¿Por qué arde el blues a 9 bajo cero?

Es todo un misterio de la naturaleza, pero con estos calores agosteños de media tarde, cuando todo el mundo anda perdido por ahí dormitando la siesta cerca de alguna playa,  no tengo demasiadas ganas de desvelarlo.
Nine below zero es una joya imperecedera de ese bluesman misterioso llamado Alex "Rice" Miller,  conocido por todos como Sonny Boy Williaamson II, un tipo al que le dediqué una entrada en su día y que como entonces, me sigue sugiriendo la figura de uno de esos viejos enterradores que aparecen  en los westerns polvorientos y crepusculares de las últimas décadas.
¿Es éste celebérrimo tema, que incluso ha dado nombre a un afamado grupo inglés, una de esas prueba de fuego que te permiten ser considerado un buen bluesman? Muchos hechos lo corroboran, ya que desde su aparición en More Real Folk Blues (1967), junto a otras piezas memorables de Williamson como Help Me o Bye Bye Bird, ha pasado a formar parte del repertorio de los más grandes 
Espero que después de estos vídeos mis amigos de este lado del mundo se sientan más frescos y los que estáis abajo, en plena invernía, podais descubráis las virtudes de los buenos refugios cuando afuera el frío puja por adueñarse de todo. Para estar más seguros podemos apretar un poco más y llegar a la friolera de los 10 bajo cero y ver lo que ocurre. Además en español, con una letra muy propia para estos tiempos y a cargo de un grupo pionero del género en España.

11 minutos en Beirut

"Manzana para el mar. Narciso de mármol. Mariposa de piedra: Beirut.
Forma del espíritu en el espejo.
Descripción de la primera mujer y aroma de la nube:
Beirut, de oro y cansancio, Al-Ándalus y Syria.
Plata. Espuma. Mandatos de la tierra en pluma de paloma.
Muerte de espiga. Errar de estrella entre mi amada y yo, Beirut. No oí mi sangre antes de que se pronunciara el nombre de una amada que duerme en mi sangre…y duerme…
Descubrimos el nombre a través de la lluvia en el mar, del gusto del otoño y de las naranjas de los que llegan del sur. Como si fuéramos nuestros antepasados, venimos a Beirut para llegar hasta Beirut.
Construimos de lluvia nuestra choza. Cuando el viento no corre, no corremos nosotros, como si el viento fuera un clavo. Excava nuestro hoyo sobre el barro, y nos dormimos, como la hormiga en el pequeño agujero.
Como si cantáramos a hurtadillas:
Beirut es nuestra tienda de campaña.
Beirut es nuestra estrella...”
 
"...Beirut, azucena de escombros. 
Y primer beso. Apología de las lilas. Abrigo de los muertos y del mar. 
Azotea de los astros y las tiendas. 
Poema de la piedra. Apuro de dos alondras que en un pecho se esconden. 
Firmamento que ha perdido a su hijo y se sienta a pensar sobre una piedra. 
Rosa oída: Beirut. Cisura entre la víctima y el sable. 
Niño que extravió todas las tablas de la ley, 
los espejos, 
y luego...Se durmió".
El escritor: Mahmud Darwish (1941-2008) Poema de Beirut (1984)
Biografía en Wikipedia. Selección de poemas.
El trompetista: Ibrahim Maalouf (1980)
Biografía en Wikipedia. Sitio oficial.Referencia en Allmusic 

