesivamente trillados.
Empezamos con Sumrrá un trío sólido y prestigioso formado por Manuel Gutiérrez al piano L.A.R. Legido a la batería y Xacobe Martínez Antelo al contrabajo. Varios discos y múltiples actuaciones por varios continenetes con ese sonido atmosférico, intimista y evocador que nos puede hacer recordar al jazz nórdico. Os recomiendo ésta hermosa y fotogénica entrada de Esther Cidoncha sobre ellos.

En este corto Paco Charlín demuestra sus cualidades al contrabajo. Se trata de una figura emblemática del jazz gallego y uno de sus principales animadores desde una triple condición: como músico, como profesor del Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra y como editor del sello discográfico independiente Free Code Jazz Records.

Virxilio da Silva es un joven guitarrista que ha grabado su primer disco solitario, Odysseia, en el sello de Paco Charlín. A pesar de su juventud, apenas 26 años, ya tiene cierta experiencia discográfica a través del trío S.O.S. Aquí tenéis un enlace a su página Myspace con alguno de sus temas
De sur al norte y dos bandos en conflicto. El Seminario de Jazz de Pontevedra frente el Conservatorio Superior de Música de A Coruña. ¿Jóvenes leones contra la Vieja Guardia anquilosada? ¿Desprecio soberbio hacia los que han mantenido la llama en los tiempos difíciles? ¿Intereses económicos y políticos por medio? Mejor ignorar los términos y centrarse en lo que importa: la música.
Profesor del Conservatorio es Roberto Somoza (saxo), aquí acompañado por Quinito Mourelle al piano.

Alberto Conde es profesor de de piano en el Conservatorio y aunque de origen venezolano ha vivido en estas tierras desde su infancia. Aquí está acompañado por Baldo Martínez al contrabajo, Nirankar Khalsa a la batería y por Cuchus Pimentel un instrumentista exótico en Galicia: toca la guitarra flamenca.

Trane en trance

2011-05-09T11:12:00.004+02:00

La Saint John Will-I-Am Coltrane African Orthodox Church fue creada en el año 1971 seis años después de que Franzo King alcanzase la revelación en 1965 tras escuchar al saxofonista en una actuación en San Francisco. Monseñor King consagró los seis años que tardó en crear su iglesia a comprobar que efectivamente John Coltrane era un hombre elegido por Dios para guiar las almas de los hombres.

Cualquier proceso de purificación conlleva una búsqueda y una renunciación. Quizás Coltrane no fuera muy consciente de esa espiritualidad que se le atribuye, pero sí de la necesidad de purificación de su sonido y consecuentemente de si mismo.
Escribía en una carta a un amigo en 1962:
“El músico de jazz no tiene que preocuparse por la falta de una filosofía positiva y afirmativa. Se desarrolla en nuestro interior. El fraseo, el sonido de la música testimonia este hecho. Hemos sido naturalmente dotados para ello. (…) La superficie entera del globo terráqueo es nuestra comunidad. Como puedes ver para nosotros es realmente fácil crear. Nacimos con ese sentimiento que brota sin importar las condiciones existentes”

Y sin embargo sí pertenecía a una comunidad determinada que sufría unos momentos de esperanza y espanto. Una comunidad por la que tomó partido tras los trágicos sucesos en Alabama: la bomba que mató a cuatro niñas negras en una iglesia, las palizas a los defensores de la integración racial o el encarcelamiento de Martin Luther King.
"El cambio siempre es difícil de aceptar. También vemos que esos innovadores buscan siempre revitalizar, extender y reconstruir el status en sus áreas respectivas como sea. Con mucha frecuencia, son los rechazados, los parias, los ciudadanos inferiores de las muchas sociedades a quienes dan tanto sustento. A menudo son personas que soportan grandes tragedias personales en sus vidas. Sea cual sea el caso están dirigidos por esa constante grandiosa y eterna: el impulso creativo"

Coltrane siempre se sometió a su impulso creativo, hasta el punto de que tras construir una hermosa y sofisticada catedral de sonido gracias a sus portentosos conocimientos teóricos, su trabajo y su tesón; descubre que quiere algo más, que su música necesita un alma, un espíritu que la recorra, una savia que le proporcione vida y energía.
Obligado a empezar de nuevo, volvió la mirada hacia si mismo y allí encontró todo lo que necesitaba. Fueron los demás los que lo convirtieron en héroe, en mito, en iluminado. Él sólo quería seguir buscando.

Son House entre Dios y el diablo

2011-05-02T21:36:00.002+02:00

Escribe Ted Goia en su excelente “Blues: la música del Delta del Mississippi” que Son House era un hombre de marcadas contradicciones. Cantando proyectaba su voz hasta las últimas filas y en cambio hablaba en voz muy baja, casi susurrando.

¡Oh, me voy a hacer religioso
me voy a unir a la Iglesia Baptista
¡Oh, me voy a hacer religioso
me voy a unir a la Iglesia Baptista
Voy a ser un predicador baptista
y no tendré que trabajar.
Son House era capaz de cantar un blues tan irónico después de decirle a su público, su descreído público juvenil de los 60, que debían elegir entre Dios y el diablo ya que ambos no caben en el mismo saco.
Sostiene Ted Goia que Son House cantando como poseído en Preachin' the Blues nos recuerda a Jacob luchando toda la noche con el Ángel de Jehova.
Efectivamente, la vida de Son House se movió siempre entre el fervor religioso y sus pulsiones profundas hacia la "pecaminosa" música profana. Con su vieja guitarra rota y su cuello de botella usado como slide, con su voz poderosa e intensa y su letras ardientes, Son House se convirtió junto a Charley Patton en el gran pionero del blues del Delta y principal mentor del mítico Robert Johnson.

Y sin embargo nunca dio demasiado valor a su música. Puede que tuviera buenas razones para ello, más allá de sus escrúpulos religiosos: cuando iba a dedicarse de forma profesional se vio involucrado en un crimen tras una reyerta callejera. Él siempre alegó que fue en defensa propia. El hecho es que acabó en la célebre cárcel de Parchman que con el tiempo se convertiría en el principal vivero de información para los estudiosos del blues rural.
Después de aquella experiencia, Son House realiza su primeras grabaciones en 1930 cuando acompaña a un experimentado Charley Patton a la ciudad de Grafton. Esta es la versión de 1968, junto a Buddy Guy, de uno de sus temas memorables de aquella sesión.

Llegó la Gran Depresión y por razones puramente económicas aquellas canciones no tuvieron la repercusión esperada. Quebraron los sellos y los discos quedaron almacenados en oscuros archivos cubiertos de polvo. No había eco para aquella voz majestuosa. Las grabaciones de Alan Lomax en la década de los 40 para la Biblioteca del Congreso fueron por motivos puramente etnográficos y Son no tuvo la fortuna que acompañó a Leadbelly.
Muchos pensaron que el inspirador de Robert Johnson y colega de Charley Patton había muerto y se llevaron una enorme sorpresa cuando los "cazadores de viejos bluesmen" lo encontraron viviendo como jubilado de ferrocarriles en Rochester, muy lejos del Delta y al lado mismo de la ciudad de Nueva York. Fue como localizar la misma tumba de Tutankamon en 1964. Luego llegaron 10 años de fama para un sorprendido Son House aupado a la gloria por un montón de hippies entusiastas. Se retiró en 1974 y murió en 1988.

Dice Ted Goia en su libro: "Incluso cuando era viejo golpeaba las cuerdas con una gran intensidad (...) Parece que la música no se toca en el instrumento sino que se arranca de él (..) Produce la sensación de que la guitarra está suplicando que le dé un respiro"

Hindi Zahra, reina mestiza

2011-04-25T13:10:00.002+02:00

Dos sábados atrás, mientras medio mundo se sometía al imperialismo futbolero encarnado en esa falsa antinomia merengona-culé, éste que escribe, prescindiendo de sus arraigadas querencias balompédicas, fue a un concierto de Hindi Zahra y he de confesarlo : salí ganando

Hindi se ha convertido en una auténtica sensación en la música europea con su primer disco, Handmade, publicado por Blue Note a principios del 2010. Un álbum que responde a la perfección al mestizaje personal de la cantante: nacida en Marruecos, residente en París desde los 15 años y cantando en inglés y en menor medida en bereber o francés. Mestizaje personal y mestizaje musical para una intérprete que grabó su disco con un mimo exquisito, rompiendo las falsas barreras entre géneros y donde cualquier amante de la música sin etiquetas puede encontrar motivos para el placer.

Hindi Zahra en directo es una cantante magnética que te arrastra a donde ella te quiere llevar. Se acompaña de un guitarrista poderoso muy de la escuela de Django Reinhardt -el mismo del vídeo anterior-; de otro guitarrista y ocasional instrumentista de banjo realmente sorprendente; de un batería contundente y un percusionista atento a las más nimias sutilezas. Mucho ritmo y un swing contagioso que te hace vibrar y mover las piernas en cada uno de sus temas.

Las comparaciones podrían ser posibles, pero no hablo de una nueva Norah Jones. Es cierto que comparte con la hija de Ravi Shankar una voz sensual y envolvente pero se sitúa fuera de ese marco excesivamente comercial en el que se desenvuelve la americana. Creadora total, Hindi es compositora, productora y mezcladora de sus temas. Una manera de trabajar que responde muy bien al título de su álbum: hecho a mano.
Reconfortante Hindi Zahra, una reina mestiza en el territorio de las etiquetas.

Un libertino con conciencia y un músico insatisfecho

2011-04-12T10:08:00.002+02:00

Al final el libertino reflexiona sobre sus actos y parece arrepentirse de sus acciones. Es posible que no sea capaz de despojarse de si mismo y bajar de su estatus de triunfador infalible, pero al menos ganará sensibilidad hacia el entorno mientras sigue conquistando. La sociedad ha cambiado y el Don Juan contemporáneo no tiene que sufrir el castigo divino y ser arrastrado al infierno para penar sus culpas.
Alfie, la original, es una película de Lewis Gilbert de 1966 basada en una pieza teatral de Bill Naughton y protagonizada de forma magistral por un chulesco y arribista Michael Caine. Una obra de una misoginia inconcebible para estos tiempos de irrefrenable ortodoxia moral pero afín a aquel mítico Swinging London, alocado y sesentero, que tan bello se nos muestra a lo largo de la cinta. La canción final es de una jovencísima Cher sobre un tema de Burt Bacharach pero el conjunto de la banda sonora es obra de un insospechado Sonny Rollins y este tema inolvidable aquí versioneado por el mismo autor en 1982:

Cuando estaba actuando en el Ronnie Scott de Londres a principios de 1965, le llegó a Sonny la propuesta de realizar la banda sonora de Alfie. A su vuelta a Nueva York compuso los temas y reunió a su alrededor a 9 grandes músicos de la escena de la Gran Manzana. Gente como Phil Woods, J.J. Johnson, Kenny Burrell, Roger Kellaway, Frankie Dunlop y sobre todo Oliver Nelson que le ayudó en la composición, en los arreglos y también tocó el saxo tenor. La experiencia fue muy gratificante para Sonny pero se quedó con las ganas de repetirla hasta 1999. A Oliver Nelson le fue mejor y tras su traslado a California a finales de los 60, tuvo la oportunidad de componer temas de éxito para la pequeña y gran pantalla. Transition Theme for Minor Blues es otro de los temas de Alfie.

