Cuatro tenores de los charcos

Dice la canción:

Sapo de la noche, sapo cancionero

Que vives soñando junto a tu laguna

Tenor de los charcos, grotesco trovero

Estás embrujado de amor por la luna...

El famoso tema Sapo cancionero  es un clásico del folklore argentino y aunque ha sido interpretado por mucha gente, la versión más conocida es la de los Chalchaleros. Su autor fue un odontólogo aficionado a la música de su tierra, Jujuy, al norte del país, lindando con Bolivia.  

   

Podemos dar un gran salto de sapo -con ese nombre hay una enorme cascada al sur de Venezuela- y llegar a Estados Unidos, concretamente a la escena de San Francisco en los 70, para recordar a un grupo blanco especializado en música funk y soul. Tower of Power tuvieron una serie de exitos inmediatos pero efímeros, aprovechando los primeros efluvios de la música disco. Languidecieron en los 80 e intentaron el retorno a principios de los 90. Entre sus temas está este Paseo salvaje del Señor Sapo, que nos remite a una película de Disney y a una vieja atracción de la primitiva Disneylandia.

 

Joao Gilberto era un tipo poco amigable, que en mi opinión personal, debía ser algo así como la antitesis de la música suave y amable de la que es el principal creador junto a Antonio Carlos Jobim. Me gusta la bossa nova pero a poquitos, sin exagerar. Prefiero a sus creadores que a sus epígonos, salvo a Elis Regina y poco más. En este tema de puro tarareo, Joao Gilberto, está algo sobrado. Como si ser fundador del género le permitiera exhibir sus dotes con cierta soberbia y repitiendo esquemas que ya había ensayado en discos anteriores. Este es de 1970.

Dejo para el final un tema de Cream. Se bautizaron con ese nombre porque se veían como la crème de la créme del pop/rock británico. Es probable que ese exceso de vanidosa autoconciencia, les garantizasen cierta antipatía por parte de la competencia musical , pero los tres chicos se lo tenían creído que le vamos hacer. Aquí, Eric Clapton, Jack Bruce y sobre todo un Ginger Baker desatado, el tema es basicamente un solo de batería, ofrecen una sugerente versión en directo de su tema The Toad.

Repican tus voces en franca porfía 

Tus coplas son vanas, como son tan bellas 

¿No sabes, acaso, que la luna es fría... 

Porque dio su sangre para las estrellas? 

Sapo cancionero 

Canta tu canción 

Que la vida es triste 

Si no la vivimos con una ilusión

Sinfonía en negro alquitrán II (Cancionero del Prestige)

 Hoy hace 20 años del hundimiento del Prestige y 10 años de esta entrada que dediqué a algunos temas musicales que se hicieron a raíz de aquel desastre.

Así presentaba aquella entrada el 19 de noviembre del 2012 y así la repito hoy con leves modificaciones:

Se hace difícil conmemorar una tragedia. Hoy, 19 de noviembre, se cumplen 10 años de la catastrofe del Prestige y a falta de otras armas de los que echar mano -en determinados temas me gustaría tenerlas- he decido usar mis dos blogs de forma combinada para recordar lo que vivimos en aquellos terribles días. 

 

En el Círculo de los Suicidas Perezosos,  la entrada, Estercolero de sueños, se personaliza en la figura de Man, el artista eremita de Camelle cuya muerte se ha convertido en símbolo, algo que él odiaría,  de aquella debacle. 
Aquí, en Sinfonía Azul, he puesto temas musicales que se crearon a raíz de aquel naufragio. Hay muchos, quizás lleguen o se acerquen a la cuarentena. Incluso en el 2003 se publicó un disco entero  conmemorativo titulado Marea de música con 24 temas realizados por algunos de los músicos y cantantes gallegos más conocidos y relevantes.  
Entre la gente no gallega que ha tomado el  asunto del Prestige como texto o pretexto hay artistas como La Fuga, Mago de Oz, Victor Manuel, Amaral, Albertucho, Rafael Amor, La Pegatina, Alejandro Sanz o  el grupo mexicano Vantroi.

De toda esa "marea de canciones", si tuviera que elegir una, me quedaría con la que el cantautor catalán Joan Isaac le dedicó al personaje que protagoniza mi entrada en el Círculo de los Suicidas Perezosos. Allí he dejado letra y vídeo de su bella canción. 
En el terreno del jazz, el pianista gallego Abe Rábade dedicó al Prestige una de sus composiciones en su disco en septeto Open Doors del 2007 acompañado por un grupo de grandes intérpretes.  

Para terminar este corto repaso, el grupo folk Luar na Lubre es el responsable de varios temas relacionados de forma directa o indirecta con el desastre. Me quedo con éste.
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4 canciones de mis 19, 20 o 21

Una canción para el combate

Una canción para el relax atento  

Una canción para volar

Brotan colchones entre las sombras: músicas posibles

El gallinero musical y la World Music

Tengo la impresión de que el reparto de etiquetas en el escenario musical se ha hecho por riguroso turno de llegada. Primero llegaron los clásicos y tomaron las mejores butacas sin reparo. Su música era la música seria, frente a la música bailable y ligera de todos los demás. Música de conciertos, de conservatorios, de salón aristocrático frente a la música de las verbenas populares, los titiriteros y los cabarets de medio pelo, cuando no de los prostíbulos. Pero llegó el fonógrafo, luego el gramófono y más tarde la radio y al fin los chicos refinados de la clásica y de la lírica, tuvieron que aceptar de mala gana que la democratización de la música, al alcance ya de todas las oídos, les impediría seguir ostentando su secular monopolio.
El triunfo de la música popular fue el triunfo de la multiplicidad de sus estilos, primero ligadas a formas orquestales clásicas y luego retomando formas populares que habían sido vehículo ade expresión de grupos étnicos o sociales marginados por la élite culta y dominante. Los géneros populares que fueron adquiriendo sucesivo reconocimiento a lo largo del siglo XX fueron ocupando el resto de asientos alrededor del gran teatro musical: en el patio de butacas, en platea, en principal o en el anfiteatro. Todo perfecto, aunque a veces no se supiera donde colocar ciertos géneros extraños procedentes de lugares exóticos a los que costaba integrar en la etiqueta estandarizada pero reduccionista de la música folk.