Take Five reencontrado

La reciente muerte de Dave Brubeck nos vuelve a traer al recuerdo al músico, a su famoso cuarteto y a esa pieza que fue símbolo, tótem, banda sonora y supongo que hasta pesada carga a lo largo de su larga carrera. Me refiero a Take Five, obviamente. Un tema compuesto por su compañero, Paul Desmond, en un compás poco frecuente, 5/4, al igual que las otras estructuras que dominan en el resto de piezas de Time Out, el celebrado y muy vendido álbum del 1959. No está mal recordar que la idea del disco y especialmente la de su otra pieza central, Blue Rondo à la Turk, nació a raíz de la música popular que el pianista escuchó en la calles de Estambul tras una visita con su grupo. La versión de la azerbayana Aziza Mustafa Zadeh podría darnos más pistas al respecto.
Es difícil sustraerse a la belleza del saxo “altísimo” de Paul Desmond. Yo no pude hacerlo cuando lo escuchaba de jovencito como sintonía de un programa de radio. Por entonces de jazz solo soloconocía a un señor que tocaba la trompeta, cantaba ronco y sudaba mucho y también a una señora gorda que cantaba con voz de niña y sudaba tanto como el otro. Siendo un niño, para mi el jazz era sudor, calor y color (negro). Luego de escuchar Take Five supe que había algo más, algo que no he logrado descifrar del todo aunque quizás tampoco me interese hacerlo. ¿Lo habra conseguido George Benson tras esta "sudorosa" interpretación del tema?
 
Hay otras opciones posibles. Por ejemplo es un tema, que con acentuaciones rítmicas, se adapta a la filosofía musical del reggae y a su antecedente directo el ska:
Casi parecería un despropósito que un tema que se hace caribeño a través del ska y el el reggae no tuviera también una traducción musical en la otra otra cara del Caribe. Aquí está Tito Puente y su orquesta dándole duro. Si habéis llegado hasta aquí os merecéis una medalla. Creo que el mejor premio es volver al tema original con el grupo original y en la versión en vídeo más antigua de las que conozco. Con ella son cinco tomas de Take Five. Espero que sean suficientes.

Sin argumentos, ni pretensiones

Han llegado a mí en estos días por puro azar y sin que yo las hubiera buscado. 
La verdad es que me gustan y eso ya es motivo suficiente para colocarlas en la misma entrada. Son dos versiones y un tema original. Quizás compartan un mismo territorio emocional y por eso han terminado por unirse en esta entrada. Aunque no estoy seguro. Decididlo vosotros si os apetece. Hoy no tengo demasiados argumentos. Ni demasiadas pretensiones.  Me conformo con dejarme llevar por la música.
Empezamos por un violonchelo que se hace saxo soprano cuando lo toca uno de los más afamados músicos de estudio de este país, Andreas Prittwitz. Un alemán radicado en España soplador magnifico con cualquier tipo de instrumentos de viento. Un tipo atrevido que no muestra excesiva reverencia a los clásicos -incluso al divino Bach- y éstos, al parecer, no deben sentirse agraviados, aunque a saber lo que piensan ellos desde su Olimpo celeste. Aquí acompañan a Prittwitz: Beatriz Amezúa al violín, Laura Salinas a la viola da gamba, Ramiro Morales a la guitarra barroca, Antonio Toledo a la guitarra española e Ivan Mellén a la percusión. Laurie Anderson, Sra de Lou Reed desde el 2008, es una reina de la vanguardia cultural americana desde aquellos años setenta en que fue amamantada en los prolíficas ubres de la factoria Warhol. Hay que recordar aquel superventas titulado O Superman de 1981 y sus incursiones en la música electrónica y el sampleado mucho antes de que estos "modos" se pusieran de moda. No es muy prolífica, pero siempre tiene algo nuevo que contar. En su último disco del 2010, Homeland, nos vuelve a hipnotizar con argumentos demoledores. Un conocido standard de Rodgers y Hart cierra esta entrada. Interpretado por el Quinteto de Kenny Garrett cuando éste con 24 años, hacía su debut como solista en Introducing Kenny Garrett. Eran años de experimentación y aprendizaje previos a su "master de graduación" junto a Miles Davis. En su disco inagural le acompañaban el gran trompetista Woody Shaw, junto a una sección rítmica formada por Mulgrew Miller, Nat Reeves y Tony Reedus, piano, contrabajo y batería respectivamente.

