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26 nov 2014

Zappa: desde la desgracia a la risa


Lo que le pasó a  Frank Zappa y su grupo, The Mothers of the Invention, el 4 de diciembre de 1971 en el muy musical Casino de Montreux  lo explicó mejor que nadie Deep Purple en su más famosa y celebrada canción:


Lógicamente, lo que no cuentan Ian Gillan y sus muchachos es lo que sucedió con Frank y su cuadrilla después de haber perdido todo su equipo.
Lo cierto es que The Mothers of the Invention se marcharon a Londres alquilaron un equipo nuevo y una semana más tarde  se dispusieron a actuar en el Rainbow Theatre. Como sabéis Zappa era un tipo muy sarcástico, bastante mordaz y lo que hoy los instalados llamarían un "feroz antisistema". Lo malo es que en Londres, entonces y ahora, hay instituciones casi sagradas que es mejor no "meneallas", caso de la monarquía y los Beatles.
Y lo que podía pasar, pasó.

Un espectador se sintió violentado por el tono irónico con el que Zappa interpretaba el I Want to Hold Your Hand, de los chicos de Liverpool y no se le ocurrió otra cosa que  subirse al escenario y empujar al cantante al foso de la orquesta que por supuesto estaba vacío.
Una caída brutal.

"Mi cabeza estaba sobre mi hombro y mi cuello se inclinó como si estuviera roto. Tenía una herida en la barbilla, un agujero en la parte de atrás de mi cabeza, una costilla rota, y una pierna fracturada. Un brazo estaba paralizado"
El autor del empujón declararía luego que estaba celoso porque su chica estaba enamorada de Frank Zappa y oírle cantar de forma tan poco reverente a sus ídolos fue la gota que rebosó el vaso.
Los seis meses de convalecencia, el dolor de espalda crónico y la constatación de que una de esas piernas tras las lesiones era más corta que la otra no consiguieron reducir el brutal sentido del humor del artista de Baltimore y hasta con el tiempo le dio oportunidad de reírse de su cojera en algún tema.


Pero Frank no podía parar, su cabeza bullía como una locomotora sin frenos y fue entonces cuando concibió la idea de realizar dos discos de estudio en la onda del jazz rock y aprovechando su alejamiento de los escenarios. The Mothers of the Invention quedaba para otras ocasiones.
El primero es Waka/Jawaka (1972) y en él se rodea de músicos de la talla de George Duke, Aynsley Dunbar, Tony DuranDon Preston

Se lanza a la carretera ese mismo año con otro disco en la misma onda y con la colaboración de toda una orquesta formada por músicos de primer nivel entre los que destacan los principales protagonistas del disco anterior -Duke, Dunbar, Preston etc..- y otros invitados como Ernie Watts al saxo.
Todo es muy grande en The Grand Wazoo. The Grand Wazoo que a su vez es el nombre que le dio a la orquesta de 20 miembros que le acompañó en su vuelta a los escenarios. Un disco primordial en su enorme carrera. Un disco exuberante y generoso. Lo cojas por donde lo cojas hay un despliegue de sonoridad que revienta cualquier barrera musical y se desborda por los márgenes. Discos así solo los hacía Charles Mingus en sus momentos más inspirados.
Es dificil elegir un tema que lo represente, aunque éste Eat the Question es posiblemente el más conocido. Os dejo con  la versión original tal como la grabó Frank  y con  la versión en directo de su hijo, Dweezil,  con el grupo que creó a la memoria de su padre, Zappa plays Zappa

11 jun 2013

11 minutos en Beirut


"Manzana para el mar. Narciso de mármol. Mariposa de piedra: Beirut.
Forma del espíritu en el espejo.
Descripción de la primera mujer y aroma de la nube:
Beirut, de oro y cansancio, Al-Ándalus y Syria.
Plata. Espuma. Mandatos de la tierra en pluma de paloma.
Muerte de espiga. Errar de estrella entre mi amada y yo, Beirut. No oí mi sangre antes de que se pronunciara el nombre de una amada que duerme en mi sangre…y duerme…
Descubrimos el nombre a través de la lluvia en el mar, del gusto del otoño y de las naranjas de los que llegan del sur. Como si fuéramos nuestros antepasados, venimos a Beirut para llegar hasta Beirut.
Construimos de lluvia nuestra choza. Cuando el viento no corre, no corremos nosotros, como si el viento fuera un clavo. Excava nuestro hoyo sobre el barro, y nos dormimos, como la hormiga en el pequeño agujero.
Como si cantáramos a hurtadillas:
Beirut es nuestra tienda de campaña.
Beirut es nuestra estrella...”
 