1º PUESTO EN LA LISTA EUROPEA DE WORLD MUSIC (2009)

Llegaron los 80 y algunas de las figuras del establishment musical "descubrieron" algo que etnólogos y folkloristas habían estudiado desde décadas atrás: la música del Tercer Mundo, y en especial la africana, es de una riqueza excepcional y equiparable a la que se realiza en Occidente. Primero obtuvieron el apoyo de singulares figuras del pop/rock como Peter Gabriel, Bob Geldof o Paul Simon y a partir del éxito de pequeños sellos, las grandes compañías discográficas se subieron al carro. ¿Era para los músicos un fenómeno de pura vampirización musical como pasó con el blues en los 60 o en realidad, había un interés filantrópico por difundir esa música? Ninguna de las dos opciones elimina la otra. La cuestión es que ya se habían repartido las localidades y había que colocar a todo este torbellino de música en alguna parte del auditorio. Para las discográficas fue relativamente fácil juntar a esta gente con aquellos que, como Bob Marley, hacían "música rara" en Occidente y enviarlos a todos al gallinero del teatro. Es decir, a las localidades baratas que aún no estaban del todo repartidas y a los que les vendría bien el apelativo inventado para la ocasión: World Music. Gran palabra para no decir nada

1º PUESTO EN LA LISTA EUROPEA DE WORLD MUSIC (2010)

Eran tiempos de cambio, había que airear el ambiente  y la muerte prematura de Bob Marley , el representante máximo de lo tercermundista y exótico en el pop, había dejado un vacío. También había mala conciencia ante el desastre provocado por el poscolonialismo, especialmente en África donde la llamada World Music adquirió todo su sentido. Las luchas contra el apartheid, contra el hambre en Etiopía o el reconocimiento internacional de figuras carismáticas como Fela Kuti, Miriam Makeba, Hugh Masekela, Khaled,  Mory Kanté, Manu Dibango, Ali Farka Touré o Salif Keita contribuyeron a que el mercado musical abriera sus puertas a esta música distinta pero no pura. Nada menos puro que esta música legítimamente contaminada por el ambiente musical general.

1º PUESTO EN LA LISTA EUROPEA DE WORLD MUSIC (2011)

Festivales como el célebre WOMAD organizado por Peter Gabriel y premios de diversa índole le dieron legitimidad definitiva a la World Music. Entre los reconocimientos uno de los de mayor prestigio, por su supuesta imparcialidad musical, es el World Music Charts Europe, WMCE, en los que alrededor de 45 locutores de radio europeos y DJ han creado desde 1991 unas listas mensuales con los mejores discos de World Music publicados en este continente. Estos vídeos que estoy poniendo pertenecen a los más votados en los últimos cinco años.

1º PUESTO EN LA LISTA EUROPEA DE WORLD MUSIC (2012)

No me resisto a terminar sin poner una párrafo, que a pesar de su dureza, no deje de describir muy bien que lo que se esconde tras este eufemismo bienintencionado llamado World Music. Son palabras de David Byrne, lider de Talking Heads, agitador musical desde los 70 y colaborador habitual con músicos de cualquier continente. Su título ya lo dice todo: Odio la World Music. 
"La expresión, World Music, es el modo de despreciar a los artistas encajando sus músicas en una categoría exótica, y muy cómoda, porque lo exótico es hermoso, pero insignificante. Así se apoya la idea de que ellos no son como nosotros"

1º PUESTO EN LA LISTA EUROPEA DE WORLD MUSIC (2013)

Relámpagos de blues

Según la letra, el Mojo Hand es un amuleto que sirve para conservar la fidelidad de la persona amada. Para mí, Mojo Hand, es uno de esos amuletos musicales que me afirman en mi absoluta devoción al blues.
 
Se trata de un tema de 1960 y es creación de una de las más excelsas figuras del género: Sam Hopkins, más conocido por Lightnin'(Relámpago) Hopkins, un apodo puesto por un productor de su primera compañía discográfica ya que le parecía que hacía juego con la de su acompañante habitual en aquellos tiempos: el pianista Wilson "Thunder" Smith. 
¿Cómo esbozar un mínimo retrato de un músico que llego a grabar alrededor de mil canciones a lo largo de su 69 años de vida? 
Hay un largo recorrido desde aquel momento en que su hermano Jo le fabricó una rústica guitarra con una caja de puros siendo una criatura de 3 años. También ha quedado muy atrás el momento en que conoció con 8 a Blind Lemmon Jefferson, el hombre que sacó al blues de los cabarets y los teatros para devolverlo al territorio rural donde había nacido y desarrollado. Blind Lemmon fue el maestro revelador y el joven texano se convirtió en uno de sus más atrevidos discípulos.
Después de recorrer los azarosos caminos del sur o de pasar una temporada en la cárcel como buen bluesman, tuvo su primera oportunidad musical en 1946 tras enviar varias cintas al sello Aladdin de Los Ángeles. Durante dos años graba para esta compañía alcanzando ciertoéxito. Entre ellos está éste explicito Let Me Play With Your Poodle.
La relativa popularidad no cambió mucho a Sam que terminó volviendo a su añorada tierra texana para seguir grabando en el sello Gold Star. Su creatividad es extraordinaria tanto interpretando temas propios como ajenos y registró más de 200 desde 1947 a 1954. Es un periodo de gran prosperidad para el blues de raíz, el acunado en el Delta del Misisipi y el norte de Texas, gracias a figuras de la talla de John Lee Hooker, Muddy Waters y Lightnin' Hopkins.
 
