Mis neandertales se suben a la moto

La cuestión que me planteo en esta entrada, es intentar subir a los neandertales de los que hablo en el otro blog (tenéis la entrada en la parte superior derecha)  a una moto lo suficientemente potente y resistente como para atravesar América de norte a sur o sea como lo del Che Guevara pero al revés. Ellos buscan alborotos, no epifanías.

  

No sé nada de motos, pero me inclino a pensar que la que nos proponen los Beach Boys no es la adecuada. Quizás para un paseo alrededor de la costa un día de verano podría estar bien, pero poco más. Incluso aunque tengas buena compañía.

 

La opción de Los Bravos tampoco acaba de convencerme. Ellos expresan un deseo, un ansia, un anhelo, que no se puede satisfacer por falta de guita. Quedan descartados.  

Ted Nugent le vendría de perlas a mis neandertales, ya que ellos, a estas alturas, deben de estar acostumbrados a estar con cavernícolas trumpistas, broncas y agresivos, pero no sé si sería muy cargante llevarlo en un viaje tan largo y quizás optasen por lanzarlo a algún despeñadero y librarse de él.

 

Como os habrá ocurrido a más de uno, he pensado en aquella legendaria película Easy Rider y me he acordado de este tema de Steppenwolf con que se abren los créditos iniciales. Por desgracia, Peter Fonda y Dennis Hopper han cogido la moto y ya no están con nosotros. Además esas choppers son mogollón de horteras.

La opción de Deep Purple tiene su encanto hasta el punto de aparecer en varios videojuegos ...de coches. Aunque la letra nos hable de velocidad, de la confianza que nos dan sus neumáticos y el cacharro sea como un huracán salvaje ...es un auto. Un puto vehículo de cuatro ruedas: Nobody gonna take my car / I'm gonna race it to the ground / Nobody gonna beat my car /It's gonna break the speed of sound... 

Al final, me quedaré con esta propuesta de un grupo poco conocido. Es potente, enérgica y augura buenos resultados o eso pienso yo. Consultaré con mis neandertales. Lo haré con delicadeza, no quiero llevarme un trumpazo.

4 canciones de mis 19, 20 o 21

Una canción para el combate

Una canción para el relax atento  

Una canción para volar

Los viejos han perdido la onda: músicas posibles

Videos musicales de radio desde el cine: 

Días de Radio / Woody Allen (1987)  

Historias de la radio / José Luis Saénz de Heredia  

Radio musical española:

El Pionero: Ángel Álvarez

Desde los 60: Los 40 principales

Los 70/80: Disco Grande Flor de Pasión 

Radio 80

M80

Desde Radio 3

Los 80

Diario Pop con: Siniestro Total  Aviador Dro Derribos Arias. 

Los 90/2010: 

El ambigú (1992/2010)
Cuando los elefantes sueñan con la música

2010 +
Disco Grande (Etapa final)

Toma Uno (Etapa final)

Mundo Babel con Paco Ortega

A todo jazz

Radio Clásica y jazz
Jazz porque sí

Solo jazz

Clásicos del jazz y del swing

Sintonías históricas de la radio española.

Mil horas con Cifu

Las redes sociales bullen, Radio Clásica emite todo el tiempo música de jazz y yo apenas sé que decir: Cifu ha muerto.
Mis intenciones para hoy pasaban por escribir una entrada lejana al jazz pero todo ha quedado al margen, Cifu me ha acompañado durante mucho tiempo y tenía que escribir algo en su recuerdo a pesar de que odio los obituarios y estoy con un puñetero lumbago. Maldita la gracia. 
Estareis escuchando un montón de historias más interesantes que las mías sobre este hombre tan importante para los que amamos el jazz, la música y cualquier otra forma de arte en general.
Surgirán nuevos datos y anécdotas sobre su biografía y personalidad, bellos lugares comunes, mucha tristeza y cierta sensación de orfandad que comparto.
Yo en estos casos prefiero ser púdico y hasta me da un poco de vergüenza comentar que conocí a Juan Carlos Cifuentes en los 80, antes incluso de aquel legendario programa de televisión que todavía tenemos en el recuerdo: Jazz entre amigos.
Esta era su sintonía y abajo la tenéis completa tal como la grabó en su momento la Orquesta de Woody Herman.
 