Esta hermoso tema en tiempo lento On Impulse, con un solo impresionante de Sonny Rollins, es otra de las piezas maestras de la banda sonora. Que la disfrutéis.

La orgía rítmica de Trilok Gurtu

2011-04-04T19:05:00.006+02:00

El sábado pasado asistí al concierto inaugural del XVI Ciclo de Jazz de la Fundación Barrié de la Maza en A Coruña a cargo de Jan Garbarek y su grupo formado por Reiner Bruninghaus a los teclados, Yuri Daniel al contrabajo y el percusionista indio Trilok Gurtu.
Fue una actuación entretenida y variada donde el estilo atmosférico y frío del músico noruego se combinaba con la soltura armónica y rítmica de sus acompañantes. Tantos años después, Garbarek sigue siendo el chico ECM por excelencia. Sigue fiel a ese sonido que creó y desarrolló la discográfica alemana ofreciendo propuestas musicales desde territorios alejados del jazz tradicional, especialmente echando las redes en ese vivero inagotable hoy llamado World Music. Pocos músicos en el mundo del jazz han sido más denostados que Jan Garbarek. Cuando era joven por pertenecer a la cuadrilla free de Albert Ayler o Cecil Taylor y de los 80 para acá, por acercarse a ese extraño cóctel que se denominó New Age y que ignoro si sigue funcionando.
Me gustó el concierto, me gustaron los solos de su ya viejo colaborador Reiner Bruninghaus y sobre todo me encantó Triluk Gurtu. Imaginaros en directo algo parecido a ésto:

Trilok es un músico singular. Empezó su carrera como batería a la manera occidental pero se fue introduciendo progresivamente en el estilo percusivo de su India natal convirtiéndose en uno de los principales virtuosos de la tabla, un instrumento compuesto por dos tambores: uno pequeño de madera, melódico que se toca con dedos y palma; y el otro armónico, de metal, que se toca con dedos, palma y muñeca. El poderoso y magnético estilo de Trilok Guru causó sensación en el mundo del jazz desde la década de los 70 y su estilo se afianzó con el desarrollo de la World Music en los 80. John McLaughlin formó un trío con él y ha tenido la oportunidad de tocar con Don Cherry, Dave Holland, Pat Metheny o Joe Zawinul con el que podemos verle en plena orgía rítmica en este Orient Express:

Una Liz entre tinieblas

2011-03-27T14:43:00.004+02:00

De adolescente hizo una película que se titulaba "La chica que lo tenía todo", pero no es cierto, le faltaba voz. Pero ella era "la fierecilla indomable" y quiso intentarlo:

La edad la convirtió en una mujer de belleza madura con cierto aire de matrona británica, donde las huellas de una vida sentimental agitada ennoblecían un rostro que seguía siendo inconcebible hermoso. Sin embargo, uno no puede dejar de recordarla con 19 años acompañando al cadalso a su partenaire Montgomery Clift en Un lugar al sol. Esta es su hermosa banda sonora creada por Frank Waxman, aquel músico judío escapado del nazismo y conocido por ser el compositor de El Ángel Azul, Rebeca, El Crepúsculo de los Dioses, Objetivo Birmania etc..

En 1954 es Helen Ellswirth, una vividora autodestructiva en La última vez que vi París, inspirada en una novela de Scott Fitzgerald que refleja livianamente la vida al límite de los grandes escritores norteamericanos de la Generación perdida en la capital francesa. Esta es una versión de su tema principal interpretado por el extraordinario Johnny Hodges.

Y en 1958 llegó Maggie la gata. Maggie la tórrida. Maggie la superhembra dispuesta a derribar las murallas de Jericó con su prodigiosa sensualidad. Para vencer la gélida resistencia de su apuesto y equívoco marido, obsesionado por su amigo muerto, un eufemismo para reflejar lo que en la obra de Tennessee Williams era abierta homosexualidad. Este es un fragmento de su banda sonora. En el Spotify hay un hermoso tema con el mismo título a cargo de Dinah Washington. (Este es el enlace para quien tenga el programa)

La relación caníbal entre Richard Burton y Liz Taylor no solo dio pingues beneficios a la prensa cuché durante varias décadas, también sirvió como excusa para que la pareja protagonizara varios fogosos melodramas que reflejaban la crisis de el concepto tradicional de pareja en los enloquecidos años 60. Indudablemente la película prototípica en este sentido fue ¿Quién teme a Virginia Wolf? donde una Liz Taylor, gorda, vulgar y frustrada fustiga y es fustigada por su marido, un profesor universitario alcohólico, ácido y autodestructivo. Tuvo un merecido óscar por su mejor interpretación delante de una pantalla.
Ella, la luminosa, alcanzó la luz entre las tinieblas del deterioro y la decadencia.
Este ese el tema Who's Afraid of Virginia Wolf, interpretado por el rey del órgano Hammond, Jimmy Smith.

Ese canto triste

2011-03-21T13:26:00.002+01:00

Hoy, Día Mundial de la Poesía y primero de la primavera boreal, sólo puedo imaginar un canto así.

Y si canto triste
es porque no puedo
borrar el miedo
de mis pobres ojos.
Yo no amo la muerte
ni su paso tan helado,
no la quiero para hoy, ni tampoco como recuerdo;
que me gusta el latir de ese corazón que, luchando,
da vida a la muerte a la que lo han condenado.

Cuando yazga, yazga en la tierra, que mis errores
no causen pena en tu pecho;
Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino;
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.

El domingo es triste, mis horas son de insomnio
Amado, las sombras con las que vivo son infinitas
Las pequeñas flores blancas nunca te despertarán
Allá donde el coche fúnebre de la tristeza te ha llevado
Los ángeles no tienen intención de resucitarte
¿Se enfadarían si pienso en reunirme contigo?

Cantabile

2011-03-14T11:21:00.001+01:00

Hace unas semanas en Música para gatos, el magnífico blog de mi amigo Jazzy, se hacía referencia al concierto que en 1997 dio en el Blue Note de Tokio, el pianista francés Michel Petrucciani acompañado del batería Steve Gadd y del bajista Anthony Jackson, su grupo de entonces, casi su grupo postrero.
El concierto es el origen de un disco realmente excepcional publicado a título póstumo en 1999, varios meses después de la muerte del pianista tras una crisis pulmonar que su precaria salud no pudo superar.
Tal como dice Jazzy :
"Trio en Tokio es una interesante colección de 8 temas, siete de ellos compuestos por Petrucciani más una cumplida versión del clásico "So What" de Miles Davis, en la cual este trio nos demuestra de forma eficaz lo efectivo del formato. Una extraordinaria base rítmica creada por Gadd y Jackson sobre la cual Petrucciani parece volar sin complejos, ofreciéndonos una auténtica demostración de su impresionante sentido de la melodía y la armonía..."
Con el mismo grupo, similar belleza, la misma luminosidad y puede que incluso con mayor compenetración con sus compañeros, el 8 de febrero de 1998 ofrece en el Kultur Und Kongresszentrum Liederhall de Stuttgart el que sería uno de su últimos conciertos del que tenemos testimonio videográfico. En él se repiten cuatro temas del concierto de Tokio. Su clásico e imprescindible Little Peace in C For You, el extraordinario September Song, su versión del So What de Miles Davis y ese bellísimo Cantabile, un himno embebido de gospel y soul cuya poderosa melodía se pasea impunemente desde hace unos días por mi cabeza. Sin duda, un rompecascarones de rompe y rasga.
Os dejo con las dos versiones. Si os apetece elegid alguna, yo soy incapaz. Las dos me encantan.

Calles del jazz

2011-03-04T21:28:00.001+01:00

BASIN STREET

CANAL STREET

BEALE STREET

12th STREET

52nd STREET

Abe, creador

2011-02-27T19:05:00.000+01:00

El viernes pasado tuve la oportunidad de acercarme a Abe Rábade para que me firmase un ejemplar de su último disco, Zigurat. Abe es una persona cordial y sumamente afable. Te estrecha la mano con fuerza y se siente agradecido de que la gente se interese por su música. Tanto su madre como su padre son dos escritores gallegos de reconocido prestigio y su hijo ha heredado su mismo gusto por nuestro idioma que él pronuncia con un acento hermoso, bien timbrado, exacto. Tal cual suena Rábade cuando se pone detrás de un piano.

El viernes a Abe se le veía feliz. Había estado tocando durante una semana con su trío en el Café Central de Madrid y se notaba que se sentía enriquecido por la experiencia de tocar todos los días con su grupo actual: Pablo Martín Caminero al contrabajo y el portugués Bruno Pedroso a la batería. Lo que debería ser habitual, lo que fue habitual en otro tiempo y permitió que el jazz llegara a donde llegó, es decir, el contacto diario de los músicos entre sí y con el público que va a verlo, es algo que se ha convertido en excepcional y raro. Los músicos tienen pocos conciertos -en su mayor parte centrados en la temporada de festivales- dedicando el resto del tiempo a otras actividades: la enseñanza, acompañamientos a otros artistas o esporádicas sesiones de grabación en estudio.
Abe es un creador de música, no un mero intérprete de jazz -en su último disco solo una pieza no es de su cosecha- y necesita que sus temas circulen, se desgasten, se reciclen y que incluso acaben convirtiéndose en otra cosa. Por eso precisa de las actuaciones en directo.

Zigurat es el séptimo álbum de Abe Rábade como líder y es un disco brillante y hermoso donde al lado de temas "jarretianos" como el anterior, hay otros de un lirismo excepcional. Entre ellos un tormentoso y complejo Xiket, como homenaje al gran saxofonista valenciano Jesús "Xiket" Santandreu.

En su página web o a través del Spotify podéis seguir escuchando los temas del último disco de este creador extraordinario.