A mediados de los 50 llega la crisis. Los viejos compañeros de aventura se electrifican, es el triunfo del blues de Chicago, y la juventud se decanta por los nuevos y emergentes géneros musicales. Parecía el ocaso, pero a final de la década Lightnin' es redescubierto por uno de esos cazadores de olvidados bluesmen, Mack McCormick, y relanzado entre la comunidad de jóvenes y concienciados universitarios blancos sedientos de sabores añejos.
La letra de este Fan It podría ser una soluciòn algo onanista cuando falla el Mojo Hand o tu chica/o se llevó el caniche.
Tiene la oportunidad de actuar en el Carnegie Hall con Pete Seeger y Joan Baez y empieza  a hacer giras por todo el país con su estilo genuino estilo country blues. Lo de volar es más complicado, tiene verdadero terror, pero al final logran convencerle  para que participe en las giras del American Folk Song por Europa. En 1967 Les Blank realiza un magnífico documental en los lugares donde nació y se alimentó su música.  
Fueron años de experimentación y de contrastes favorecidos por la adhesión incondicional de grandes figuras del rock y que quizás tuvo su momento más chocante en la grabación de Freform Patterns con el grupo de rock psicodélico, The 13th Floor Elevators en 1968.  
El éxito le mantuvo arriba hasta principios de los 70 y luego fue espaciando grabaciones y actuaciones hasta su muerte en 1982.
Volvamos al principio, volvamos al Mojo Hand, para que este amuleto nos siga iluminando como nos iluminó el relámpago del blues, Lightnin' Hopkins.

El Especial de Medianoche

¿Cuantas veces podéis oír una canción, en interpretaciones diferentes, sin sufrir síntomas de agotamiento? Yo he hecho la prueba con una de las canciones más legendarias de la tradición musical norteamericana. La he escuchado en casi 50 versiones y me sigue gustando. Pero mi opinión no tiene ningún valor, está basada en mi excesiva subjetividad.
Cambiaré el orden cronológico acostumbrado en mis entradas por otro de tipo sentimental. No es casualidad que me enganchara este tema en su versión de la Creedence Clearwater Revival, hubo un tiempo en que musicalmente solo revivía con ellos. Aún así, es la primera vez que llegan a este blog. Me pondré unos gastados tejanos y mi mejor camisa de cuadros para recibirlos como se merecen.
 
Sé que os inquieta eso del Especial de Medianoche. No imaginéis más, se trata de un tren. Uno de esos trenes legendarios que forjaron la leyenda y las canciones de la América brava y salvaje. En este caso su autor anónimo debía ser un presidiario de raza blanca que veía pasar aquel tren nocturno desde su celda y lo consideraba como una  luminosa esperanza de libertad.

Te despiertas por la mañana,
Oyes la campana de faenar,
Y te conducen a la mesa
Para ver lo de siempre. 

En la mesa no hay comida, 

En la sartén no hay tocino. 

Pero más te vale no quejarte, chico, 

Para no meterte en líos con el que manda. 

Deja que el especial de medianoche 

Me ilumine con su luz.  
(Los dos últimos versos se repiten tres veces) 

Deja que el especial de medianoche 

Me ilumine con su luz eternamente amorosa.

Ojo con estas cosas, a esas horas nocturnas hay que andar con cierto cuidado. No todos los Especiales de Medianoche son el mismo Especial de Medianoche. Al menos Jimmy Smith, Stanley Turrentine, Kenny Burrell y Donald Bailey, lo tuvieron muy presente en aquella célebre grabación de 1960. Aunque también la cosa va de trenes.
Volvamos al tema de marras que tuvo su primera versión escrita en 1905 y su primera grabación en 1926 en la voz de un tal Dave "Pistol Pete" Cutrell que a su vez era miembro de la primera banda de peligrosos vaqueros que cambió pistolas por canciones, me refiero a la Oklahoma Cowboys de Billy MCGinty. Estos fueron los autores de la segunda versión grabada, en 1929, cuando Billy MCGinty fue sustituido como sheriff de la banda por Otto Gray.
La siguiente grabación tiene su historia, ya que se originó cuando John y Alan Lomax visitaron a Huddie William Ledbetter "Leadbelly" mientras estaba éste en una prisión agrícola de Lousiana. (Aquí tenéis el enlace a la entrada que le dediqué a este bluesman en su día) Luego Leadbelly, al alcanzar el estrellato, hizo varias versiones del tema. En ésta está acompañado por el Golden Gate Quartet:
 
Los Lomax creyeron durante un tiempo que el tema era original del propio Leadbelly. En realidad, lo que hizo éste fue permitirse algunas licencias poéticas para llevarla a su territorio, es decir, como negro, bluesman y expresidiario.  
Aquí tenemos una interpretación en directo de una poderosa mujer, la indomable Odetta, conocida como "La voz de los derechos civiles", figura clave para Bob Dylan y todos los grandes folkies de los 60.
 