Me acerqué por primera vez al jazz radiado a través del programa que presentaba en Radio 3 su colega y amigo Paco Montes. Se titulaba Ésto es jazz. Luego llegó Cifu  desde la tele y ocupó todo:  por tierra, mar y aire.  
Fue la época en que en Radio Nacional desembarcaron los grandes estrellas de la radio  musical española que todavía permanecían en otras emisoras. Dos programas: uno en Radio 2, ahora llamada Clásica y otro en  Radio 3. Pero es que además estaban las fascículos, los discos con textos de presentación, los artículos, las conferencias, las presentaciones... 
Cifu pasó ser el jazz en España  así como el jazz pasó a ser Cifu.
Sólo conozco dos fenómenos parecidos: Félix Rodríguez de la Fuente con respecto a la fauna y en tono menor Fernando Jiménez del Oso con respecto a todo lo paranormal.
El programa de Radio Clásica mantuvo el título original de sus comienzos como locutor allá por marzo de 1971. Jazz porque sí  tiene - ¿he de decir tenía? - esta sintonía incomparable.

A todo jazz es o era el nombre programa de Cifu en Radio 3, últimamente en emisión los sábados y domingos a las dos de la tarde. Su entradilla procede del disco más emblemático del trompetista Lee Morgan. Boy, What a Night está  presente en The Sidewinder.
Hoy, en Radio 3, hasta en los programas musicales más indies se escuchan temas relacionados con la música que idolatró Cifu. Más aún, en Radio Clásica, como escribí al principio, la programación entera está dedicada al jazz. Un hecho que por encima del triste acontecimiento  resulta paradójico. Normalmente la música clásica suele ser telón musical de fondo cuando se producen hechos luctuosos y de enorme gravedad. Ahora la muerte de un hombre provoca que toda una programación clásica derive hacia el jazz. Eso solo lo podía conseguir él. Sí, por muchas cosas diferentes mereció la pena pasar mil horas con Cifu.

Pollos, patos, pajaritos y pajarracos en Sinfonía

Esta no es una entrada para seres elegantes, sofisticados o exquisitos.
Abandono los territorios confortables donde el éxito está asegurado. Dejó atrás teatros, salas de concierto y auditorios para irme a corrales, pajareras y palomares.
Me decido, meto la mano en el nido y me juego un picotazo o que me atinen en la cara con una boñiga.

Me preguntaba a mi mismo, ¿serás capaz? y ya veis que lo hecho. Tampoco pasa nada, sigo siendo el de siempre. ¿O no?
Lo puedo intentar de nuevo, subiendo un poco el nivel. Además es mejor empezar con lo más cercano, ya sabéis lo que dicen: más vale lo malo conocido.
Hay peligro con las gallinas. Siempre te puedes encontrar a alguien dispuesto a demostrarte que son más viejunas o más frescas que los dichosos huevos de la comparación. Eso si no te tropiezas con personajes empeñados en imitarlas.

Algunos son más exóticos y prefieren los patos. Los patos tienen buena fama. Pueden ser cuna de cisne o convertirse en personaje famoso de Disney.

Estaban llamados los patos y al final también vinieron gansos, cisnes y hasta marrecos, conocidos en estas latitudes como cercetas. Los pájaros son todo un mundo y se prestan a cualquier cosa, incluso a extrañas combinaciones. Por ejemplo de esta enlace con música de pájaros y éste otro con música para monos surgió este picotazo gutural.
Es lo malo que tiene tratar con tanto pájaro, te adaptas a su ritmo y luego no puedes parar. Reconócelo aunque lo intentes, nunca podrás volar a su altura o correr como un loco por los caminos.

Es hora de descansar de tanto trajín. La pajarera se ha quedado pequeña y otro día tendré que traer otra para llenarla de las aves que no pudieron entrar en ésta. Cabe un mirlo que es pájaro pequeño. A éste, en concreto, le tengo especial cariño: está en la canción que más me gusta del grupo que más me gusta, el primero de los grupos.
"Mirlo que cantas en el silencio de la noche, despliega esas alas y aprende a volar. Toda la vida has esperado este momento para alzar el vuelo. Mirlo que cantas en el silencio de la noche, abre esos ojos hundidos y aprende a ver. Toda la vida has esperado ese momento para ser libre. Vuela, mirlo, vuela, en la luz de una noche oscura y negra. Vuela, mirlo, vuela, en la luz de una noche oscura y negra. Mirlo que cantas en el silencio de la noche, despliega esas alas rotas y aprende a volar. Toda la vida has esperado este momento para alzar el vuelo. has esperado este momento para alzar el vuelo. has esperado este momento para alzar el vuelo"

(Dedicado al maravilloso pueblo griego)