Todo me sucede a mí

2011-02-20T14:25:00.003+01:00

Si tengo cita para jugar al golf, puedes apostar tu vida a que llueve.
Doy una fiesta, y se queja el tipo de arriba.
Creo que voy por la vida cogiendo resfriados y perdiendo trenes.
Todo me pasa a mí.
Nunca me pierdo nada. He tenido el sarampión y las paperas.
Y cada vez que juego un as, mi pareja es quien triunfa.
Creo que sólo soy un tonto, que nunca miro antes de saltar.
Todo me pasa a mí.
Al principio, mi corazón me decía que podría romper este maleficio.
Que el amor daría fin a la farsa y terminaría la desesperación.
Pero ahora no puedo engañar a esta cabeza que piensa para mí.
He hipotecado todos mis castillos en el aire.
He telegrafiado, telefoneado e incluso he enviado un correo aéreo especial.
Tu respuesta fue un adiós y luego tuve que pagar los gastos de envío.
Me enamoré una sola vez, y tenía que ser de ti.
Todo me pasa a mí.

Se dice que Frank Sinatra subió a los altares musicales cuando actuó en medio del delirio de sus fans el 30 de diciembre de 1943 en el Teatro Paramount de Nueva York. Un año antes era vocalista en la orquesta de Tommy Dorsey y ya era considerado el cantante más importante del momento. Tommy Dorsey, un tipo implacable y con un enorme olfato comercial, sabía la perla que le había arrebatado a Harry James en 1940 y puso alrededor del músico de Hoboken todo aquellos elementos que resaltase las enormes cualidades del cantante. Matt Dennis era uno de ellos y se convirtió en el compositor de referencia en las primeras grabaciones de Sinatra y Dorsey en febrero de 1941. El primer tema de aquel disco tenía letra de un periodista y poeta aficionado de la costa Oeste, Tom Adair. Una balada triste y autocompasiva en primera persona sobre un individuo que vive instalado en la mala suerte pero que sabe reírse de si mismo.

La primera versión instrumental relevante de este tema pertenece a un álbum que más que un disco parece una blasfemia para muchos que tienen a Charlie Parker como un Mesias de la nueva música. Charlie Parker with Strings, un disco de 1949 que alguna vez habrá que empezar a mirar sin tantos ridículos prejuicios.

¿Por qué un músico como Thelonious Monk tan reacio a tocar composiciones de otros, con la excepción de su idolatrado Duke Ellington, interpreta esta sencilla balada en su segundo álbum en solitario? Se trata de una actuación en directo, en la sala Fugazi de San Francisco. Monk en ese 1959 está en la cumbre de su popularidad gracias en parte al trabajo de productor de Riverside Records, Orrin Keepnews, que lo ha proyectado a la fama. Vende discos y puede actuar libremente en Nueva York, después de la retirada de su carnet de trabajo durante gran parte de los 50, hasta el punto de que las salas pelean por contratarlo. Hasta la revista Downbeat, que siempre lo ha ignorado, lo considera el mejor músico del momento en el año 1958. Esta es la versión balbuceante, profunda y casi desgarradora que ofrece el maestro de Everything happens to me. Un tema nacido para ser interpretado por un cantante nos llega a la médula en una versión instrumental. Eso sí que es prodigioso.

Pero no podemos prescindir de la voz cuando se agarra al tema como si fuera su propia piel. Frank Sinatra no dejaba de ser el poderoso, seguro y contundente Frank Sinatra cuando cantaba este tema. Chet Baker, en cambio, se instala en él y lo llena de su propia fragilidad existencial. Cuando oímos a Chet, cantando o tocando su trompeta, nos da la sensación de que es un equilibrista que se juega el tipo en cada paso - a veces torpe- que da sobre el alambre. Pocos temas reflejan tan bien esta inestabilidad dolorosamente bella como su versión más conocida del tema, para mí la definitiva.

Swing Heil!

2011-02-10T17:46:00.000+01:00

Veinte años antes de que el rock entrase en Alemania a través de Hamburgo, ciudad portuaria y abierta a los mil vientos que recorren el mundo; veinte años antes, por tanto, de que el más famoso grupo del pop mundial forjase su identidad en el viejo barrio de St. Pauli; un grupo de valerosos muchachos, los Swingjugend, intentaba vivir y disfrutar de la música con la que se identificaban aún a costa de jugarse el pellejo. No era un fenómeno local de la ciudad hanseática aunque allí alcanzó enorme transcendencia, en todas las grandes ciudades alemanas grupos de jóvenes aparentemente hedonistas desafiaban al terror nazi a través de sus ropas holgadas al estilo británico, sus inseparables paraguas negros, sus pelos largos cubiertos de brillantina y su infinito amor por la música swing.

Son imágenes de "Los rebeldes de swing" (Swing Kids) película norteamericana dirigida por Thomas Carter en 1993 que refleja aquel ambiente libertario enfrentado a la intolerancia fanática del régimen nazi. Durante todo el Tercer Reich la propaganda insistió en su rechazo a aquella música negra promocionada por capitalistas judíos que despertaba los instintos más primarios y lascivos gracias a ritmos africanos que amenazaban con enturbiar la salud física, moral y espiritual de la juventud aria. Un fracaso en toda regla, incluso en plena Guerra Mundial, que obligó al nazismo a hacer mil piruetas para reconducir la situación desde la pura represión- centenares de chicos swing terminaron en campos de concentración- hasta la creación de orquestas que reconvirtieran las letras de los temas más populares del swing dándoles un contenido antialiado, racista y pronazi. Este es el caso de Charlie and His Orchestra que en 1939 interpreta de esta manera el célebre St. Louis Blues.

Una moda que habiendo nacido por pura emulación de lo que ocurría en el resto del mundo occidental -en Francia a los jóvenes que estaban en la misma onda se les llamaba zazús- es duramente reprimida por las autoridades lo cual provoca un movimiento de reacción que sorprende a un régimen que necesita una juventud sumisa, uniforme y entregada a la causa.

Muchos de aquellos muchachos que solo querían divertirse se convirtieron en parte del movimiento de resistencia civil al nazismo. Tenían sus redes clandestinas para conseguir discos, ropa, maquillaje o para poder bailar la música que les gustaba en ambientes no controlados. Sus casas estaban repletas de elementos identificativos de los grandes ídolos del swing, en especial de aquellos que por su condición racial o étnica estaban especialmente mal vistos por los nazis: Benny Goodman o Artie Shaw por ser judíos, Django Reinhardt por ser gitano, Louis Armstrong, Duke Ellington etc.. por ser negros.
Aunque las preferencias de estos jóvenes iban más bien hacia los grandes jazzmen americanos, en Alemania había también grandes orquestas consagradas al género. Quizás la más sobresaliente de todas fuera la dirigida por Kurt Widmann en Berlín que sobrevivió hasta bien entrada la guerra y siguió teniendo una enorme popularidad cuando se reconstruyó tras el final del régimen. Este es quizás su mayor éxito, en plena época nazi.

En la escena final de Los Rebeldes del Swing, Peter Müller el personaje principal es capturado y llevado en un camión por la Gestapo y su hermano pequeño corre detrás del vehículo mientras se animan con el grito Swing Heil, el lema que tomaron como propio los Swingjugend remedando el saludo oficial Sieg Heil. Una forma de proclamar bien alto que aunque lo repriman, el swing y todo lo que le envuelve, seguirá viviendo en las siguientes generaciones.

Flamingo

2011-02-03T19:25:00.000+01:00

En el mundo de las palabras algunas nacen bendecidas desde la cuna. Pongamos el caso de la expresión inglesa Flamingo que como sabéis designa a una hermosa ave zancuda. Una palabra bella que sirve para designar entre otras a una ciudad en Florida, a un supervillano enemigo de Batman o a un Capitán infantil defensor de las buenas causas en dibujos animados. También es un legendario casino y hotel en Las Vegas donde el rey Elvis rodó esta escena:

En el campo musical, que es lo propio en este blog, hay que remontarse al año 1940 e imaginarse a un joven rumano ansioso por entregarle una partitura al gran Duke Ellington que actúa esa noche en Filadelfia. Casualmente el cantante Herb Jeffries pasa por allí y Ted Grouya, en su balbuciente inglés, logra entregarle el tema que ha escrito. Herb se lo guarda en el bolsillo y se lo enseña a Billy Strayhorn que lo toca en el piano del camerino. Duke está por allí, lo escucha y le pide a Edmund Anderson que haga algunas variación a la letra antes de grabarla a finales de ese mismo año. Será el gran hit de la orquesta en 1941, pero el novel compositor se sintió molesto por los cambios efectuados en su composición. Solo el éxito alcanzado logrará aplacarle.
Flamingo es uno de los temas favoritos de Ellington que lo consideró clave en la renovación de la antes acaramelada orquestación de los temas vocales.

El fenomenal y rumboso saxo alto Earl Bostic, al que John Coltrane consideraba su maestro, renovó la popularidad del tema llevándola al número 1 de las listas de rhythm and blues en 1951.

The Flamingos fue uno de los más excitantes grupos de Doo wop -o Dudúa como prefiráis- en la segunda mitad de la década de los 50. El conjunto obtuvo su máxima popularidad en 1959 con un viejo tema que el actor Dick Powell ya había cantado en un film de 1934 y que con posterioridad fuera interpretado por gente de la talla de Al Jolson, Peggy Lee o Doris Day. Es indudable que la versión de The Flamingos, siendo más tardía, ha quedado como la más clásica de I Only Have Eyes for You.

Entre los más ilustres representantes de lo que se denominó la "invasión británica" ocupa un lugar especial el grupo de un teclista de jazz huido de su Sudáfrica natal en desacuerdo con la política del apartheid. En el Reino Unido formó un dúo con Mike Hugh que luego se convertiría en un grupo que terminó llevando su propio nombre, Manfred Mann. En sus años pop, luego volvería al jazz, tuvo un éxito extraordinario con la canción de una bella mujer al que todos los chicos del barrio comparaban por su belleza con un bonito flamenco.

Augusto y "despreciable"

2011-01-28T11:11:00.000+01:00

Quizás uno de las claves del triunfo de la cultura norteamericana a lo largo del siglo XX estriba en el enorme respeto que ha mantenido a sus creadores, independientemente de los orígenes, el estilo y la carrera de cada uno. Hubo un racismo espantoso, es cierto, pero incluso con el tiempo los grandes artistas afroamericanos encontraron su lugar al sol.
En el terreno propiamente musical los grandes compositores norteamericanos lo han sido por encima del género que practicasen y han podido convivir sin excesivas estrecheces Leonard Bernstein, Aaron Copland, John Cage, Duke Ellington, Cole Porter, Ornette Coleman, Carole King o Jimi Hendrix.