Podríamos seguir acumulando nuevas visiones de la vieja canción: Big Bill Bronzy, Kingson Trío, Pete Seeger, Big Joe Turner, Little Richard, Harry Belafonte, Eric Clapton, Spencer Davis Group, Paul McCartney en este mismo 2013 o una sensacional de Sonny Terry y Brownie McGee de la que os dejo el enlace. Pero, claro cuando aparece el león los demás deben retirarse a un segunda plano y más cuando está en plan fin de fiesta -creo que se trata de la actuación para el Año Nuevo del 2000- y hasta parece que no tiene uno de esos días en que le da por rugir a la concurrencia. Le acompañan Bryan Ferry, Ron Wood y Lonnie Donegan, el rey del Skiffle, otro intérprete habitual del tema. Estais invitados, no hay que pagar ni recoger entrada.

El duende de San Juan

 
La noche de San Juan es noche de alegría.
Estrellado de flores, el verano nos llega
de manos de un duende que le hace de guía
La primavera ha muerto, el invierno se retira.
Si llegara el amor, nunca más moriría...
Las llamas del fuego, la noche vuelven día.
Si llegase el amor, que dulce sería.Las llamas del fuego, la noche vuelven día.
Si llegara el amor, que dulce que sería.
La noche de San Juan es una bisagra.
La puerta del año, rechinando
comienza a cerrarse. Dadme champán!
Que es la noche más corta y el día más grande.
Dadme champán, dame champán!
Dadme champán, dame champán!
Que es la noche más corta y el dia más largo.
Dadme champan !, dadme champan !
Dadme champan ! dadme champan !
Imitaremos el sol con grandes hogueras.
Pasaremos descalzos sobre las brasas.
Al cielo van de verbena pájaros y astros.
y uumentan las virtudes de hierbas y aguas
Como la tierra que gira alrededor del sol
Haremos lentos círculos alrededor del fuego
La noche de San Juan es noche de alegría
Estrellado de flores, el verano nos llega
de manos de un duende que hace de guía
Quien es este duende ? Quien lo conoce?
En el mismo centro del fuego tiene su feria Duende de la noche, rey del engaño.
Cada año por San Juan nos visitas.
Duermo a los niños y hago que sueñen.
Enamoro a los grandes y hago que se odien
Descubro secretos, doy a conocer misterios
Doy la vuelta a los sueños etéreos.
Provoco adulterios, recuerdos y añoranzas.
Besos y venganzas, enseño encantamientos
a las jovencitas traigo perfumes
de otros planetas.
Si miráis las llamas del fuego de San Juan
le veréis los cuernos, el sombrero y los guantes.
Cuando quiere es alto como la catedral.
Cuando quiere es pequeño como la uña de un dedo
No es hombre ni mujer, ni ángel ni un niño.
Para pasar un rato puede ser un comediante
Es joven y no lo es, genial e inmoral.
Astuto. ¿Y que más ?
Soy inmortal!
Si miráis las llamas ....

El poder curativo de los Buckley

Es demasiado tentador cebarse en la tragedia de los Buckley y olvidarnos de sus inmensas cualidades musicales que en su caso son, por encima de todo, portentosas cualidades vocales. Sería muy injusto y nos perderíamos lo realmente primordial: sus canciones son curativas.  
Si os falta información, teneis estos enlaces en la Wikipedia don podréis conocer algunos datos de la vida de padre e hijo, Tim y Jeff Buckley, y de su destino fatal y caprichoso. La verdad es que hoy no me apetece mucho entrar en determinados detalles.
 
Aquel joven y romántico cantante folk, Timothy Charles Buckley III,  quería ser algo más que un mero juglar atractivo y contestario. Era un tipo inquieto que deseaba seguir avanzando pero se olvidó de colocar la red debajo. Su complaciente audiencia no le perdonó la publicación de tres álbumes -Blue Afternoon (1969), Lorca y Starsailor (1970)- en que su maravillosa voz desdeñaba las melodías hippies sesenteras y se internaba en los laberintos vocales de los cantos tribales y el jazz.  Tuvo que dejar la música y en su últimos años, antes de su súbita muerte en 1975, intentó recuperar el territorio perdido sin demasiado éxito. Éste es el último tema de Starsailor.
La carrera discográfica de Jeff Buckley es más reducida que la de su padre. En vida publicó un álbum, Grace, donde estaba su tremebunda y ya eterna versión del Hallelujah de Leonard Cohen, y la mala suerte hizo que muriera ahogado justo en el día en que había llegado a los estudios para grabar el segundo. Queda para la posteridad las grabaciones de su primera actuación pública en Nueva York -de donde está extraída su versión de Once I Was- un homenaje a su padre del que comentó: "No era ni trabajo, ni mi vida, pero me molesto no haber estado en su funeral y no haber nunca hablado con él". Junto a ella otras grabaciones en vivo como la que hizo con su grupo en el club Sin-é o la que consideraba su mejor actuación pública, la que realizó en la sala Olympia de París. Dejemos atrás a padre e hijo que seguro tienen muchas cosas que contarse ya que no se conocieron en vida. Démosles un último y creo que merecido adiós.

Sinfonía en negro alquitrán (Cancionero del Prestige)

Se hace difícil conmemorar una tragedia. Hoy, 19 de noviembre, se cumplen 10 años de la catastrofe del Prestige y a falta de otras armas de los que echar mano -en determinados temas me gustaría tenerlas- he decido usar mis dos blogs de forma combinada para recordar lo que vivimos en aquellos terribles días. 
 