Desnudos sin música

Creo que para los que no vivimos de ella, la música apenas tiene sentido si no suscita alguna emoción. Lo entendió así Manuel Vázquez Montalbán  cuando en su  Crónica Sentimental de España  de 1969, bautizo con ese nombre una extraordinaria colección de artículos describiendo los avatares sociales posteriores a la Guerra Civil a través de pinceladas entresacadas del cancionero popular en boga. Una idea que llevó a su culminación Basilio Martín Patino en su legendaria Canciones para después de una Guerra, quizás el mejor retrato de aquellos desgarradores años de la Posguerra en su sorprendente mezcla de imágenes y canciones.
Televisión Española abrió sus emisiones el 28 de octubre de 1956 pero tardó al menos diez años en formar parte de la vida sentimental de los ciudadanos de este atribulado territorio. Para entonces, algunos de nosotros ya correteábamos por alfombras, baldosas y parqués en la búsqueda de nuevas experiencias ¿y que mejor experiencia que aquella nueva caja mágica -lo de caja tonta sobrevino cuando nos convertimos en mayores descreídos- capaz de proporcionarnos magnos placeres? La música formaba parte de esos placeres deslumbrantes pero no nos conformábamos con las habituales galas del sábado y preferíamos algo más rompedor, algo diferente y sobre todo que fuera musical. Éramos niños pero no idiotas.
Escala en Hi-Fi (1961-1976) fue una temprana escenificación de canciones en glorioso playback presentado por Juan Erasmo Mochi.
En Ultimo Grito (1968-1970) José María Iñigo e Ivan Zulueta fueron capaces de crear un programa tan pop que si la censura lo permitiese hubieran convertido a Andy Warhol en pretencioso advenedizo.
 
A finales de los 70 llega la gran división: "Aplauso es un programa mayoritario, standard. Popgrama es un espacio esotérico, minoritario, extraño" (J.M. Costa El País 1979) Yo no tenía dudas pero aunque elegía el segundo sin duda, estaban mis admirados Carlos Tena, Diego Manrique, Ramón Trecet, Moncho Alpuente etc... -no dejaba de echar alguna miradita al primero.  
Un antiguo componente de Popgrama, Angel Casas, dirigirá y presentara Musical Express decapitado en 1983.

El texto lo dice todo y el recuerdo también:  
Sí era una auténtica Edad de Oro y los programas se sucedían unos a otros en tiempos de movidas y fulgor.
Por cierto, ayer al escribir esta entrada me olvide de hacer reseña de un programa infantil que con su tono inteligente, socarrón y decididamente libertario contribuyó mucho a la difusión del pop español de los 80. Me refiero "a la bola que a todo el mundo le mola".
El mismo Carlos Tena, antes de convertirse en patético portavoz del régimen cubano, estuvo detrás de Caja de ritmos -eliminado tras la famosa actuación de Las Vulpes- Pop que o Auambabulubabalambanbú. Miguel Ríos realizó una historia del rock español en ¡Qué noche la de aquel año! y Juan Carlos Cifuentes presentó entre 1984 y 1991 Jazz entre amigos.  
De los 90 poco hay que recordar, quizás Plastic como alternativa al comercial Rockopop de Beatriz Pecker. Ahí se acaba de todo. Lo demás no merece ser nombrado. Desde entonces vivimos en un erial en el que solo nos permiten alimentarnos con raíces de los viejos recuerdos. Al parecer el vídeo no solo mató a la estrella de la radio y también hizo estragos en la televisión. 
A la espera de tiempos mejores, marchémonos con un buen sabor de boca. Se lo debemos a Antonio Fernández, un magnífico profesional que falleció el año pasado y que además de una larga y exitosa trayectoria radiofónica con su programa Área Reservada tuvo un corto pero hermoso programa de televisión con el mismo nombre. Esta era su extraordinaria sintonía, una pieza de John Lee Hooker y Santana. También nosotros nos sentimos desnudos desde que nos han quitado la música en televisión.

¿Por qué arde el blues a 9 bajo cero?