Europa es esclava de su prolífica historia. En Europa las fronteras culturales siempre han estado bien definidas y la música de élite ha marcado claramente sus diferencias con respecto a la "despreciable" música popular y no digamos si se trata de la música ligera, la más "despreciable" de todas las músicas. Si en algunos países ha habido cierta aproximación desde géneros cultos a su música ligera, por estas latitudes la cosa sigue muy cruda más allá de la reivindicación creciente de la antes denostada copla.
Todo este largo preámbulo viene a propósito de la figura de Augusto Algueró, ahora que ha tenido que morirse para ser recordado e incluso venerado por muchos de los guardianes de las esencias musicales españolas.

Los italianos, los brasileños, los franceses no sé cansan de hacer versiones de aquellos maravillosos temas que formando parte de su patrimonio musical también son un fragmento de su patrimonio sentimental. No digamos los estadounidenses con sus hermosas melodías nacidas en sus poderosos supermercados de Broadway o Hollywood. Es triste pensar que un tema tan extraordinario como "Tómbola" solo cuente con algunas edulcoradas versiones pop y nadie, que yo sepa, le haya dado un toque, por ejemplo, más jazzístico.
Todos los que odien a Marisol quedan excusados de ver el vídeo siguiente:

Monna Bell fue una cantante chilena que obtuvo un enorme éxito en todo el mundo incluyendo Nueva York a finales de los 50 incluso versioneando en español el Only You de The Platters. Se radicó en España a principios de los 60 y fue una de las pioneras del nuevo pop español. Aquí la tenemos interpretando un fragmento de uno de los grandes clásicos de Augusto Algueró.

Creo que el final es obligado y además aunque os pese, no podría evitarlo:

Manos de pianista

2011-01-20T13:33:00.004+01:00

En su biografía sobre Thelonious Monk, dice Laurent De Wilde, que no se puede decir que el músico tuviese manos de pianista. En cambio las manos de Keith Jarrett son “ a la vez delicadas y musculadas, ágiles y poderosas, como las de un atleta. Nerviosas, sensibles, potentes, artistas. A veces dudosas ante el teclado. Pero de una forma tan instintiva que no abandonan jamás la seguridad de su búsqueda".

Dice luego de las manos de Bud Powell: “sus fabulosos dedos como espátulas que parece que acarician las teclas, más que pulsarlas, con la parte carnosa de los dedos, sin el más mínimo signo de fatiga”

Para De Wilde, las manos de Oscar Peterson son dos inmensos sistemas mecánicos que parecen cubrir todo el teclado.

"Las manos de Bill Evans, perfectamente atentas, sin un gesto inútil, siempre cerca de las teclas, como si fuera a extraer una savia fina y constante"

En cambio la mano de Monk "es como una palma dividida en cinco, donde cada dedo termina con una uña extraordinaria en punta...La mano de Monk no parece hecha para encerrarse en un puño y una fuerza invisible parece que le obligue a estirarse rígida. Además los dedos no se separan demasiado entre ellos. Les gusta mantenerse unidos... Y en las manos, anillos. A veces uno en cada mano, pero siempre en el anular izquierdo el famoso anillo donde pone Monk... Son manos paradójicas, manos que uno consideraría groseras, pero que con una delicadeza infinita, pueden sujetar una mosca por las alas."

Amos del Boogie Woogie

2011-01-14T11:02:00.000+01:00

Mientras los chicos del nuevo jazz salían de sus humeantes tugurios en Harlem y encontraban la nueva tierra prometida en la calle 52, la calle del swing; al otro lado del país, en Los Ángeles, un jovencísimo pianista y cantante texano, excombatiente condecorado en la batalla de Filipinas, grababa sus primeros discos en una desconocida compañía llamada Aladdin Records.

Boogie woogie en estado puro para los tiempos duros de postguerra. Un poco de alegría después de tanta infelicidad. Su primer gran éxito fue este “Down the Road a Piece” de 1946. Amos Milburn, con su irresistible sonido, siempre fue considerado un pionero del rock and roll pero nunca estuvo tan cerca como en este primer hit. Luego llegarían otros de importancia crucial en el desarrollo del mejor rhythm and blues de la época. Su Chicken Shack Boogie, un jump blues de 1947 en las más pura ortodoxia del género, tuvo tal éxito que podría haberle permitido vivir de sus rentas el resto de su vida. Aunque en el vídeo el sonido es deficiente, merece la pena ver como este hombre se desenvolvía en un escenario.

Siguieron los éxitos y en 1949 una encuesta de la influyente Billboard entre los programadores musicales del todo el país, lo considera como el mejor intérprete de r&b del momento. Es un año triunfal y cuatro de sus temas ocupan los primeros lugares de las listas. Realiza giras por todo el país con otros grande artistas del género y la pequeña compañía discográfica crece y se enriquece hasta el punto de poder llevar a su catálogo a grandes artistas como Billie Holiday. 1950, el año de "Bad, Bad Whiskey".

No es que Amos se convirtieran en cosechero, bodeguero o barman. Tampoco era especialmente aficionado al alcohol teniendo en cuenta los parámetros de la época; pero encontró, o más bien sus productores encontraron, todo un filón en los temas dedicados al alcohol y ya se sabe que aquella gente no soltaba un filón hasta dejarlo exhausto. En esta faceta espiritosa su gran tema es "One Scotch, One Bourbon, One Beer", que se convirtió pronto en un standard del blues de Chicago y que cuenta con una versión inmensa del gran John Lee Hooker.

No es casualidad que Amos se acercara al blues a mediados de los 50. En realidad, nunca había abandonado ese territorio, que era en el que siempre se había amamantado. Fueron años difíciles para aquellos pioneros, el rock asomaba su cabeza exigente por la puerta y quería par él todo el espacio disponible en la música popular afroamericana. Las ventas empiezan a caer y Aladdin entra en crisis. Después de 11 años, Amos rompe con su compañía de siempre e intenta seguir con su carrera. No tiene éxito apenas y aunque ficha por la Motown en los 60, el que consigue es a través de la reedición de sus viejos temas, más populares en otras voces.
Amos Milburn muere en 1980 tras múltiples problemas cardíacos. Solo tenía 53 años.

Volar tan arriba

2011-01-07T12:58:00.003+01:00

(Dedicado a Paloma)

La muerte, esa zorra insaciable, se ha llevado a otro de los nuestros.
Gerry Rafferty nació en una familia escocesa extremadamente humilde, trabajó duro desde muy joven y emigró a Londres en busca de éxito donde empezó su carrera cantando en el metro. Allí conocido a otros artistas callejeros y formó parte de The Humblebums. Tras la separación del grupo a principios de los 70, formó con Joe Egan otro grupo de folk rock llamado Stealers Wheel con los que realizó grabaciones de relativo éxito como Stuck in the Middle, un tema inmortalizado en la película Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. El éxito no impidió que el grupo saltase en mil pedazos y Gerry, por problemas con su contrato discográfico, no pudo realizar ninguna grabación en los siguientes tres años.
Aprovechó el tiempo. Cuando el mundo musical empezaba a experimentar los temblores del terremoto punk y el resto seguía de bailoteo bajo enormes esferas plateadas contagiado por el ritmo alegre y bullicioso de la música disco, Gerry tomo aire, se impulsó hacia adelante y se lanzó de nuevo a la aventura musical con City to City un disco que contenía una de las más soberanas creaciones musicales de los 70 y para mí, una de las más emotivas de la música pop de siempre. Una rompecascarones, en definitiva. Todos recordamos eso solo de saxo del músico de estudio Raphael Ravenscroft, aunque es todo en su conjunto -letra, música e interpretación- lo que nos estremece o al menos a este servidor.
Pasó lo que pasa tantas veces: tras la llegada a la cumbre solo queda el descenso hacia un horizonte de recuerdos y buenas regalías económicas que nunca son suficiente alivio cuando ya no se puede volver a volar tan arriba.

Adiós al embajador

2010-12-31T13:42:00.002+01:00

"El pianista de jazz y compositor estadounidense Billy Taylor murió a los 89 años en Nueva York a raíz de un paro cardíaco, según cita hoy el "New York Times" en declaraciones de su hija. Taylor, que prefería ser llamado Dr. Taylor por el diploma que había obtenido en pedadogía musical, comenzó su carrera en clubs famosos de la gran metrópoli como 'Three Deuce' y 'Birdland', donde tocaba swing y bebop. Pero alcanzó verdadera fama en todo el país a través de sus composiciones.
Sus programas llevaron a que el jazz fuese respetado como verdadera forma artística, valor que esta corriente musical no tenía cuando Taylor, hijo de un dentista y de una maestra, comenzó a tomar clases de piano a los siete años.
Con el tiempo, Taylor comenzó a dar clases en la Universidad de Long Island y en la Escuela de Música de Manhattan. Fue, entre otros, miembro del Consejo de Cultura de la ciudad de Nueva York, al que también pertenecían compositores como Leonard Bernstein, y asesor del Centro Kennedy para las Artes Escénicas en Washington.
Compuso alrededor de 300 obras, entre las que destaca el gospel 'I Wish I Knew How it Would Feel to Be Free', canción que, grabada en un primer momento por Nina Simone, se convirtió en los años 60 en himno extraoficial de los movimientos por los derechos civiles."
(EL MUNDO.ES)

"Aunque no era un innovador, Taylor, era lo suficientemente flexible como para tocar swing, bop y otros estilos de vanguardia sin perder su propia personalidad". (Scott Yanow en Allmusic Guide)

Billy Taylor poseia una rara combinación de creatividad, inteligencia, visión , compromiso y liderazgo, cualidades que le convirtieron en uno de nuestros tesoros nacionales más apreciados (All About Jazz)

Y un regalo para el Año Nuevo de un trío de ases:

Unas Navidades animadas y vacunados contra el 2011

2010-12-24T13:42:00.002+01:00

Nos seguimos viendo, Blake

2010-12-17T15:50:00.000+01:00

Blake Edwards ha muerto y no dejamos de sentirnos como ese individuo resacoso con ínfulas de escritor que intenta dar un vuelco a su humillante vida de gigoló. Apenas unas líneas insatisfactorias en una máquina de escribir y suena una canción. Una de las más maravillosas canciones que haya sonado jamás en una pantalla de cine. Abre su ventana y la ve y al mirarla todos nos enamoramos de ella. Diosa moderna que ha forjado nuestros más bellos ideales.

No podemos dejar de recordar a aquella pareja predestinada a ser feliz en un futuro que se presentía prometedor y cristalino. Pero todo se vuelve negro, el envés que todo anhelo de felicidad conlleva, en forma de sobrecargadas dosis de alcohol. Se rompe el idilio y un escalofrío nos recorre por dentro en un final amargo y sin remisión.