Tres momentos y una canción

Simplificando de forma injusta una brillante aunque corta trayectoria musical, podemos resumir la carrera de Thad Jones en tres momentos y una canción. El primer momento fue su nacimiento en el seno de una familia de diez hermanos que regaló al jazz tres músicos de calidad extraordinaria: Hank, Elvin y el propio Thad. Su segundo momento sería su entrada en la orquesta de Count Basie en 1954 donde el trompetista pudo demostrar su talento como compositor y arreglador. El tercero fue cuando esas dotes dieron su fruto con la formación de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra en 1965. Esta gran orquesta podría ser su legado más duradero a la historia del jazz si no  hubiera tenido la feliz idea de crear una canción al que estará ligada su memoria para siempre. 
A Child is Born es un tema compuesto por Thad en 1969 con letra posterior de Alec Wilder. Probablemente la idea para la pieza proceda de un drama navideño de Stephen Vincent Benet con el mismo título, muy popular en los 50, donde se recreaba el nacimiento de Jesús. Un tema de talante navideño, que es cuando más suena, pero con un  toque poético tan poderoso que ha deslumbrado a aquellos que han convertido el lirismo en su forma habitual de expresión. En 1984, Stanley Turrentine, en compañía de George Benson, Ron Carter y Jimmy Smith entre otros, realiza esta conmovedora versión. Es necesario acabar con una interpretación cantada. Hay muchas. Como la de Sheila Jordan -que no he localizado en Internet- Carmen McRae, Dianne Reeves etc..Quizás la más conocida sea la que grabaron Bill Evans y Tony Bennett en su segundo disco juntos, pero para no repetir intérprete pondré una versión grabada por Dee Dee Bridgewater en el Festival de Montreaux de 1990.

Mi romance de verano

 He de confesarlo: tengo un romance con un disco. La cosa empezó en el mes de julio. Nos tropezamos casualmente mientras andaba dando tumbos por la red en busca de cualquier cosa que es tanto como decir en busca de nada. Nos vimos, nos gustamos y luego de hacernos la corte en ese sala de amenidades varias llamado Spotify, decidimos tener una relación más estrecha. Fue entonces cuando decidí comprarle a mi nuevo idilio un billete a España a través del comercio electrónico, ya que yo sepa, nadie hasta entonces había pensado en traerlo hasta aquí. Ah, su nombre es de The Tick Tock Club al igual que este tema que lleva consigo. El álbum es obra de un compositor texano llamado Graham Reynolds que al parecer se ha pasado media vida creando música para espectáculos teatrales y cine. Música clásica y bandas sonoras principalmente. En este último territorio su mayor éxito ha sido una adaptación cinematográfica de un relato de Philip K. Dick. Poco puedo hablar de él porque no lo conozco, pero deduzco que es un tipo arriesgado que no rehuye lanzarse a cualquier proyecto que sea de su interés. Viene al caso decir que además tiene un grupo de jazz donde él es el único miembro permanente. Ha publicado tres discos y ha conseguido extasiar a parte de la crítica. El grupo fue bautizado con un nombre que remite directamente a la serie negra: Golden Arm Trio.  También lo remite el  título de este segundo tema: 20 million ways to die in Chicago. ¿Referentes? Cualquiera que os apetezca poner. Este The Duchess of Palma por ejemplo,  me sugiere cierto toques exóticos: orientalismo kitch made in Hollywood, con gotitas del Caribe sobre un fondo sarcástico. Como una película de Carmen Miranda o Dorothy Lamour. Esta pieza final nos lleva al corazón de la danza con su irresistible toque latino, casi diría tex-mex, y ese piano cristalino con el que se intercala. Se titula: Bulldoze:The superpower dance. Sorpresa: hay un tema más. Un bonus track como dirían los anglicidas. No está aquí, aparece en esta entrada de agosto en el  Círculo de los Suicidas Perezosos. Aquí tenéis el enlace.
¿Merecía la pena este romance?