Es todo un misterio de la naturaleza, pero con estos calores agosteños de media tarde, cuando todo el mundo anda perdido por ahí dormitando la siesta cerca de alguna playa,  no tengo demasiadas ganas de desvelarlo.
Nine below zero es una joya imperecedera de ese bluesman misterioso llamado Alex "Rice" Miller,  conocido por todos como Sonny Boy Williaamson II, un tipo al que le dediqué una entrada en su día y que como entonces, me sigue sugiriendo la figura de uno de esos viejos enterradores que aparecen  en los westerns polvorientos y crepusculares de las últimas décadas.
¿Es éste celebérrimo tema, que incluso ha dado nombre a un afamado grupo inglés, una de esas prueba de fuego que te permiten ser considerado un buen bluesman? Muchos hechos lo corroboran, ya que desde su aparición en More Real Folk Blues (1967), junto a otras piezas memorables de Williamson como Help Me o Bye Bye Bird, ha pasado a formar parte del repertorio de los más grandes 
Espero que después de estos vídeos mis amigos de este lado del mundo se sientan más frescos y los que estáis abajo, en plena invernía, podais descubráis las virtudes de los buenos refugios cuando afuera el frío puja por adueñarse de todo. Para estar más seguros podemos apretar un poco más y llegar a la friolera de los 10 bajo cero y ver lo que ocurre. Además en español, con una letra muy propia para estos tiempos y a cargo de un grupo pionero del género en España.

Incorrectas y maliciosas

Después de una entrada tan piadosa como la anterior, el cuerpo me pide irreverencia y provocación. 
Saquemos, pues, lo peor del ser humano a través de las canciones.

Son canciones gestadas en este país. Y bien famosas. 
Me hacen gracia porque desafían ciertas convenciones sociales con las que estamos familiarizados en estos tiempos. 
Inocentemente en muchos casos. En otros de forma maliciosa.
A los que lleven más tiempo leyéndome puede que les suene esta historia. Me he plagiado a mi mismo retocando una vieja entrada que publiqué en el Círculo de los Suicidas Perezosos hace ya unos cuantos años.
Esta entrada en realidad es solo un insignificante chiste.  Como casi todo en la vida.
A tiro de ratón, de clic.

• Esclavismo  
• Fascismo
• Prostitución  
• Ensimismamiento
• Pederastia
• Acoso
• Eutanasia
• Naturismo
• Pereza  
• Delirio
• Incomunicación
• Zoofilia 
• Delincuencia
• Fetichismo
• Anorexia
• Onanismo
• Masoquismo
• Machismo  
• Sadismo 
• Contaminación 
• Complejos
• Infidelidad
• Violencia de género
• Comida basura
• El futuro
• La meta final 

Canciones y susurros

Como a muchos, me gustaría en determinadas ocasiones poder salir de mi cuerpo y adquirir las cualidades de alguna persona a la que admiro. Quizás la prestancia imbatible de los personajes de Cary Grant o la capacidad magistral de Pablo Picasso para convertir en arte todo lo que tocaba. Puede que la erudición de Jorge Luis Borges, la fantasía épica de García Márquez o esa cercanía entrañable que solo puedes encontrar en los escritos de Julio Cortazar. Sin duda, también me gustaría tener la voz susurrante de Ángel Álvarez y poder realizar con él alguno de sus míticos espacios radiofónicos. Aquellos programas que supusieron la entrada de la música de origen anglosajón en aquella maltrecha España de 1960. Fue en abril de aquel año cuando aquel radiofonista de Iberia tuvo la oportunidad de tener un programa en directo. Con Caravana Musical enseñó a las nuevas generaciones todos los hallazgos musicales que había encontrado en sus habituales viajes al otro lado del Atlántico. En 1963 inició otro programa mítico, Vuelo 605, que duró hasta dos meses antes de su muerte a los 87 años en el 2004. No hay ninguna figura ilustre dentro de la radiodifusión musical española que no vea a Ángel Álvarez como el padre primordial, la figura arquetípica que sacó a este país de las catacumbas musicales. El rock, el pop comercial, el soul, el folk, el jazz y sobre todo su amado country entraron en España gracias a las emisiones de este pionero de los nuevos sonidos venidos de fuera y los que bajo su influencia empezaron a surgir dentro. Los programas de Ángel Álvarez eran participativos. Entre los temas que se escuchaban por antena, los oyentes elegían sus favoritos. Se formaba una lista semanal y cuando las canciones permanecían durante varias semanas pasaban a formar parte de las llamadas series doradas. Alrededor de 1000 temas han formado parte de este hit parade musical que comenzó en 1960 con un tema del crooner country Jim Reeves titulado He'll have to go. Ese Greenfields, que habéis podido ver en el vídeo, fue la primera canción que se escuchó en su primer programa y uno de los más queridos en la larguísima carrera musical de Ángel Álvarez. Un tradicional tema folk interpretado por las armonizadas voces de The Brothers Fours que fue el sexto tema elegido en sus series doradas. 
En el puesto 25 y también en 1960, un grupo instrumental con genuino toque tex/mex entra por la puerta grande en las series. Es el grupo The Fireballs interpretando este irresistible Kissin'. A veces, cuando surge la penumbra, necesito la luz que se desprende del tema principal de la película A summer place.  La pieza más popular del director, compositor y orquestador Percy Faith fue el número 34 de las series doradas. Terminamos con una canción de un todo terreno musical y cantante multiusos llamado Bobby Darin. Su Clementine, serie dorada número 42, es  una versión satírica y llena de swing del viejo y popular tema. Otro éxito más en 1960.
Ya solo quedan 958 canciones más. Una minucia para los que amamos la música.