En el Círculo de los Suicidas Perezosos,  la entrada, Estercolero de sueños, se personaliza en la figura de Man, el artista eremita de Camelle cuya muerte se ha convertido en símbolo, algo que él odiaría,  de aquella debacle. 
Aquí, en Sinfonía Azul, he puesto temas musicales que se crearon a raíz de aquel naufragio. Hay muchos, quizás lleguen o se acerquen a la cuarentena. Incluso en el 2003 se publicó un disco entero  conmemorativo titulado Marea de música con 24 temas realizados por algunos de los músicos y cantantes gallegos más conocidos y relevantes.  
Entre la gente no gallega que ha tomado el  asunto del Prestige como texto o pretexto hay artistas como La Fuga, Mago de Oz, Victor Manuel, Amaral, Albertucho, Rafael Amor, La Pegatina, el grupo mexicano Vantroi o el mismísimo Alejandro Sanz. (En este enlace podéis ver algunas piezas).

De toda esa "marea de canciones", si tuviera que elegir una, me quedaría con la que el cantautor catalán Joan Isaac le dedicó al personaje que protagoniza mi entrada en el Círculo de los Suicidas Perezosos. Allí he dejado letra y vídeo de su bella canción. 
En el terreno del jazz, el pianista gallego Abe Rábade dedicó al Prestige una de sus composiciones en su disco en septeto Open Doors del 2007. Le acompañan algunas de las figuras más señeras del jazz ibérico: Perico Sambeat (saxo alto), Jesús Santandreu (saxo tenor),Nelson Cascais (contrabajo) y su inseparable Bruno Pedroso , más dos músicos norteamericanos invitados pero con larga trayectoria en este país: Chris Kase (trompeta y fiscorno) y  Alan Ferber (trombón).  

Para terminar este corto repaso, el grupo folk Luar na Lubre es el responsable de varios temas relacionados de forma directa o indirecta con el desastre. Me quedo con éste.
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Fútbol y música: ¿una extraña pareja?

Al final ganamos la Eurocopa del 2012. ¿Ganamos? Una de las peculiaridades que distinguen al fútbol de otros deportes es el uso que se hace de la primera persona del plural. Algún compatriota gana Wimbledon o el Tour o la Formula 1 e incluso el campeonato mundial de baloncesto o una medalla en balonmano pero si se trata de fútbol, ganamos nosotros.
¿Cómo escribir de fútbol a personas que pueden verlo como un espectáculo escapista y manipulado en el que masas amorfas e inconscientes abandonan sus verdaderas preocupaciones y se entregan a una pasión ridícula y banal llena de patriotismo barato, banderitas de colores y pretenciosos himnos "chunda-chunda" que satisfacen emociones simplonas? 
Pues bien, aunque suene extraño, una posibilidad es escuchar algo de su música. Como el fútbol mismo, la música es pasión y ha habido momentos en que esas dos pasiones se han entrecruzado con buenos y hasta excelentes resultados. 
Pongamos un caso. Alfredo da Rocha Viana Filho, más conocido como Pixinguinha fue un saxofonista, flautista y compositor considerado uno de los  grandes pioneros de la música popular brasileña desde  sus comienzos a finales de los años 10. Aunque los puristas lo acusaron de estar demasiado influenciado por el jazz, fue el  hombre que le dio una forma contemporánea  al choro, música de raíz popular nacida en las primeras décadas del siglo XIX.  Una de sus primeros éxitos también fue  uno de los primeros temas que toman al fútbol como protagonista. Su título no puede ser más revelador.   Seguimos en Brasil. A veces el fútbol puede servir como pretexto para hablar de otras cosas. Canta Elis Regina, que no se puede ser un perfecto goleador como Pelé porque la perfección es solo una meta. Como mucho se puede ser Tostão -mediocampista clave de aquel Brasil de ensueño del 70- y poder marcar gol alguna vez. Un tercer y ultimo tema brasileño compuesto e interpretado por Jorge Ben en homenaje a un futbolista casi desconocido si no fuera por un gol y por la canción que lo inmortalizó para siempre.    Vayamos a la decrépita Europa. De este continente lo que más me gusta en el territorio musical-futbolero son esos himnos de los clubs ingleses cantados en sus vetustos estadios con emoción infinita. El más ilustre de ellos, el que más se ha popularizado, el más emocionante para muchos oídos es un viejo tema compuesto por Rodgers y Hammerstein para un musical de Broadway. Convertido en un standard universal fue cantado entre otros por Frank Sinatra, Mahalia Jackson, Ray Charles, Elvis Prestley y sobre todo por un grupo del merseybeat, el sonido de Liverpool, contemporáneo de los Beatles: Gerry and the Peacemakers. Adoptado como propio por los hinchas del Liverpool F.C. pasó a formar parte de su escudo y de la verja de entrada a su estadio de Anfield Road. El Crystal Palace es un club londinense de no muy brillante historia pero que adoptó como himno un tema de The Dave Clark Five, un excelente grupo beat de los 60. David era un forofo del Crystal Palace desde su infancia. I'm Forever Blowing Bubbles es una canción de 1918 y también procede de Broadway. Interpretado por muchos grupos, incluyendo a la Original Dixieland Jass Band, era un tema que triunfó en los salones de baile de los años 20. Su letra algo cursi  ha propiciado que sea parodiado en múltiples ocasiones, por ejemplo por parte de Harpo Marx.  Es el  himno del West Ham United, el grupo con hinchas más cañeros del fútbol británico. Para el final, Maradona. Hay muchos canciones sobre este "barrilete cósmico", pero me quedo con la que interpretó Manu Chao en el documental divinizador -y falso diría yo- que le dedicó Emir Kusturica.