Sin orden ni concierto

Durante unos días voy a estar de viaje y he decidido dejaros sin orden ni concierto algunos temas que he escuchado en los últimos tiempos y que por unos motivos u otros me han dejado huella. No hay una relación entre ellos, por lo menos no consciente, aunque todos están dentro o revolotean alrededor del jazz en el sentido más amplio del término, el que me interesa. Es decir en este caso, contaminados de tango, música de Broadway, sonidos norteafricanos o rhythm and blues parlanchín y desquiciado.
Os dejo. Me voy a hacer la maleta que eso si que requiere cierto orden y concierto. Y como regalo de última hora, el mismo tema en su versión original de 1957, cuando Mr. Rhythm tenía 53 años menos. 

¿Desmontaje o ironía?

You Are My Sunshine es una popular melodía atribuida a Charles Mitchell y a un personaje legendario de Lousiana, Jimmie Smith, músico de country y nada menos que dos veces gobernador del Estado (De 1944-1948 y de 1960 a 1964). En realidad el tema fue comprado por Smith, un tipo sin demasiados escrúpulos, a un compositor en apuros económicos. Se han hecho infinidad de versiones de You Are My Sunshine  y en toda clase géneros musicales: hillbilly y country, swing, rhythm and blues, pop, soul y ha sido cantada por infinidad de artistas de prestigio: Johnny Cash, Aretha Frankin, Ray Charles, Bing Crosby, Jerry Lee Lewis, Carly Simon, Doris Day . También ha aparecido como fondo sonoro en infinidad de producciones televisivas y cinematográficas desde su primera grabación en 1939. Como homenaje a Johnny Cash que hubiera cumplido 80 años hace apenas unas semanas ofrezco la grabación del tema que hizo en dueto con Bob Dylan en el disco The Dylan Cash Sessions. 

George Russell es un nombre fundamental en la historia del jazz, desbrozando el camino para que esta música alcanzase perspectivas nunca soñadas. Siendo un batería prometedor en la Orquesta de Benny Carter tuvo que dejarlo por una temprana tuberculosis que lo mantuvo hospitalizado durante más de un año. Pero George era un cerebrito y supo aprovechar el tiempo profundizando sus conocimientos sobre teoría musical. Mediados los 40 compagina sus estudios teóricos con los arreglos musicales. Por ejemplo, es el autor del considerado por muchos primer tema de jazz bop latino: Cubana be, Cubana Bop para Dizzy Gillespie y participa en las reuniones en el apartamento de Gil Evans que darán origen al fundamental disco The Birth of Cool. En 1953 publica "Concepto lidio-cromático de organización tonal", una base teórica sobre el que pivotará todo el jazz posterior y donde se defiende la prevalencia de los modos y escalas sobre la simple progresión de acordes. Al fin  los músicos de jazz tendrán un manual de uso para no perderse en los tramposos vericuetos de la improvisación. Durante el resto de su vida, murió en el 2009, Russell siguió siendo un hombre multifacético tanto desde la vertiente teórico/pedagógica como en la musical. Siendo un extraordinario compositor, no tuvo especiales prejuicios a la hora de acercarse a la música clásica contemporánea o al free jazz. Como intérprete no desdeñó ningún tipo de combo musical, tuvo su propio sexteto y hacia el final de su vida creó una importante big band, la Living Time Orchestra recuperando el título de un famoso disco grabado junto a Bill Evans.
En 1962 publica The Other View, un disco en la onda free pero con una versión sorprendente y juguetona de You Are My Sunshine. La gran Sheila Jordan pone la voz en la que constituye su primera grabación luego de una ya larga carrera artística. Pocos meses más tarde la cantante publicará Portrait of Sheila, un disco maravilloso que pasa por ser el primer álbum de jazz vocal del sello Blue Note. 
¿Desmontaje del viejo tema o ironía a la manera de Mingus? 
¿Quizás las dos cosas?
Si os apetece, elegid vuestra opción.