"...Beirut, azucena de escombros. 
Y primer beso. Apología de las lilas. Abrigo de los muertos y del mar. 
Azotea de los astros y las tiendas. 
Poema de la piedra. Apuro de dos alondras que en un pecho se esconden. 
Firmamento que ha perdido a su hijo y se sienta a pensar sobre una piedra. 
Rosa oída: Beirut. Cisura entre la víctima y el sable. 
Niño que extravió todas las tablas de la ley, 
los espejos, 
y luego...Se durmió".
El escritor: Mahmud Darwish (1941-2008) Poema de Beirut (1984)
Biografía en Wikipedia. Selección de poemas.
El trompetista: Ibrahim Maalouf (1980)
Biografía en Wikipedia. Sitio oficial.Referencia en Allmusic 

8 nov 2011

Ni el jazz en serio, ni el rock en broma


Nacieron en 1999 y aunque han editado un único álbum, Díscolo (2000), desde entonces han estado presentes en el mundillo musical español creando un sello discográfico, Pueblo, realizando bandas sonoras y actuando en numerosos festivales de jazz y rock. Efectivamente, el grupo Dead Capo navega sin pudor entre dos mundos musicales que algunos consideran opuestos. Desde su posición como grupo de culto se pueden permitir el lujo de la infidelidad a cualquier propuesta musical exclusivista. Lo suyo es la versatilidad y la poligamia. Lo demuestran recreando el tema de
Adolfo Waitzman para esa desternillante película española de 1962 titulada Atraco a las tres .

En su página web en Myspace dicen de su álbum único: "Díscolo.., es una impredecible batidora de estilos, una road movie sin fronteras con paradas en el jazz, el swing, el rock, las bandas sonoras del eje Mancini-Schiffrin-Barry-Rota-, el surf, el lounge, el funk, el blues...
Y continuan:
"Su música (la del disco) es el resultado de una sobre-exposición a múltiples estilos de música, muchos moldes musicales que han tratado de derretir para crear uno propio"

Les han influido los grandes compositores de bandas sonoras pero también la fecundidad infinita de Charles Mingus, los grupos jazísticos con toques punk de la agitación neoyorquina de finales de los 70 como los Lounge Lizards de John Lurie o el hoy aclamado John Zorn etc... 

Además son tipos divertido e inquietos por lo que sucede a su alrededor. Algunos de sus miembros fueron redactores de un ácido Manifesto! Moncloa Sound System (podéis verlo haciendo click en el enlace) redactado tras ser invitados a la Moncloa en el Día Internacional de la Música del año 2004. Por su parte,  Javier Gallego, tiene un extraordinario programa en Radio 3 titulado Carne Cruda donde extrae el jugo a la actualidad de una forma ágil, divertida y mordaz aderezándolo con propuestas musicales tan  atrevidas y singulares como las que desarrolló en el grupo del que fue batería hasta éste último verano. 

"Si existiera un Freud de las armonías se daría un festín con estos tipos. Aparecen toda clase de patologías e irreverencias musicales. A mí me saben. Son de un Mingus atareado y apaleado a la vez, más claras, pero agujereadas como un queso. Hay un pequeño Schoenberg entre las cuerdas y un hombre del saco estrellado en el miedo de nadie. Sam está hasta las narices de tocarla otra vez y le ha robado el garito a Bogart. Al oírlos viene a buscarte un gato callejero que se sueña a sí mismo flotando entre sonidos de Mancini. Hay un glam que se sacude como una estera y se cadencia 10 veces hasta asomar la risa. Un trópico de cáncer con esa censura de Mogambo llena de incestos y de-formaciones simpatiquísimas. Se hace sonar el espejo de feria y aparece un Malher aFellinando, como la zona fantasma de los tres malvados de Superman"(Dead Capo: Clásicos de un tiempo por llegar / La Maga Z)

2 mar 2010

Labor de Zappa

Estás donde se abrazan los sonidos, donde el humor no pide permiso, donde el estilo no está cautivo. Déjame que te escuche, prometo no hablar más de ti.
                                                                                               ...Zappa.