Canciones y susurros

Como a muchos, me gustaría en determinadas ocasiones poder salir de mi cuerpo y adquirir las cualidades de alguna persona a la que admiro. Quizás la prestancia imbatible de los personajes de Cary Grant o la capacidad magistral de Pablo Picasso para convertir en arte todo lo que tocaba. Puede que la erudición de Jorge Luis Borges, la fantasía épica de García Márquez o esa cercanía entrañable que solo puedes encontrar en los escritos de Julio Cortazar. Sin duda, también me gustaría tener la voz susurrante de Ángel Álvarez y poder realizar con él alguno de sus míticos espacios radiofónicos. Aquellos programas que supusieron la entrada de la música de origen anglosajón en aquella maltrecha España de 1960. Fue en abril de aquel año cuando aquel radiofonista de Iberia tuvo la oportunidad de tener un programa en directo. Con Caravana Musical enseñó a las nuevas generaciones todos los hallazgos musicales que había encontrado en sus habituales viajes al otro lado del Atlántico. En 1963 inició otro programa mítico, Vuelo 605, que duró hasta dos meses antes de su muerte a los 87 años en el 2004. No hay ninguna figura ilustre dentro de la radiodifusión musical española que no vea a Ángel Álvarez como el padre primordial, la figura arquetípica que sacó a este país de las catacumbas musicales. El rock, el pop comercial, el soul, el folk, el jazz y sobre todo su amado country entraron en España gracias a las emisiones de este pionero de los nuevos sonidos venidos de fuera y los que bajo su influencia empezaron a surgir dentro. Los programas de Ángel Álvarez eran participativos. Entre los temas que se escuchaban por antena, los oyentes elegían sus favoritos. Se formaba una lista semanal y cuando las canciones permanecían durante varias semanas pasaban a formar parte de las llamadas series doradas. Alrededor de 1000 temas han formado parte de este hit parade musical que comenzó en 1960 con un tema del crooner country Jim Reeves titulado He'll have to go. Ese Greenfields, que habéis podido ver en el vídeo, fue la primera canción que se escuchó en su primer programa y uno de los más queridos en la larguísima carrera musical de Ángel Álvarez. Un tradicional tema folk interpretado por las armonizadas voces de The Brothers Fours que fue el sexto tema elegido en sus series doradas. 
En el puesto 25 y también en 1960, un grupo instrumental con genuino toque tex/mex entra por la puerta grande en las series. Es el grupo The Fireballs interpretando este irresistible Kissin'. A veces, cuando surge la penumbra, necesito la luz que se desprende del tema principal de la película A summer place.  La pieza más popular del director, compositor y orquestador Percy Faith fue el número 34 de las series doradas. Terminamos con una canción de un todo terreno musical y cantante multiusos llamado Bobby Darin. Su Clementine, serie dorada número 42, es  una versión satírica y llena de swing del viejo y popular tema. Otro éxito más en 1960.
Ya solo quedan 958 canciones más. Una minucia para los que amamos la música.

Tomando partido

Viaxe de ida e volta

En la novela en gallego Arredor de si de Ramón Otero Pedrayo (1930) se retrata a un personaje, Adrián Solovio, que luego de haberse hastiado de los placeres que proporciona el esnobismo y lo extranjero, decide volver a su tierra y  allí logra reencontrarse consigo mismo a través de lo que siendo más propio, hasta entonces había despreciado. 
Dado que ando todavía con  problemas físicos y no puedo escribir mucho, aprovecho la ocasión para volver a casa y renovar mis maltrechas fuerzas al calor de esos temas que siempre me han encantado. Los he escogido entre mis discos y es la primera vez que uso este programa. 
Espero que todo salga bien y al menos os produzcan cierto bienestar.

Volar tan arriba

(Dedicado a Paloma)

La muerte, esa zorra insaciable, se ha llevado a otro de los nuestros.  
Gerry Rafferty nació en una familia escocesa extremadamente humilde, trabajó duro desde muy joven y emigró a Londres en busca de éxito donde empezó su carrera cantando en el metro. Allí conocido a otros artistas callejeros y formó parte de The Humblebums. Tras la separación del grupo a principios de los 70, formó con Joe Egan otro grupo de folk rock llamado Stealers Wheel con los que realizó grabaciones de relativo éxito como Stuck in the Middle, un tema inmortalizado en la película Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. El éxito no impidió que el grupo saltase en mil pedazos y Gerry, por problemas con su contrato discográfico, no pudo realizar ninguna grabación en los siguientes tres años. 
Aprovechó el tiempo. Cuando el mundo musical empezaba a experimentar los temblores del terremoto punk  y el resto seguía de bailoteo bajo enormes esferas plateadas contagiado por el ritmo alegre y bullicioso de la música disco, Gerry  tomo aire, se impulsó hacia adelante y se lanzó de nuevo a la aventura musical con City to City un disco que contenía una de las más soberanas creaciones musicales de los 70 y para mí, una de las más emotivas de la música pop de siempre. Una rompecascarones, en definitiva. Todos recordamos eso solo de saxo del músico de estudio Raphael Ravenscroft, aunque es todo en su conjunto -letra, música e interpretación- lo que nos estremece o al menos a este servidor. 
Pasó lo que pasa tantas veces: tras la llegada a la cumbre solo queda el descenso hacia un horizonte de recuerdos y buenas regalías económicas que nunca son suficiente alivio cuando ya no se puede volver a volar tan arriba.