Tomando partido

Ni el jazz en serio, ni el rock en broma

Nacieron en 1999 y aunque han editado un único álbum, Díscolo (2000), desde entonces han estado presentes en el mundillo musical español creando un sello discográfico, Pueblo, realizando bandas sonoras y actuando en numerosos festivales de jazz y rock. Efectivamente, el grupo Dead Capo navega sin pudor entre dos mundos musicales que algunos consideran opuestos. Desde su posición como grupo de culto se pueden permitir el lujo de la infidelidad a cualquier propuesta musical exclusivista. Lo suyo es la versatilidad y la poligamia. Lo demuestran recreando el tema de Adolfo Waitzman para esa desternillante película española de 1962 titulada Atraco a las tres .

En su página web en Myspace dicen de su álbum único: "Díscolo.., es una impredecible batidora de estilos, una road movie sin fronteras con paradas en el jazz, el swing, el rock, las bandas sonoras del eje Mancini-Schiffrin-Barry-Rota-, el surf, el lounge, el funk, el blues...
Y continuan:
"Su música (la del disco) es el resultado de una sobre-exposición a múltiples estilos de música, muchos moldes musicales que han tratado de derretir para crear uno propio"

Les han influido los grandes compositores de bandas sonoras pero también la fecundidad infinita de Charles Mingus, los grupos jazísticos con toques punk de la agitación neoyorquina de finales de los 70 como los Lounge Lizards de John Lurie o el hoy aclamado John Zorn etc... 

Además son tipos divertido e inquietos por lo que sucede a su alrededor. Algunos de sus miembros fueron redactores de un ácido Manifesto! Moncloa Sound System (podéis verlo haciendo click en el enlace) redactado tras ser invitados a la Moncloa en el Día Internacional de la Música del año 2004. Por su parte,  Javier Gallego, tiene un extraordinario programa en Radio 3 titulado Carne Cruda donde extrae el jugo a la actualidad de una forma ágil, divertida y mordaz aderezándolo con propuestas musicales tan  atrevidas y singulares como las que desarrolló en el grupo del que fue batería hasta éste último verano. 

"Si existiera un Freud de las armonías se daría un festín con estos tipos. Aparecen toda clase de patologías e irreverencias musicales. A mí me saben. Son de un Mingus atareado y apaleado a la vez, más claras, pero agujereadas como un queso. Hay un pequeño Schoenberg entre las cuerdas y un hombre del saco estrellado en el miedo de nadie. Sam está hasta las narices de tocarla otra vez y le ha robado el garito a Bogart. Al oírlos viene a buscarte un gato callejero que se sueña a sí mismo flotando entre sonidos de Mancini. Hay un glam que se sacude como una estera y se cadencia 10 veces hasta asomar la risa. Un trópico de cáncer con esa censura de Mogambo llena de incestos y de-formaciones simpatiquísimas. Se hace sonar el espejo de feria y aparece un Malher aFellinando, como la zona fantasma de los tres malvados de Superman"(Dead Capo: Clásicos de un tiempo por llegar / La Maga Z)

Abe, creador

El viernes pasado tuve la oportunidad de acercarme a Abe Rábade para que me firmase un ejemplar de su último disco, Zigurat. Abe es una persona cordial y sumamente afable. Te estrecha la mano con fuerza y se siente agradecido de que la gente se interese por su música. Tanto su madre como su padre son dos escritores gallegos de reconocido prestigio y su hijo ha heredado su mismo gusto por nuestro idioma que él pronuncia con un acento hermoso, bien timbrado, exacto. Tal cual suena Rábade cuando se pone detrás de un piano.