Y como no recordar esta canción tan sesentera interpretada por la poderosa Fran Jeffries en la primera versión de la Pantera Rosa esa vuelta de tuerca, ácida y sarcástica, a tanta historia de infalibles detectives.

Aquí el bienintencionado Hrundi V.Bakshi busca integrarse en los nuevos ritmos pero necesita una mejor comprensión de ciertas normas básicas de la nueva modernidad. Un pulpo hindú en un garaje, como nos ha pasado a todos nosotros alguna vez.

Y como final, una divertida versión del célebre You and Me, en la película con la que Blake logró demostrar la gran versatilidad dramática de su mujer, Julie Andrews fuera de sus roles habituales. Aquí Julie está acompañada por un extraordinario Robert Preston. Todos estos temas fueron creados o aderezados por eso genio imprescindible y primordial llamado Henry Mancini.

En la isla de Jesús

2010-12-09T10:08:00.002+01:00

Me fío mucho de los entusiasmos ajenos y más cuando proceden de una persona que demuestra día a día desde su blog Desde mi cadiera lo buen explorador que es en ese territorio que algunos miramos con cierto reverente temor llamado free jazz.

"por recomendar algo de blake de lo mucho e inmensamente bueno, su duo con jeanne lee de primeros de los sesenta. sin duda uno de los mejores discos de jazz vocal de la historia. "the newest sound around" (victor). ¿de que coño sirve una isla desierta si no te puedes llevar este disco?" (Jesús)
Este comentario entusiasta de Jesús en el blog de Esther Cidoncha me ha puesto en la pista sobre un maravilloso disco que no conocía.

Mi contacto diario con este mundo de Internet, con este mundo de blogs, me ha enseñado a entender que aquello que predicaba Sócrates a sus discípulos hace 25 siglos sigue en plena vigencia. Me estoy refiriendo al reconocimiento de la propia ignorancia y al deseo, casi la necesidad, de aprender algo nuevo cada día. Yo por ejemplo he aprendido hoy a apreciar este maravilla que supuso el debut discográfico de la cantante Jeanne Lee y del pianista Ran Blake allá en 1962. Por cierto, el motivo que dio pie a ese comentario es una fabulosa foto de Esther Cidoncha en su blog. Aquí podeis verla

Cierto, Jesús, una isla desierta sería menos isla y más desierto si no pudiéramos contar con música como ésta.

Cuatro joyas en serie

2010-12-01T13:17:00.002+01:00

Cada vez cuesta más ir al cine. Nuestras acogedoras celdas domésticas disponen de los medios necesarios para satisfacer nuestras necesidades de ocio sin tener que salir de la colmena. El cine tradicional se ha convertido en un festival de fuegos de artificios, películas bobaliconas para adolescentes, unos cuantos films de figuras relevantes que a duras penas mantienen el tipo o lo pierden vergonzosamente –caso de Woody Allen, Coppola etc…- y esos pocos films exóticos que han triunfado en los últimos festivales.
Frente a este panorama desolador, los mejores creadores han decidido desarrollar su carrera en la televisión, un medio denostado hasta la nausea pero que hoy en día ofrece productos de calidad inusitada.
Grandes productos de ficción acompañados de excelentes bandas sonoras, casi siempre.
He decidido recordar cuatro de las series que más me han impresionado en las últimas décadas a través de sus temas principales. Para muchos será un territorio trillado de tan conocido. Para mi un bonito recuerdo a cuatro joyas que me han hecho disfrutar de lo lindo.
Empezaré por los 90 con dos series que rompieron los moldes, que propiciaron el boom actual y que con los años se han convertido en objetos de culto. El tema de la primera está compuesto por un por entonces desconocido compositor recién licenciado en Berklee que pronto se especializaría como compositor de series de televisión. David Schwartz no volvió a tener un éxito aquel que le lanzó a la fama y le hizo ser candidato a un premio Emmy.

A pesar de su ya por entonces larga carrera musical, vinculada al jazz y a la composición, Angelo Badalamenti alcanzó fama universal a la sombra del director David Lynch, en películas como Terciopelo Azul, Mulholland Drive y sobre todo gracias a esta inolvidable pieza maestra para la serie de mayor impacto de los 90.

Dos producciones emblemáticas de la última década pero cuya trascendencia rebasa esos límites. Creo que estamos hablando de dos de los mejores ficciones jamás salidos de un estudio de televisión norteamericano. La primera es mucho más que una película sobre la Cosa Nostra y el mundo que la ha hecho posible, en ella se traza una radiografía implacable de la familia americana actual solo comparable a lo que en el terreno caricaturesco nos ha revelado Los Simpson. A Alabama 3, un oscuro grupo británico que gusta de coquetear con múltiples géneros musicales, le tocó el premio gordo cuando su tema Woke up this morning -un título que remite al comienzo de muchas letras del viejo blues- fue elegido como sintonía de Los Soprano.

Baltimore es una de esas antiguas ciudades americanas del Este. De esas que hemos oído nombrar un montón de veces pero de lo que no sabríamos trazar una imagen, un paisaje, un monumento significativo. Gracias a The Wire (Bajo escucha) ahora nos parece increíblemente cercana por lo menos su lado oscuro, como si pusiéramos una lupa delante de un cuadro hiperrealista. Corrupción, droga, redes mafiosas, policía, política, extorsión ¿Es Baltimore así o solo una obra de ficción pergeñada por David Simon, en la que se refleja el estado de descomposición que se puede percibir en cualquier metrópoli actual? No lo sé, me conformo con saber que es una obra de arte difícilmente repetible en la pequeña pantalla. El tema principal es el mismo en las cinco temporadas aunque con distintos intérpretes. Way Down on the Hole es una de las piezas más notables de ese gran disco de Tom Waits titulado Franks Wild Years (1987). En la serie me quedo con las versiones de la primera y segunda temporada. The Blind Boys of the Alabama es un grupo creado ni más ni menos que en 1939 por un grupo de jóvenes invidentes volcados hacia los espirituales. Hasta hoy mismo han cosechado grandes éxitos como los Grammy del 2002 al 2005 como mejor álbum de soul gospel original. Su versión de Way Down on the Hole es el de la primera temporada de la serie.

En la segunda temporada brilla la interpretación original de Tom Waits. Esa melodía quejumbrosa, abismal, inquietante tan cercana al estilo más genuino de su autor.

Vida fácil

2010-11-24T14:30:00.008+01:00

El tercer banquero más grande de Estados Unidos, J. B. Wall, ciego de furia por los dispendios económicos de su familia lanza por la terraza el abrigo de marta cibelina que su mujer acaba de comprar sin su consentimiento. Desde entonces, nada volverá a ser como antes.

Easy Living es una de esas maravillosas comedias locas (screwball comedies) que ayudaron a aliviaron la angustia ciudadana en los duros tiempos de la Gran Depresión. Fue dirigida en 1937 por Mitchell Leisen, un director “más preocupado por la puesta de escena y el vestuario que por las historias”, Billy Wilder dixit, pero que supo rodearse de los guionistas más mordaces del momento, como el propio Billy o en este caso, Preston Sturges, a pocos años de empezar su corrosiva carrera como director.

El tema con el mismo título, fue compuesto para la película por dos músicos que trabajaban para la Paramount: Ralph Rainger y Leo Robin. Es la única pieza que se escucha en el film pero su impacto fue tan extraordinario que se convirtió en uno de esos standards exquisitos que jalonan la música de jazz y sus afluentes.
La primera versión que ha sonado es la más conocida: la de Billie Holiday. La segunda con ese toque mágico y alaaaaaargaaaaadooooo para las baladas está cantada por Sarah Vaughan. La tercera, por la que tengo verdadera devoción, es ésta del siempre genial Clifford Brown.

Por último una interpretación de 1975 a cargo de un cuarteto de estrellas: Dexter Gordon, Teté Montoliu, Niels-Henning Ørsted Pedersen y Billy Higgins en un espacio que ya está en la leyenda: el Jazzhus Montmartre de Copenhague. Casi nada.

Sensación de felicidad

2010-11-16T13:58:00.000+01:00

Lo siento, soy un sentimental. Escuchar el que es mi tema vocal favorito desde hace muchos años, interpretado de forma tan conmovedora, genera en mi una especie de placentera y casi bobalicona sensación de felicidad.
Aquí os dejo primero la tremebunda versión en directo del propio Sam Cooke en el Harlem Square Club, pocos meses antes de su asesinato.

La segunda es de Mr. Van Morrison en un ya lejano 1973. Cuando se trata del viejo león poco más se puede decir.

La tercera me parece espeluznantemente hermosa. La protagoniza Roger Ridley uno de esos músicos callejeros activo en ese fantástico proyecto musical llamado Playing for Chance. Toda una hermosa coreografía infantil le acompaña.

Como colofón, la versión de Roy Hargrove, uno de esos momentos catárticos que el trompetista suele permitirse en cada uno de sus conciertos y que deja boquiabiertos y con el cascarón roto a los que tienen la fortuna de haber estado allí. Le acompaña el cantante Raphael Saadiq.

El hombre de las tres erres

2010-11-10T13:08:00.001+01:00

En su célebre y patética autobiografía, Lady sings the blues, Billie Holiday se lamenta de que Jimmy Davis se marchase para Europa antes de que pudiese grabar Lover Man, el tema que había escrito para ella. A Billie le molestaba que Roger "Ram" Ramirez, el autor de la música, se llevase todos los honores por componer esa joya deslumbrante.

Ram Ramírez era un hombre afable y no se mostró particularmente agraviado por las afirmaciones de Ladyday en su libro.
"Tiene el corazón de una niña" afirmó en una entrevista.
Quizás fuese pura cortesía latina tras la que se puede agazapar sin problema el enfado de un hombre al que cuestionan la autoría de la creación más importante de su vida.
Todo los datos indican que la idea original del tema procedía de Ram y que la letra fue escrita por Davis siguiendo sus directrices. El tercer coautor, Jimmy Sherman, aparece como tal por su amistad con el músico puertorriqueño sin que se pueda afirmar que tomó parte en la composición.
Los derechos de Lover Man fueron registrados en 1941, siendo grabada por primera vez por el sexteto de Eddie Heywood. Tres años más tarde saldría al mercado la versión de Billie Holiday.
Otra composición de Ram Ramírez es este dinámico B-Flat Blooze, aquí interpretado por su propio trío:

A la muerte de su madre y con tan solo 7 años, Juan Rogelio Ramírez se fue a vivir a Nueva York. Era 1920. Creció y se educó en Harlem en contacto con la comunidad musical afroamericana. Aprendió a tocar el piano y tuvo diversas experiencias musicales a lo largo de los años 30. La Guerra Mundial le pilla en una gira orquestal por Europa y al volver a su país tiene la oportunidad de tocar con Ella Fitzgerald, Charlie Barnet y John Kirby. Antes de formar su propio trío a finales de los 40, llega a compartir escenario con un adolescente Miles Davis en la orquesta de su viejo compañero de aventuras musicales, Sid Catlett. En 1953 queda extasiado por las aportaciones del órgano Hammond y decide dedicarse con ahínco a este instrumento convirtiéndose en un formidable instrumentista. Realiza alguna gira por Europa pero prefiere hasta su muerte el ambiente íntimo de las pequeñas salas neoyorquinas.