Lágrimas río abajo

Cry me a river nace en las deslumbrantes fuentes del musical de postguerra. Su creador era un músico vinculado a Hollywood que tuvo su gran oportunidad en el film Pete Kelly's Blues. Arthur Hamilton logró colocar dos de los tres temas que había compuesto para el film.  Los interpretados por Peggy Lee. Sin embargo el tercero, cantado por Ella Fitzgerald, fue rechazado.



Insistió Arthur y consiguió al fin que Julie London, una estrella ascendente en el territorio del jazz vocal, interpretase su canción en una de las ácidas comedias de Frank Tashlin de principios de los 50. Esta es la escena. El film es conocido en España como Una rubia en la cumbre:



Las alucinaciones de un hombre atormentado, Tom Ewell - el célebre protagonista en The Seven Year Itch (La tentación vive arriba)- contribuyen la formación de uno de los standards músicales más interpretados a lo largo de los tiempos. El río ya es un gigante pero tiene sus afluentes, algunos verdaderamente exóticos.



Otros afluentes ingresan en territorios insospechados. Es el caso de esta interpretación primeriza del gran guitarrista británico, Davy Graham, pionero del folk rock.



"Chora um río" es el título que el compositor brasileño Arthur Nestrovsky le da al tema al pasarlo al portugués. Cantan Adriana Capparelli y Anna Toledo:



Por último, la versión más original del tema aparece en un disco de Joe Cocker de 1970. En Mad Dogs and Englishmen, Cocker se lanza abiertamente y sin frenos por el territorio del soul psicodélico.

Desde el camino: himno, romance, canción y jazz

AQUI TERMINA EL LIBRO V DE SANTIAGO APOSTOL
GLORIA AL ESCRITOR Y GLORIA AL LECTOR
ESTE CODICE LO ACOGIO DILIGENTEMENTE,
PRIMERO LA IGLESIA ROMANA, PUES FUE COMPUESTO
EN DIVEROS LUGARES: EN ROMA,
EN TIERRAS DE JERUSALEN, EN LA GALIA,
EN ITALIA, EN ALEMANIA Y EN FRISIA,
Y PRINCIPALMENTE EN CLUNY.
(Epílogo del último libro del Códice Calixtinus. Siglo XII. Referencia en la Wikipedia)




I onde vai aquil romeiro, meu romeiro a donde irá,
camiño de Compostela, non sei se alí chegará.
Os pés leva cheos de sangue, xa non pode máis andar,
malpocado, probe vello, non sei se alí chegará.
Ten longas e brancas barbas, ollos de doce mirar,
ollos gazos leonados, verdes como a auga do mar.

-I onde ides meu romeiro, onde queredes chegar?
Camiño de Compostela donde teño o meu fogar.
-Compostela é miña terra, deixeina sete anos hai,
relucinte en sete soles, brilante como un altar.
-Cóllase a min meu velliño, vamos xuntos camiñar,
eu son trobeiro das trobas da Virxe de Bonaval.
-I eu chámome don Gaiferos, Gaiferos de Mormaltán,
se agora non teño forzas, meu Santiago mas dará.

Chegaron a Compostela, foron á Catedral,
Ai, desta maneira falou Gaiferos de Mormaltán:

-Gracias meu señor Santiago, aos vosos pés me tes xa,
si queres tirarme a vida, pódesma señor tirar,
porque morrerei contento nesta santa Catedral.

E o vello das brancas barbas caíu tendido no chan,
Pechou os seus ollos verdes, verdes como a auga do mar.
O bispo que esto oíu, alí o mandou enterrar
E así morreu señores, Gaiferos de Mormaltán.

Iste é un dos moitos miragres que Santiago Apóstol fai
(Romance anónimo tradicional gallego, s.XIII. La versión moderna corresponde al grupo de folk Luar na Lubre y está grabada en este año 2010. La otra, mi favorita, es la clásica del gran folklorista gallego Faustino Santalices, fallecido en 1960).


 
(En Matto Congrio - 1993. Referencia en la Wikipedia)



(Abe Rábade. Aparece en su disco Open Doors -2008)

Baldo, con Galicia al fondo

La historia del jazz europeo es la historia de un atrevimiento. Mientras el rock se adaptó sin mayores sobresaltos a la idiosincrasia del viejo continente, el jazz necesitó un largo proceso para crear aquí su propio espacio identificativo. Aunque el trabajo duro se produjo en las dos décadas anteriores, fue en los 80 cuando por fin el barco soltó amarras. Desde entonces una buena cantidad de músicos tomaron la atrevida decisión de lanzarse a hacer una música desvinculada del poderoso legado norteamericano sin perder por ello las directrices que habían conformado el género. Baldo Martínez siempre ha estado en esa onda.