El viernes a Abe se le veía feliz. Había estado tocando durante una semana con su trío en el Café Central de Madrid y se notaba que se sentía enriquecido por la experiencia de tocar todos los días con su grupo actual: Pablo Martín Caminero al contrabajo y el portugués Bruno Pedroso a la batería. Lo que debería ser habitual, lo que fue habitual en otro tiempo y permitió que el jazz llegara a donde llegó, es decir, el contacto diario de los músicos entre sí y con el público que va a verlo, es algo que se ha convertido en excepcional y raro. Los músicos tienen pocos conciertos  -en su mayor parte centrados en la temporada de festivales- dedicando el resto del tiempo a otras actividades: la enseñanza, acompañamientos a otros artistas o esporádicas sesiones de grabación en estudio.
Abe es un creador de música, no un mero intérprete de jazz -en su último disco solo una pieza no es de su cosecha- y necesita que sus temas circulen, se desgasten, se reciclen y que incluso acaben convirtiéndose en otra cosa. Por eso precisa de las actuaciones en directo.


Zigurat es el séptimo álbum de Abe Rábade como líder y es un disco brillante y hermoso donde al lado de temas "jarretianos" como el anterior, hay otros de un lirismo excepcional. Entre ellos un tormentoso y complejo Xiket, como homenaje al gran saxofonista valenciano Jesús "Xiket" Santandreu.


En su página web o a través del Spotify podéis seguir escuchando los temas del último disco de este creador extraordinario. 

Augusto y "despreciable"

Quizás uno de las claves del triunfo de la cultura norteamericana a lo largo del siglo XX estriba en el enorme respeto que ha mantenido a sus creadores, independientemente de los orígenes, el estilo y la carrera de cada uno. Hubo un racismo espantoso, es cierto, pero incluso con el tiempo los grandes artistas afroamericanos encontraron su lugar al sol. 
En el terreno propiamente musical los grandes compositores norteamericanos lo han sido por encima del género que practicasen y han podido convivir sin excesivas estrecheces Leonard Bernstein, Aaron Copland, John Cage, Duke Ellington, Cole Porter, Ornette Coleman, Carole King o Jimi Hendrix. 



Europa es esclava de su prolífica historia. En Europa las fronteras culturales siempre han estado bien definidas y la música de élite ha marcado claramente sus diferencias con respecto a la "despreciable" música popular y no digamos si se trata de la música ligera, la más "despreciable" de todas las músicas.  Si en algunos países ha habido cierta aproximación desde géneros cultos a su música ligera, por estas latitudes la cosa sigue muy cruda más allá de la reivindicación creciente de la antes denostada copla. 
Todo este largo preámbulo viene a propósito de la figura de Augusto Algueró, ahora que ha tenido que morirse para ser recordado e incluso venerado por muchos de los guardianes de las esencias musicales españolas.



Los italianos, los brasileños, los franceses no sé cansan de hacer versiones de aquellos maravillosos temas que formando parte de su patrimonio musical también son un fragmento de su patrimonio sentimental. No digamos los estadounidenses con sus hermosas melodías nacidas en sus poderosos supermercados de Broadway o Hollywood. Es triste pensar que un tema tan extraordinario como "Tómbola" solo cuente con algunas edulcoradas versiones pop y nadie, que yo sepa, le haya dado un toque, por ejemplo, más jazzístico.
Todos los que odien a Marisol quedan excusados de ver el vídeo siguiente:



Monna Bell fue una cantante chilena que obtuvo un enorme éxito en todo el mundo incluyendo Nueva York a finales de los 50 incluso versioneando en español el Only You de The Platters. Se radicó en España a principios de los 60 y fue una de las pioneras del nuevo pop español. Aquí la tenemos interpretando un fragmento de uno de los grandes clásicos de Augusto Algueró.



Creo que el final es obligado y además aunque os pese, no podría evitarlo:

Laietans

Se acaba de editar Músia Laietana, un disco recopilatorio de temas procedentes de aquel movimiento musical de los 70 y principios de los 80 que tuvo su centro de atención en aquel viejo almacén reconvertido en lugar de conciertos: la sala Zeleste de Barcelona:



Para los que nos iniciábamos como degustadores de música en los albores de los 80, escuchar a aquellos "hippies" barceloneses nos producía una curiosa sensación de modernidad. Por un momento podíamos olvidarnos de nuestro ídolos anglosajones y admirar las proezas sonoras -a veces algo latosas hay que decirlo- de gente como Max Sunyer, Santi Arisa, Kitflus, el fabuloso Carles Benavent, Joan Albert Amargós, Jordi Sabatés o el pionero Enric Herrera con su grupo Máquina.