Ram no era un hombre especialmente ambicioso. Era feliz tocando para pocos y muy poco amigo de grabaciones en estudio. Los que lo oyeron en directo dicen que sus enormes capacidades musicales nunca tuvieron una adecuada proyección en los pocos discos que realizó bajo su nombre. Quizás por desidia.
El hombre que creo ese imborrable obra maestra, Lover Man, falleció prácticamente en el semianonimato en 1994 dejando detrás un pequeño racimo de temas de composición propia y hermosas versiones como esta elegante I'll Remember April.

8 minutos y 20 segundos para la cumbre

2010-11-04T13:40:00.009+01:00

Algunos deportistas alcanzan la gloria en pocos segundos. Otros requieren más tiempo. Les McCann necesitó 8 minutos y 20 segundos para llegar a la cumbre aunque él no era atleta.
Era el 21 de junio de 1969 y se quería cerrar el plácido festival de jazz de Montreux con una jam sesión improvisada. Un lugar privilegiado, al lado mismo del majestuoso Lago Leman, con un público entusiasta y con ganas de entregarse a la música. El grupo que subió al escenario estaba encabezado por un pianista y cantante de relativo prestigio. Les McCann era un hombre, sigue siéndolo, de genuinas raíces jazzísticas pero que gusta de beber en otras fuentes musicales: el blues, el soul, el funk. Pertenece a esa raza de músicos que se impregnan de los sonidos que están naciendo en la calle. Cannonball Adderley podría ser su modelo, aunque Lee en su momento rechazó la oferta de tocar en su grupo. Siendo fiel a la calle también era un firme defensor de los derechos que se reivindicaban en ellas a finales de los 60: la lucha contra la discriminación racial y contra la guerra del Vietnam en primer lugar.
Aquellos músicos que empezaron a actuar en la noche suiza apenas se conocían. No habían ensayado antes. Benny Bailey, el trompeta, reconocía que no sabía lo que iban a tocar. Por su parte Eddie Harris, el saxofonista, decía que tenía que mirar a Lee McCann para saber cuando tenía que cambiar de acordes.
La actuación fue recogida en un disco, Swiss Movement, ue pasa por ser una de las grabaciones de jazz en directo más legendarias de todos los tiempos.
El primer tema, Compared to What, es una composición de Gene McDaniels que había aparecido en el primer disco de una joven cantante descubierta por el propio Lee en un club de Washington: Roberta Flack. Cantando la pieza, McCann se permite algunas licencias con respecto a la letra original e incluso acentúa la crítica feroz a lo que está pasando en Extremo Oriente. La música, comienza con un homenaje al entonces popular Age of Aquarius de la ópera-rock Hair. Luego todo es vibración, intensidad, calor y culmina en una apoteósica resolución final.
8 minutos y 20 segundos para encumbrar una carrera pero también para encadenarla para siempre a un tiempo mínimo, preciso e irrepetible.
¿Merecerá la pena?

Fagotizados

2010-10-27T11:03:00.002+02:00

Cuando asisto a un concierto sinfónico me gusta recrearme mirando a los músicos y a sus instrumentos. Indefectiblemente me cargan un poco los violines y su vedettismo. Una fila interminable que ocupando el lugar principal parece que no quisieran compartir su espacio estelar con las modestas violas. Detrás de éstas, están los violonchelos, pocos pero siempre protagonistas y al final, cerrando el grupo, los contrabajos. Pobres contrabajos sinfónicos, condenados a seguir siendo el eco grave del grupo de cuerda, cuando como en el jazz han alcanzado una posición de prestigio.
Pero no son los únicos, en servir de eco para el lucimiento de otros. Si nuestra mirada se dirige al centro, justo detrás de los líricos oboes, nos encontraremos con esos tubos oscuros de sonido extraño llamados fagots.

"El abuelito es un vieeejo fagot" Quizás mi primera referencia informativa sobre este curioso instrumento sea este fragmento de la célebre Pedro y el Lobo de Prokofiev, esa obra con la que muchos de nosotros nos introducimos por primera vez en el complejo mundo de los instrumentos musicales.
Solemne fagot. A veces cómico. A veces lírico. Siempre misterioso.
La leyenda dice que fue inventado por un canónico de Ferrara llamado Teseo en el siglo XVI. Quizás no sea cierto, pero el hecho es que en el siglo XVII es un instrumento que aparece en los tratados musicales y alcanza su primer esplendor en las obras orquestales del XVIII. Vivaldi llegó a escribir 37 obras para el instrumento y Mozart el conocido Concierto para fagot en Si bemol mayor, K191. Más tarde Weber en el Romanticismo y un sinnúmero de autores contemporáneos seguirán recreándose en las posibilidades musicales del fagot.
¿Y en la música popular? ¿Y en el jazz?

Un instrumento realmente difícil de integrar en un combo tradicional de jazz. Por eso creo que merece la pena el esfuerzo de Daniel Smith, un fagotista de cierto prestigio, en este vídeo. Antes el fagot ya había aparecido en grandes grupos orquestales como el de Paul Whiteman y en los 60 el siempre inquieto Yusef Lateef hizo sus pinitos con el instrumento. Generalmente, como en algún disco de Chick Corea, aparece en interpretaciones puntuales de apoyo. Poco más en intérpretes consagrados. Son pocos casos el fagot adquiere un protagonismo singular y menos aún los que han adquirido cierto prestigio fuera de los circuitos para los iniciados. En el campo del free jazz Karen Borca es una excepción.

Un fagotista brasileño, Alex Silverio, también tiene que decir algo al respecto.

Dos ejemplos últimos. Michael Rabinowitz un excelente solista que no tiene miedo de llevar el fagot a territorios mil veces explorados y Paul Hanson que comete la "osadía" de electrificar el "viejo tubo".

Lágrimas río abajo

2010-10-21T11:04:00.000+02:00

Cry me a river nace en las deslumbrantes fuentes del musical de postguerra. Su creador era un músico vinculado a Hollywood que tuvo su gran oportunidad en el film Pete Kelly's Blues. Arthur Hamilton logró colocar dos de los tres temas que había compuesto para el film. Los interpretados por Peggy Lee. Sin embargo el tercero, cantado por Ella Fitzgerald, fue rechazado.

Insistió Arthur y consiguió al fin que Julie London, una estrella ascendente en el territorio del jazz vocal, interpretase su canción en una de las ácidas comedias de Frank Tashlin de principios de los 50. Esta es la escena. El film es conocido en España como Una rubia en la cumbre:

Las alucinaciones de un hombre atormentado, Tom Ewell - el célebre protagonista en The Seven Year Itch (La tentación vive arriba)- contribuyen la formación de uno de los standards músicales más interpretados a lo largo de los tiempos. El río ya es un gigante pero tiene sus afluentes, algunos verdaderamente exóticos.

Otros afluentes ingresan en territorios insospechados. Es el caso de esta interpretación primeriza del gran guitarrista británico, Davy Graham, pionero del folk rock.

"Chora um río" es el título que el compositor brasileño Arthur Nestrovsky le da al tema al pasarlo al portugués. Cantan Adriana Capparelli y Anna Toledo:

Por último, la versión más original del tema aparece en un disco de Joe Cocker de 1970. En Mad Dogs and Englishmen, Cocker se lanza abiertamente y sin frenos por el territorio del soul psicodélico.

Es Chile un país tan largo

2010-10-14T12:55:00.001+02:00

Más allá del circo mediático que generan este tipo de asuntos y que con seguridad tendrá secuelas posteriores, hay que reconocer que la salida de esos hombres de la mina San José fue un acto que momentáneamente nos reconcilia con la condición humana.

Ahítos de cierto pesimismo existencial que como una pesada sombra se ha instalado en nosotros, estos chispazos de vida nos permiten calibrar que no todo tiene que ser tan irremediablemente fiel a un guión previamente escrito con consecuencias casi siempre dramáticas. Pocas cosas en la vida nos generan situaciones de bienestar parecidos. Para las que la amamos, quizás la música. Todo un privilegio.

Y como la cosa va de música y de Chile, no se me ocurre mejor homenaje a una historia conmovedora, a un país orgulloso y a un excelente amigo bloguero como Hector Aguilera que poner algún tema de la rica mina jazzística de aquel país. Un jazz no suficientemente conocido en estas latitudes, incluyéndome a mi mismo.

Era la familia Lecaros al completo, encabezados por el patriarca multiinstrumentista y compositor Roberto Lecaros. Se dice que los Lecaros son al jazz chileno lo que la familia Parra al folk.
Y hablando de Parra, la voz y portavoz del jazz chileno actual es Claudia Acuña, una cantante extraordinaria que ha sabido manejar el legado musical de la mítica Violeta y de la rica tradición musical de su país, acercándolo al lenguaje sublimado y universalista del jazz.

A la sombra del héroe

2010-10-05T14:21:00.003+02:00

Han pasado las décadas y aquellas imágenes generadas en el viejo y dorado Hollywood, aquellas que emocionaron a nuestros padres o a nuestros abuelos, nos siguen impactando a nosotros a poco que tengamos la sensibilidad bien dispuesta. Lo curioso es que el séptimo arte que tiene como esencia definitoria el crear imágenes en movimiento nos ha ofrecido un repertorio de fotos fijas que persisten intactas al paso del tiempo.
La silueta taciturna de Chaplin, el perfil andrógino y gélido de Greta Garbo, la mirada abrumadora de Marlene Dietrich bajo la luz cenital, la virilidad casi obscena de Clark Gable, la elegancia inconmovible de Cary Grant y todo un largo etcétera que cada uno puede ampliar con sus propios gustos.
Tony Curtis intepretó un buen montón de películas después de los años 80 cuando empezó a tomar en serio la pintura y dedicar menos tiempo al cine. Por entonces, era ya un actor envejecido y de pelo blanco. Ese inevitable deterioro físico está incluso presente en esa serie de principios de los 70 donde hacía tándem con el hierático Roger Moore . Por cierto, el tema principal de Los Persuasores, la serie en cuestión, es uno de los temas que cimentaron la fama de John Barry más allá de sus colaboraciones en las primeras películas de James Bond. En la pieza, el rey absoluto es el sintetizador Moog usado por Barry de forma innovadora.
Este último Tony Curtis no deja de ser un personaje extraño, casi un intruso, en la imagen de galán joven y apuesto que ha permanecido en casi nosotros. Tenemos una imagen fija, a ella nos debemos y no a la de ese hombre mayor al que nos cuesta identificar.
Sea como sea, en homenaje al actor, al mito y a la persona real que hubo detrás voy a poner algunos temas musicales que como el anterior están relacionados con su producción cinematográfica.
El primero es una escena de Chantaje en Broadway (Sweet Smell Of Success), una película extraordinaria del cine negro tardío sobre la corrupción en la prensa. Tony Curtis es en ella un esbirro sin escrúpulos al servicio de un cronista de prensa, Burt Lancaster, chantajista, cruel y con poder absoluto sobre quien le rodea. La música incidental la pone el quinteto de Chico Hamilton.