El momento fundacional del jazz gallego contemporáneo se produce a principios de los 80 con la fundación del caurteto Clunia Jazz por un grupo de jóvenes músicos recién salidos del conservatorio y un saxofonista veterano-ya fallecido- llamado Antonio Cal. Tuve la suerte de estar en el primer concierto del grupo cuando completaban un cartel que encabezaba Wynton Marsalis en el fenecido Festival de jazz de A Coruña. Entonces no me llamó la atención aquel contrabajista de O Ferrol que con el tiempo se convertiría en uno de los grandes animadores del jazz europeo actual. Hace unos días pude ver de nuevo al grupo, 27 años después, presentando su disco “5”. (Os recomiendo escuchad el fantástico tema "Entre Antares y Arturo" en http://www.myspace.com/festivaljazzmarinas)
Aquellos chicos tuvieron éxito en el convaleciente jazz español de los 80 y llegaron a publicar 3 discos. Luego en los 90 iniciaron carreras en solitario en las que Baldo Martínez empezó a descollar como músico y compositor de primerísimo nivel. Por ejemplo, fue miembro fundador del grupo de jazz contemporáneo Zyklus:



Era una época de experimentación musical y Baldo era una presencia inestimable en proyectos de otros grandes músicos, el caso del célebre Jazz Hondo (1999) formando parte del grupo de Ángel Rubio. Sin embargo no dejó de causar impresión su primer disco como líder . El título cuto título está inspirado en un poemario de Celso Emilio Ferreiro, el principal poeta gallego de la postguerra. (Escuchad el álbum)
Esa sutil combinación de free jazz y música tradicional empieza a tener presencia en su música y los críticos saludan al músico como una de las "esperanzas blancas" del nuevo jazz que se realizan en España. Un jazz donde el aspecto compositivo es fundamental y que no se permite acariciar los oídos del público con el viejo repertorio norteamericano mil veces repetido. Otros discos de su quinteto durante estos años son:  Juego de niños donde aparece por primera vez una zanfona, Nai donde se lanza ya de forma decidida a la aventura de experimentar con la música popular gallega sy Tusitala. (Los tres discos disponibles haciendo click en el nombre)
En 1999 es invitado al festival de jazz en Guimaraes (Norte de Portugal) y se le encarga realizar un disco con la música nacida del río Miño. Es éste un territorio con personalidad propia,  fértil en leyendas, contrabandistas y escapados. Un pequeño Río Grande en el Noroeste Peninsular.  Después de 7 años, el  proyecto salió  a la luz discográficamente y fue la bomba. Este es un mínimo fragmento en directo de la Suite del Miño:



Projecto Miño es considerado en el 2008 como mejor álbum de jazz hecho En españa. En su interior, hay un hermoso texto del escritor Manuel Rivas:
"(...)El Miño es para mi hoy el projecto Miño. Baldo Martínez se ha inspirado en la idea del río como lugar de encuentro, de creatividad compartida. Podemos identificar las fuentes y la calidad de los aportes. Podemos imaginar el estudio como un hogar nómada. Pero ha ocurrido algo extraordinario: ha creado un rumor inolvidable para el río. Alalás de un jazz free, con la energía tan conmovedora como irónica de la voz de Maite Dono. Baldo Martínez, en Projecto Miño, ha creado la música que un río sueña cuando pasa bajo los puentes y revive en contracorriente."
Si tuviera que elegir un tema de ese disco extraordinario me quedaría con éste:


Seguir la trayectoria de Baldo Martínez en la actualidad es tarea extremadamente compleja. Su tremenda inquietud artística le permite compaginar actividades musicales en distintos grupos y ser, por ejemplo, organizador de festivales como el Imaxinasons de Vigo. Sigue con su quinteto pero también tiene un cuarteto acústico. Acaba de sacar un disco con la cantante de Projecto Miño, Maite Dono, titulado Sons-Nús y ha formado dúo con el clarinetista y saxo italiano Carlo Actis Dato. Es parte activa y principal compositor en Clunia y permanece junto a Agustí Fernández y Ramón López en el trío Tri-Ez:




Para terminar una de los temas más populares del folklore popular gallego revitalizado en las manos maestras de Baldo Martínez, el pianista Alberto Conde y el batería Nirankar Khalsa

Por los viejos tiempos

¿Deberían olvidarse las viejas amistades y nunca recordarse? 
¿Deberían olvidarse las viejas amistades y los viejos tiempos?
CORO: Por los viejos tiempos, amigo mío, 
por los viejos tiempos
tomaremos una copa de cordialidad por los viejos tiempos. 
 Los dos hemos correteado por las laderas y recogido las hermosas margaritas, pero hemos errado mucho con los pies doloridos desde los viejos tiempos. 
 CORO 
Los dos hemos vadeado la corriente desde el mediodía hasta la cena, pero anchos mares han rugido entre nosotros desde los viejos tiempos. 
CORO 
Y he aquí una mano, mi fiel amigo, y danos una de tus manos, y ¡echemos un cordial trago de cerveza por los viejos tiempos!.  CORO

Auld Lang Syne, es un viejo poema del escritor nacional de Escocia, Robert Burns, publicado en 1788 y luego difundido por todo el mundo tras transformarse en canción, siendo parte insustituible en eventos de todo tipo: conmemoraciones, congresos, desfiles, funerales, marchas etc...

Gracias a la orquesta de Guy Lombardo, se popularizó en el mundo anglosajón como banda sonora de obligado paso cuando llega el año nuevo.

Acompañaba cadenciosamente el baile de Robert Taylor y Vivian Leigh en la maravillosa El Puente de Waterloo (1940) de Mervyn LeRoy.

La toca, más o menos, a la tuba, Gary Cooper a punto de coger un tren en El Secreto De Vivir (1936) de Frank Capra. El mismo director la usa en dos ocasiones memorables: acompaña las peripecias del senador James Stewart en Washington en Caballero sin espada (1939)y es la guinda del pastel, algo empalagoso pero sin duda entrañable, de ¡Qué bello es vivir!(1946)

También es parte de una declaración de amor casi imposible en la excelente comedia romántica: Cuando Harry encontró a Sally (1989) de Nora Ephron.
Admite un toque punkie gamberro.

Pero su belleza siempre es estremecedora.

Esperando a(l) mañana