18 feb 2010

Laietans

Se acaba de editar Músia Laietana, un disco recopilatorio de temas procedentes de aquel movimiento musical de los 70 y principios de los 80 que tuvo su centro de atención en aquel viejo almacén reconvertido en lugar de conciertos: la sala Zeleste de Barcelona:



Para los que nos iniciábamos como degustadores de música en los albores de los 80, escuchar a aquellos "hippies" barceloneses nos producía una curiosa sensación de modernidad. Por un momento podíamos olvidarnos de nuestro ídolos anglosajones y admirar las proezas sonoras -a veces algo latosas hay que decirlo- de gente como Max Sunyer, Santi Arisa, Kitflus, el fabuloso Carles Benavent, Joan Albert Amargós, Jordi Sabatés o el pionero Enric Herrera con su grupo Máquina.



No se trataba de un hecho aislado, el rock progresivo del que procedían todos estos grupos era un fenómeno mundial y concretamente en España su otro foco de atracción era Andalucía a través de grupos como Smash, Guadalquivir, Caí o Triana
Lo peculiar de la experiencia barcelonesa, luego conocido como rock laietano, es que fue un movimiento muy amplio que abarcaba desde los sectores mas rockeros de la Nova Cançó (Pau Riba, Oriol Tramvia..) hasta gente cercana a la rumba catalana o a la salsa (Gato Pérez, la Orquesta Platería etc..) Sin embargo el elemento que más influiría en el posterior desarrollo de su estilo fue su acercamiento a algunos de los veteranos músicos de jazz que sobrevivían, nunca mejor dicho, en la ciudad condal: Lucky Guri -fundador de Barcelona Traction, Ricard Rodes o la única figura jazzística española con proyección internacional: Teté Montoliu.



Está unión entre la vieja guardia jazzística y los jóvenes instrumentistas laietanos era más que nada producto de la de necesidad de supervivencia en un mundo musical cada vez más alejado de las músicas minoritarias. Fue una fusión que modificó ambas partes y terminó llevando al rock laietano hacia el jazz-rock. El grupo que mejor representa los primeros momentos de esta mezcolanza entre lo viejo y lo nuevo es la Orquestra Mirasol:

Este es un tema de su primer disco "Salsa Catalana" (1974) que auguraba muchos éxitos futuros. Desgraciadamente solo hubo otro más. Las ambiciones profesionales de sus miembros y  la mezcla de estilos tan diferentes terminó con la vida del grupo capitaneado por Victor Ammann. Más tarde el grupo tuvo una segunda edición con el nombre de Mirasol Colores, y sacaron al mercado un buen disco, la Boquería, enfocado hacia la música de salsa.
La alineación de Música Urbana era también de autentico lujo. Amargós, su lider, atrajó junto así a gente como Carles Benavent, Lucky Guri o Salvador Font.



En 1974 el guitarrista Max Sunyer forma Iceberg con el teclista Josep Mas "Kitflus", la fusión empezaba a ser la estrella. Pegasus, el nuevo nombre del grupo tras la incorporación de Rafael Escoté y el percusionista Santi Arisa en 1982, fue el indudable colofón de la escuela laietana.



Un movimiento aparentemente poderoso pero extremadamente vulnerable. Demasiado farragoso y aburrido para la marea simplificadora de los 80 que los barrió de la escena sin más contemplaciones. Los que lograron sobrevivir al naufragio se encaminaron hacia otros estilos musicales donde hoy en día siguen ejerciendo su indudable magisterio musical. Recientemente, los fundadores de Pegasus se han vuelto a reunir. Esto es lo que hacen hoy.

8 oct 2009

¿Existe realmente el punk jazz?