Tres versiones de un mismo tema para esa incursión de Stanley Kubrick en el cine de romanos. Para Kubrick, el hombre de la perpetua insatisfacción, Espartaco fue una obra fallida. Para todos los demás es la mejor del género hecha en Hollywood. Aquí Tony Curtis como en otras producciones, está a la sombra del héroe, interpretado por Kirk Douglas con el que ya había compartido protagonismo en Los Vikingos, dos años antes. Una de las escenas más famosas de la película es el intento de seducción de Tony Curtis por un patricio romano interpretado por Lawrence Olivier. Una escena censurada por sus connotaciones homosexuales hasta su recuperación en los 90. El tema de amor de la película compuesto como el resto de la banda sonora por Alex North se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico del jazz. Aquí dejo tres versiones soberbias de tres grandes del jazz: Bill Evans, Ahmad Jamal y Yusef Lateef.

No podemos rematar la jugada sin un tema archifamoso de un film emblema de la cinematografía de Curtis y de la comedia universal. Con faldas y a lo loco (Some like it) también conocida en Latinoamérica como Una Eva y dos Adanes es un ataque furibundo a las identidades personales. A los buenos propósitos y a los ideales de grandeza. Un monumento al sinsentido de la vida. La pieza, cantado con una sensualidad torrencial por Marilyn Monroe había alcanzado popularidad a finales de los 20 en la voz casi infantil de Helen Kane, la cantante que inspiró el personaje de Betty Boop.

Corazón negro

2010-09-27T11:48:00.011+02:00

Ayer se cumplió un aniversario más de la muerte de Bessie Smith en el profundo sur. Una muerte teñida de leyenda gracias al el falso rumor de que murió desangrada, después de sufrir un accidente de automóvil, al no ser admitida en ningún hospital para blancos de la zona. Un mito falso que ha servido para engrandecer a la cantante con un aura trágica. Curiosamente la falsa leyenda une -de forma simbólica- al blues clásico –urbano y vinculado a los espectáculos teatrales- del que ella era la reina, con el blues rural del Delta del Misisipi. Bessie falleció en una pequeña ciudad de apenas 20.000 habitantes -quizás menos por entonces- que era el verdadero corazón del blues rural y sería el lugar de nacimiento de algunos de los personajes más decisivos de la música afroamericana posterior.

Son House grabó a finales de los años 20 un tema dedicado a Clarksdale que no vio la luz hasta 75 años después. House vivió parte de su vida en esa ciudad y fue uno de los protagonistas redescubiertos -podemos decir que de forma casi policial- por los estudiosos del blues a principios de los 60.
Aquella Clarksdale de los años 20 y 30 era una pequeña isla urbana en un océano de algodón. Allí se compraban las vituallas, se resolvían los asuntos administrativos y los fines de semana se convertía en centro de ocio para la población negra que sobrevivía como aparceros en las inmensas plantaciones de algodón del Delta. Realmente solo había dos lugares tan masificados en aquella zona, la más pobre de todo el país. Por un lado estaba Clarksdale y por el otro la prisión estatal de Parchman, una “granja de trabajo” donde miles de presos trabajaban de sol en condiciones deplorables.

Los sábados de Clarksdale eran una explosión de colorido y de vida. Garitos atestados, vendedores ambulantes de los mas insólitos productos, predicadores auténticos y de pacotilla. Juergas, peleas, prostitución y una presencia omnipresente: el blues y sus diferentes variantes. En 1917 allí mismo, nació una de las figuras más decisivas de esta música: John Lee Hooker.

Antes de hacerse célebre formando grupo con su esposa Tina, Ike Turner era un célebre compositor de rhythm and blues que había aprendido a tocar el piano y la guitarra al lado de los grandes músicos que afloraban en su ciudad natal: Clarksdale. Con tan solo 20 años hizo su primera grabación como compositor, productor e instrumentista. Se trataba de Rocket 88 cantada por Jackie Brenston y sus Delta Cats. Un bombazo en las listas que fue considerado por muchos como el primer rock and roll de la historia.

En el mismo año, 1931, en que nació Ike Turner vino al mundo en Clarksdale, una de las voces más extraordinarias de la música popular del siglo XX. Una voz de terciopelo, un creador nato que llevó la música espiritual de la que se había embebido en su infancia, su padre era pastor evangélico, a lugares donde nunca había estado. Sam Cooke rompió esa barrera entre música de Dios -el gospel- y música del diablo -el blues- que tanto había atormentado a los viejos músicos. Al hacerlo estaba creando un género extraordinario: el soul.
Antes de morir asesinado en 1964, tuvo un hermoso recuerdo para la feroz tierra de Misisipi que le vio nacer. Una tierra donde los de su raza fueron explotados, humillados y oprimidos de una forma que ni podríamos concebir. Una tierra inhóspita pero al fin y al cabo su propia tierra. La canción se convirtió en un himno trascendente para los defensores de los derechos civiles de la gente de color.

Jimi y Bill en la distancia

2010-09-21T12:27:00.003+02:00

En estos días, los caprichos del calendario ha unido a dos artistas que han marcado el rumbo de la música popular en los últimos 50 años.
El 18 de septiembre se cumplieron 30 años de la muerte de Jimi Hendrix en Londres. El 15 fue el aniversario del fallecimiento de Bill Evans en Nueva York.
Jimi y Bill fueron genios y al mismo tiempo víctimas de la música. La pérfida musa a la que le entregaron lo mejor de sí mismos; aunque ella, desagradecida, les regaló a cambio una muerte prematura.
O quizás estaba en el trato.
Quizás la condición de llegar tan lejos estaba condicionado a vivir de prisa. Sin pausas. Apurando la copa hasta el final.
Una pregunta sin respuesta: ¿si hubieran seguido vivos como los veríamos ahora?

Muerte prematura pero muerte previsible.
Para Nennete Zazzara, última mujer de Bill Evans, el músico había estado urdiendo un plan para huir del dolor. Peter Pettinger por su parte, pone su colofón a su biografía con esta frase: "El lento suicidio del pianista fue doloroso, pero Evans se enfrentó a la muerte amparado por el éxtasis que le provocaba su arte".
¿Puede el arte vencer al dolor?
¿Puede un suicidio ser indoloro?

Para Jimi Hendrix la vida fue como el riff de una guitarra. 27 años de vida y tres de gloria fulgurante y efímera. Un fogonazo de luz y electricidad que tras encender el cielo como una bengala, nos sigue entregando su calor mucho después de apagarse.

Bill Evans era un hombre de tragedias interiores. Las vivía al máximo, pero desde dentro y cuando se le hacían insoportables se aislaba del mundo y de la vida fortaleciendo su muralla frente al exterior. Una muralla hecha de notas y de teclas del piano. La muerte de su contrabajista Scott La Faro le dejó en un estado de perpleja incomprensión pero le sirvió para entender que su destino estaba cumplido en la música. Cuando se suicidó su mujer, Elliane, tras enterarse de que su marido quería dejarla por otra o cuando falleció su hermano, Harry, que fue su guía y mentor en casi todo, Bill siguió tocando.
Tocó mientras su cuerpo maltratado por crecientes dosis de heroína se derrumbaba inapelablemente.
Tocó y tocó hasta el final.

"La historia de la vida es mas rápida que un abrir y cerrar de ojos. La historia del amor es hola y adiós. Hasta que uno se encuentra de nuevo" (JIMI HENDRIX)

El adios de un rebelde

2010-09-13T12:49:00.013+02:00

(Ilustración de Naiel Ibarrola)

Antes de que los movimientos contestatarios de mediados de los 60 resquebrajaran la férrea bipolaridad ideológica de la guerra fría, existió un grupo de animosos holandeses que decidieron desafiar al sistema con desfachatez y enorme sentido del humor. Nada en Amsterdam volvió a ser como antes desde que apareció el movimiento provo. (Wikipedia)

Willem Breuker era un joven que respondía a la imagen airada y rebelde de los provos. Tenía cierta formación como instrumentista aficionado pero no se sentía a gusto con las rígidas nociones de la música académica y encontró su propio territorio creativo en la pura improvisación. Pero antes forjó su estilo tocando el clarinete y el saxo en orquestinas y pasacalles

La relación de Willem Breuker con los provos iba más allá de una actitud personal rebelde y antiautoritaria. En 1967 cuando era un músico casi desconocido protagonizó un escándalo al interpretar un tema condenando la represión policial contra el movimiento provo. Era la final de un festival de jazz retransmitido por televisión a todo el país. Así forjó su reputación de músico "agitador y revolucionario". La mejor etiqueta para un buscador en tiempos convulsos.

Su estilo musical se acercaba al free jazz que triunfaba en Europa en aquel momento. Sin embargo, no participaba del espíritu individualista del estilo. Prefería trabajar con grupos amplios donde podía dar rienda a su faceta como compositor pero sin limitar la libertad improvisadora de cada instrumentista.
No todo fue fácil. El inconformismo de Breuker le hizo recorrer muchos caminos con grupos muy diferentes antes de conseguir montar el Willem Breuker Kollektief en 1974. Se trata de una auténtica orquesta que no rehuye ningún estilo musical. Una música sin fronteras antes del advenimiento de la world music como género trasfronterizo. Jazz, cabaret, música balcánica, klezmer, bandas sonoras para cine mudo y homenajes puntuales a grandes compositores como Edgar Varese o Kurt Weill.