No se trataba de un hecho aislado, el rock progresivo del que procedían todos estos grupos era un fenómeno mundial y concretamente en España su otro foco de atracción era Andalucía a través de grupos como Smash, Guadalquivir, Caí o Triana. 
Lo peculiar de la experiencia barcelonesa, luego conocido como rock laietano, es que fue un movimiento muy amplio que abarcaba desde los sectores mas rockeros de la Nova Cançó (Pau Riba, Oriol Tramvia..) hasta gente cercana a la rumba catalana o a la salsa (Gato Pérez, la Orquesta Platería etc..) Sin embargo el elemento que más influiría en el posterior desarrollo de su estilo fue su acercamiento a algunos de los veteranos músicos de jazz que sobrevivían, nunca mejor dicho, en la ciudad condal: Lucky Guri -fundador de Barcelona Traction, Ricard Rodes o la única figura jazzística española con proyección internacional: Teté Montoliu.



Está unión entre la vieja guardia jazzística y los jóvenes instrumentistas laietanos era más que nada producto de la de necesidad de supervivencia en un mundo musical cada vez más alejado de las músicas minoritarias. Fue una fusión que modificó ambas partes y terminó llevando al rock laietano hacia el jazz-rock. El grupo que mejor representa los primeros momentos de esta mezcolanza entre lo viejo y lo nuevo es la Orquestra Mirasol:

Este es un tema de su primer disco "Salsa Catalana" (1974) que auguraba muchos éxitos futuros. Desgraciadamente solo hubo otro más. Las ambiciones profesionales de sus miembros y  la mezcla de estilos tan diferentes terminó con la vida del grupo capitaneado por Victor Ammann. Más tarde el grupo tuvo una segunda edición con el nombre de Mirasol Colores, y sacaron al mercado un buen disco, la Boquería, enfocado hacia la música de salsa.
La alineación de Música Urbana era también de autentico lujo. Amargós, su lider, atrajó junto así a gente como Carles Benavent, Lucky Guri o Salvador Font.



En 1974 el guitarrista Max Sunyer forma Iceberg con el teclista Josep Mas "Kitflus", la fusión empezaba a ser la estrella. Pegasus, el nuevo nombre del grupo tras la incorporación de Rafael Escoté y el percusionista Santi Arisa en 1982, fue el indudable colofón de la escuela laietana.



Un movimiento aparentemente poderoso pero extremadamente vulnerable. Demasiado farragoso y aburrido para la marea simplificadora de los 80 que los barrió de la escena sin más contemplaciones. Los que lograron sobrevivir al naufragio se encaminaron hacia otros estilos musicales donde hoy en día siguen ejerciendo su indudable magisterio musical. Recientemente, los fundadores de Pegasus se han vuelto a reunir. Esto es lo que hacen hoy.

Verdades amargas

El lado oscuro del corazón es una hermosa película argentina de 1992 dirigida por Eliseo Subiela.  En sus títulos finales, podemos escuchar uno de los más grandes boleros creados por extraordinario talento de Consuelo Velázquez. La interpretación de lujo corre a cargo de Los Panchos y María Martha Serra Lima.



Verdad amarga  es un bolero especialmente triste y desesperanzado dentro de la tristeza consustancial a cualquier bolero. De principio a fin, la cadencia musical y ese tempo lento muy remarcado, subraya el contenido agobiante, dejándonos tras la escucha una sensación de cierta agitación interior. 
Desde mi punto de vista, ni siquiera el lirismo romántico del cantautor cubano Pablo Milanés puede aligerar la emotividad desgarrada de la pieza.



La tercera versión, la que motiva esta entrada, es la de Javier Colina, Marc Miralta y Perico Sambeat, el CMS Trío. Me parece el paradigma de como convertir un tema standard latino en un tema jazzístico de altísimo nivel sin perder ni una micra de su espíritu original. No necesitamos la letra, tan expresiva. La pura instrumentación -desde la hermosísima entrada de Javier Colina ,algo habitual en él, que luego se desplegará por toda la pieza con un sonido taciturno y resonante, pasando por ese toque conmovedor de Perico Sambeat e incluso esa presencia mínima pero efectiva de Miralta- nos lleva a un territorio de emociones que encantaría sin ningún género de dudas a la autora de Bésame Mucho.
Este tema lo podeis encontrar en el disco Andando publicado por el trío hace apenas unos meses, junto a otras maravillas absolutamente recomendables.