Punk jazz es un término con el que Jaco Pastorius titula un tema suyo aparecido en su disco en directo de 1981, The Birthday Concert, con el que celebraba su 30 cumpleaños.



Nada de punk, puro jazz rock tal como lo concebía Jaco y su banda, Weather Report.
Uno se imagina que en las redomas musicales, allí donde se cuecen los estilos a fuego lento, el punk rock debe ser algo más parecido a ésto:



Acoustic Ladyland, es un grupo formado
en Londres en el 2001 y compuesto por Chris Sharkey (guitarra), Ruth Goller (bajo, antes a cargo de Tom Herbert ), Pete Wareham (saxos y voz), Seb Rochford (batería) y Tom Cawley (piano y teclados). Su nombre es un homenaje a uno de los más grandes discos de Jimi Hendrix, Electric Ladyland al que dedicaron su primer disco, de 2004, Camouflage:


Su segundo disco es Last Chance Disco, del 2005. Más experimental, más electrónico, con composiciones propias. Con él consiguieron el premio a la mejor banda
británica de jazz del 2005.



En su tercer álbum Skinny Grin (2006) se permiten alguna incursión en el trip-hop, el sonido de Bristol:



Su última aportación discográfica es de este mismo año y lleva el título de Living With A Tiger:



La pregunta sigue en pie: ¿existe el punk jazz?
Ellos, a su manera, creen tener la respuesta.



14 abr 2009

La jungla de Miles



"Miles se parece a alguien que está dirigiendo a su cuadrilla de exploración a través de una densa y electrónica selva tropical. Al intuir un claro, Davis extiende los dedos haciendo una señal y su grupo se detiene y se queda inmóvil mientras un saxo soprano o una guitarra eléctrica o incluso la trompeta del lider avanza sola, para informar de lo que ve. El lider escucha y escoge un sendero. Arquea el cuerpo, marca con la cabeza el pulso deseado, le hace una seña a la guitarra rítmica, y todo el grupo forma filas para reanudar la travesía. Notas y frases con ecos, reverberaciones, siluetas electrónicas, dan forma a ese extraño y hermoso follaje y a los fuertes ritmos vitales del mundo musical de Davis".

(Gene Williams - The Washington Post -1974)

12 mar 2009

Bendiciendo a los niños


El maravilloso tema God Bless The Child es un espiritual basado en algunos versículos de la Biblia que compuso una muy joven Billie Holiday en 1939. Estaba a punto de emprender su vuelo solitario cansada de su papel relevante pero secundario en las orquestas de swing. El otro compositor del tema fue Arthur Herzog Jr. colaborador habitual de ella y compositor de relativo éxito. La canción está en el Salón de la Fama de los Premios Grammy y en el puesto 58 en la lista de las Canciones americanas del Siglo publicado por diversas entidades norteamericanas. En la grabación original de 1941 Ladyday contó con la participación entre otros del trompetista Roy Eldridge:

Them that’s got shall get
Them that’s not shall lose
So the Bible says and it still is news
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that’s got his own, that’s got his own
Yes the strong get smart
While the weak ones fail
Empty pockets don’t ever make the grade
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that’s got his own, that’s got his own
Money, you’ve got lots of friends
They’re crowding around your door
But when you’re gone and spending ends
They don’t come no more
Rich relations give crusts of bread and such
You can help yourself, but don’t take too much
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that’s got his own, that’s got his own
Money you’ve got lots of friends
They’re crowding around your door
But when you’re gone and spending ends
They don’t come no more
Rich relations give crusts of bread and such
You can help yourself, but don’t take too much
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that’s got his own, that’s got his own
Here just don’t worry about nothing cause he’s got his own
Yes, he’s got his own

Las grandes reinas del soul, en sus deseos de emular a Ladyday, realizaron espléndidas interpretaciones del tema donde exhiben sus portentosas cualidades vocales. Aquí tenemos a Aretha Franklin, Diana Ross y Gladys Knight:





La malograda y siempre conmovedora Eva Cassidy, tiene esta maravillosa versión con un irresistible toque de blues:


La versión de estilo instrumental, aunque también cantada, que más me gusta es ésta de Blood, Sweat and Tears. Puro soul, puro jazz:

Y la actuación estelar de:

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