Breuker siempre intentó mantener en su grupo el espíritu autogestionario con el que se había forjado en sus años de juventud. Espíritu autogestionario y mucho sentido del humor. No tomarse demasiado en serio las cosas, ni sentirse demasiado importante. Ser flexible, ecléctico y abierto.Esta es su versión del bolero de Ravel

Ironías del destino, en 1998 el viejo rebelde recibió de las autoridades holandesas una de sus máximas condecoraciones: la Orden del León Holandés. Willem Breuker falleció el 23 de julio pasado, tan inconformista como había vivido. .

Orgullo de hija, orgullo de padre

2010-09-06T11:52:00.006+02:00

Parodiando el célebre título del maestro Bergman prefiero los gritos a los susurros cuando se trata de cantantes femeninas de jazz.

Mis respetos para las grandes intérpretes amantes de la bossa nova y demás, pero cantar bajito para sonar sexy y sobre todo para que no se vean las propias carencias vocales no es lo que más me divierte en el terreno musical. Prefiero otra cosa, por ejemplo a esta chica que es más feliz actuando en un pub en medio de la gente que dando el cante en un conservatorio o en un estudio de grabación.

No os confundáis no todo es velocidad y griterío en Catherine Russell, a veces no tiene reparos en sentirse lánguida, algo perezosa y dejarse llevar a donde la música quiera dirigirla.

Catherine es hija de Luis Russell, aquel pianista de origen panameño que se convirtió en uno de los grandes impulsores del jazz de Nueva Orleans hasta el punto de heredar la orquesta de Kid Ory y convertirse en la mano derecha de Louis Armstrong. De aquellos formidables músicos e incluso de su madre, intérprete de conservatorio, aprendió el valor de la música en directo, en vivo, sintiendo el calor y el sudor del público. Por eso quizás ha sido tan remisa en sus grabaciones discográficas. Ha preferido acompañar a otros artistas y ha publicado solamente tres discos a su nombre con un éxito extraordinario. En el último, Inside this Heart of Mine, hay uno de su "padrino" Satchmo. Es uno de sus temas legendarios de la época de la Hot Five.

Sí, Catherine Russell es amiga de la tradición y recupera el sabor añejo de las viejas intérpretes, desde Bessie Smith a Ruth Brown. Quizás le falte sofisticación manierista y no tenga nada que ver con las cantantes de piano bar que se llevan ahora. Es auténtica y no necesita afeites ni una atmósfera romántica y envolvente para difuminarse.

Aquí interpreta con toda la emocion posible este hermoso blues compuesto por su padre y Louis Armstrong. Un orgullo de hija, un orgullo de padre. Todos contentos.

Genio a todo gag

2010-08-30T12:19:00.003+02:00

Cuando Stan Warnow se enfrentó a la hercúlea tarea de desvelar la prodigiosa vida creativa de su padre en un documental titulado "Deconstructing Dad" seguramente se tuvo que enfrentar a muchos demonios personales. La convivencia con un padre visionario de la talla de Raymond Scott puede ser realmente harto complicada.

Y sin embargo Scott comenzó su carrera como un músico tradicional estudiando primero en la Juilliard de Nueva York y luego formando parte del elenco de la emisora CBS donde su hermano era el director de orquesta. Fue entonces cuando decidió cambiar su nombre judío por otro más americano y convencional. Quizás lo más convencional que hizo en su larga vida. En el 36 monta con otros músicos de la CBS un grupo de swing el Raymond Scott Quintette. Un combo en los límites del movimiento, donde la improvisación desaparece y todo se rige por la composición, el uso de riffs repetitivos y un humor a prueba de bombas que se refleja en títulos como el célebre "Música para la cena de un grupo de caníbales hambrientos". Aquí tenemos el tema interpretado en el centenario de su nacimiento por la Orquesta de la Universidad de Concordia de Montreal.

Un swing alocado, danzarín y mecanicista que rompía barreras y que él llamó "Jazz descriptivo". Cada elemento musical estaba controlado al máximo y los músicos debían conocer sus partes con total precisión ya que les obligaba a tocar sin partituras y sin permitirles la menos improvisación. Cuando se trataba de grabar era como un ingeniero de sonido moderno, mezclando sin rubor pistas y melodías diferentes. Al final conseguía ese sonido extraño y peculiar que lo hizo célebre entre el público y que fue adaptado por las compañías cinematográficas para acompañar los dibujos animados que causaban furor en la época. El Quintette perduró durante el resto de los años 30 y legó piezas como Powerhouse, su tema más conocido (Haced click) o The Toy Trumpet, famosa por su versión cinematográfica a cargo de Shirley Temple y Bill Bojangles Robinson.

En 1942 es nombrado director musical de la CBS y contrata a grandes músicos negros como Ben Webster desafiando las leyes de discriminación racial. Finalizada la guerra su vida artística se bifurca. Por un lado sigue su trayectoria como director de la orquesta de la CBS primero en la radio y ya en los 50 en la televisión, lo que le permite financiar su verdadera pasión: la experimentación con la naciente música electrónica. Empezó interesándose por la mejora de sus propias grabaciones discográficas y terminó convirtiéndose en un impulsor y mecenas de la nuevos artilugios de sonido a través de su Manhattan Research Inc. De su inventiva nacieron instrumentos como el Clavivox y el Electronium, su gran obra, un anticipo de los sintetizadores electrónicos de décadas posteriores.

El hombre de negocios e inventor de mil dispositivos se fue convirtiendo con el paso del tiempo en un hombre huraño y reconcentrado que vivía para y por la investigación. Progresivamente alejado del jazz solo se acercó a él en una grabación de 1959 con un grupo denominado Seven Secrets en el que estaban gente de la talla de Elvin Jones, Harry "Sweet" Edison o Toots Thielemans.
En los 60 tras un batacazo económico es contratado por la Motown para llevar su sección de música electrónica. Desapareció de la escena en los 80 y fue redescubierto en los 90 gracias a un disco recopilatorio de su obra. Muere en 1994 dejándonos un legado curioso, algo extravagante pero importante para el desarrollo de la música contemporánea.

En la cuna de tres imperios

2010-08-21T19:57:00.002+02:00

Una playa atlántica, un atardecer de agosto y una mágica pareja de cantantes ciegos: Amadou y Miriam.

Vienen de un lejano territorio. Una tierra pobre, entre las 10 más pobres del mundo y sin embargo cuna de los tres grandes imperios que dominaban las rutas africanas en el medievo. En su centro estaba la ciudad de los 333 santos, la legendaria y mítica Tombuctú.

En ese tierra pobre, un descendiente directo del más poderoso linaje imperial nace maldito. Maldito por el color de su piel, pero maldito también por refugiarse en un arte prohibido y despreciable para los de su casta.

Tradiciones, leyendas, historia. Se vive en un pasado fabuloso para olvidarse de los males del presente. Los Djeli o Griots, son los transmisores del pasado, los juglares, la savia de la que se nutre la imaginación y la esperanza.
La música es parte imprescindible en esa torrentera que vien de muy lejos y los Diabaté llevan más de 70 generaciones haciendo lo mismo. Se acompañan con la kora, una especie de laud de 21 cuerdas y extraña afinación cuya caja de resonancia es una calabaza gigante.

Ser de los Diabaté es pertenecer a otra nobleza, la musical. Más de setenta generaciones poniendo música a un pueblo. Entre ellos, Toumani el hombre que abrió la kora a rumbos desconocidos. En este vídeo, está acompañado por otra leyenda Ali Farka Touré, ya fallecido, el guitarrista empeñado en que el blues hiciera el viaje de regreso desde América para renacer de nuevo en África.

Es un mundo musical rico y fértil el de ese país que sobrevive a duras penas en la encrucijadas que unen el norte y el sur africano. Aunque quizás ser una encrucijada sea la clave de su fortaleza musical. Sensible a todas las influencias, abierta a todos los vientos, Mali permanece como un maravilloso oasis musical en el centro de lo que en su tiempo fue cuna de tres poderosos imperios.

Con Berlín a cuestas

2010-08-09T11:52:00.005+02:00

Cuando aquel joven judío miope dejó Berlín en 1933 se llevó el espíritu de la ciudad escondido en su valija. Aquel que anidaba en los teatros de variedades y cabarets de la Friedrichstrasse. El mismo que revoloteaba entre las mesas de mármol del Cafe Bauer, entre las deliciosas vitrinas de la pastelería Kranzler o en los tea-rooms del Hotel Adlon en Unter den Linden. El que tenía su sitio en los hoteles y salones de baile de Postdamer Platz y en los elegantes garitos y tiendas de Kurfürstendamm.También se llevó el que residía en las viejas tabernas del barrio judío o en los bares de Nikoliaviertel junto al Spree.
Todo se lo llevó consigo.

Se llevo consigo a los pintores de Die Brucke. A los directores de la Kammerspielfilm y del expresionismo alemán. No se olvidó de llevarse las risas de Lubitsch, la mirada glacial de Marlene y la causticidad de jóvenes cachorros como Wilder o Preminger. Se llevó a Alfred Döblin y su Alexanderplatz. A los hermanos Mann. Al fabuloso drmaturgo Max Reinhardt y a la plantilla entera de la Bauhaus, desde el último delineante hasta el mismísimo Ludwig Mies Van der Rohe.
Nada dejó atrás y por eso se llevó también a su compañero de aventuras musicales, Bertold Brecht, y a su adorada, Lotte Lenya.

Kurt Weill se lo llevó a todo y dejó un desnudo paisaje épico a las botas totalitarias. Tenía 33 años y había compuesto tres óperas y una cantata antes de que su colaboración con Brecht le llevara al éxito triunfal de "La Ópera de los tres centavos" llevada al cine por Georg Wilhelm Pabst en 1931.

Su entente con Brecht se prolongó en dos obras más como en la extraordinaria "Grandeza y decadencia de la ciudad de Mahagonny" Aquí Lotte interpreta su siempre moderno tema principal.

Resistió lo que pudo al acoso nazi y finalmente marchó a París antes de dirigirse en 1935 a su soñada Mahagonny. Se instaló en Nueva York con el propósito de empezar de cero y aunque estaba profundamente asqueado de todo lo que le había llevado allí -rechazaba hablar en su propio idioma- intentó crear una música híbrida donde se sintetizaba su profunda cultura musical con la tradición americana. Se apoyó en grandes escritores como Ira Greshwin o Maxwell Anderson y compuso óperas, musicales e incluso alguna banda sonora para película.
Kurt Weill murió de un ataque al corazón en 1950 cuando solo tenía 50 años.
Para entonces era el más alemán de los alemanes, el más americano de los americanos.
Había alcanzado la gloria con una obra contundente, prolífica y espigada de perlas inmortales: September Song, My Ship, Lost in the Stars y la tremebunda Speak Low.