Desde los mares de China

"En lo musical Tony Zenet tiene un enorme poder de evocación. El que trae consigo de la herencia del bolero, de la vena del tango, del embrujo flamenco, del vacilón del swing y el jazz. Todo eso viene en la sentina de su disco Los mares de China. Pero Zenet no es de estilos puros, de ortodoxia a carta cabal; sino que la mezcla, la alquimia, el cocinar ingredientes dispares funciona en su obra musical como un reloj de bolsillo, viejo pero preciso. Zenet suena a vida normal, a pisito pequeño, a pila llena de cacharros por fregar, a amor cálido que trata de salvar a base de caricias todas las dificultades que nos plantea la vida con la sonrisa de los que saben que este paso por el mundo es un es/no es. Como él lo explica: "Hay un mensaje escondido en mi música: vida no hay más que una y hay que disfrutarla".
En tiempos tan ejemplarmente asépticos como los que estamos viviendo, no deja de ser curioso que, sabiendo Zenet y su música a humo y a alcohol y a club y a nocturnidad insalubre, su primer single Soñar contigo haya servido de enganche para la promoción de una serie de televisión "de médicos", como es Anatomía de Grey, aunque sea acompañando a algunas de sus escenas más tórridas: "Es cierto que mi música es un poco canalla, en el buen sentido. Pero también hay en su sonido mucha limpieza". Para ello insistieron mucho en la forma de grabar. Hicieron el disco en el estudio del teclista de jazz Joshua Edelman, en la calle del Rosario, en el corazón de Madrid. Allí se dio cita un impresionante elenco de músicos, "a los que yo sólo conocía de ir a verlos tocar en el Central y sentarme a escuchar de como hablaban de música".
La trompeta de Manuel Machado, el trombón de Owe Larsson, la armónica de Antonio Serrano, el piano de Edelman... Ahí es nada: "Este disco no tiene metrónomo", lo que significa que los tiempos los miden las almas de los músicos, "y desde el principio se intentó buscar la limpieza de cada uno de los instrumentos, esa atmósfera limpia que es fundamental".



"El bagaje musical le viene a Tony de una infancia andaluza y una vida viajera y vivida: "Soy malagueño y he tenido el flamenco siempre muy cerquita. Mi madre cantaba como aficionada. Pero mis padres eran también muy modernos y en mi casa he escuchado mucho Beatles, Sinatra, Chet Baker... Mis ficheros mentales de música tienden a buscar melodías de carácter anglosajón y esa mezcla con mi raíz es muy graciosa". Más aún cuando el banco de Zenet se completa con dos patas fundamentales: la guitarra de José Taboada -"a él y a mí nos gusta esa guitarra americana que mezcla el jazz con los ambientes latinos"- y a un letrista que sabe poner sobre papel esas historias de amor sudoroso que tan bien le van a Tony: "Javier Laguna es un poeta con desgarro, aunque también es cierto que no todo es dramático en mis canciones. Muchas de ellas tienen final feliz y mucha ironía. Hay mucho sentido del humor y frases que cuando la gente me oye cantar no puede evitar una sonrisa".
Zenet es un showman, actor, bailarín, mimo, carne de escenario que disfruta haciendo piruetas con su sombrero, que baila los solos, que vacila con el público, que pide pista en escenarios grandes, aunque también disfruta en el tête a tète de los shows acústicos. Este es su año. Su disco y la repercusión que ha conseguido lo dicen a voz en grito. Pero él no le da importancia. Fuma su cigarrito y bebe su cerveza con la gorra puesta y sonríe, sabiendo que el "agua de Levante" viene y se va sin avisar y que, como le ha pedido prestado a la gran Edith Piaf: "No, na de na, no, no reniego de ná, ni del mar que sufrí, ni del bien... todo me da igual".  
(El PAIS - FERNANDO MARTÍN -15/08/2009)

Las Rompecascarones del Dr. Krapp

Algunas pasan por tu lado sin prestarles la mayor atención ocupado como estás en tus propios asuntos.
Otras en cambio te rozan, te dicen perdón o sorry, en inglés, y sigues de largo sin darles demasiada importancia.
En un tercer grupo, están las que dejan un fuerte aroma a su paso, aunque muy pronto su repentina fragancia se disuelve sin dejar huella en el aire del mañana.
Las que me interesan son las del cuarto grupo, aquellas osadas y tumultuosas que entran con una potencia que creías casi imposible a estas alturas de tu escepticismo.
Estas son las que te rompen el cascarón.
Todas ellas tienen su sitio en el Gabinete de las Rompecascarones del Doctor Krapp.
Esta es la primera que voy a colocar en la vitrina:

Ella marchó