Viaxe de ida e volta

En la novela en gallego Arredor de si de Ramón Otero Pedrayo (1930) se retrata a un personaje, Adrián Solovio, que luego de haberse hastiado de los placeres que proporciona el esnobismo y lo extranjero, decide volver a su tierra y  allí logra reencontrarse consigo mismo a través de lo que siendo más propio, hasta entonces había despreciado. 
Dado que ando todavía con  problemas físicos y no puedo escribir mucho, aprovecho la ocasión para volver a casa y renovar mis maltrechas fuerzas al calor de esos temas que siempre me han encantado. Los he escogido entre mis discos y es la primera vez que uso este programa. 
Espero que todo salga bien y al menos os produzcan cierto bienestar.

La cabeza que sobra

Algunas grandes canciones tienen historias chicas:

"Suena el teléfono a las tres de la mañana. Medio dormido levanto el receptor y oigo la voz de Gardel que me dice con evidente satisfacción:
—Che viejo, acabo de encontrar una melodía macanuda para el tango " Por una cabeza".
Y procedió a cantármela ipso facto. No sé si sería porque todavía no me había despertado del todo, que al oír por teléfono el fruto de su inspiración, ni la melodía ni la letra me hicieron mucha impresión; y así se lo dije. Algo amoscado Gardel me contestó con su fina ironía: —Mira, Beethoven, vos te quedás con tus corcheas y semifusas; pero no te metas conmigo en asuntos de "matungos"
Me causó gracia la comparación beethoveniana y comprendí que nadie como él —carrerista empedernido y dueño de un dispendioso stud— podía hablar con más autoridad de temas hípicos; nadie como él podía conocer la emoción del jugador de ver a su caballo llegar victorioso al disco, ni sentir desaliento de verlo flaquear en el momento mismo en que un supremo esfuerzo lo hubiese colocado en la categoría de ganador. Como dicen los versos de su tango:
“Por una cabeza
de un noble potrillo
que justo en la raya
afloja al llegar . . .”
Tal vez el producto de una "fija" conferida sigilosamente al oído, que fracasa en la raya. Sí, creo que Gardel tenia razón. Yo me quedo con mis corcheas. Además, yo sabía que, lo mismo que otras canciones que nos parecen triviales al principio, el genio de Gardel ennoblecería este tango hípico y lo elevaría a una altura insospechada."
(Terig Tucci - Gardel en Nueva York 1969)
Encontramos pues a Carlos Gardel a punto de rodar en Nueva York la película Tango Bar, pero ponerle la música a una letra del gran Alfredo Le Pera con el que compartiría destino tres meses más tarde en el accidente aéreo de Medellín que segó su vida .
Dos famosos bailes marcan la crónica sentimental cinematográfica de esta canción. En Esencia de mujer (Scent of a Woman) -recreación norteamericana de la excelente Perfume de mujer de Dino Risi- el Teniente Coronel Frank Slade (Al Pacino) retirado del ejército a causa de su ceguera y profundamente amargado por su minusvalía invita a bailar a una desconfiada Donna (Gabrielle Anwar). Una escena mítica cargada de enorme intensidad sensual subrayada por la música aterciopelada del grupo The Tango Project.

El baile de Arnold Schwarzenegger y Jamie Lee Curtis con la que termina esa comedia divertida llamada Mentiras arriesgadas tiene connotaciones ciertamente burlescas.

Nada que ver con ese toque kitch y elegante, casi de cine negro o de comic sofisticado con el que Spielberg da un respiro al espectador en esa sofocante y extraordinaria La Lista de Schindler.

Hay muchas versiones de Por una cabeza. La de Andrés Calamaro, a tiro de click, tiene un comienzo casi flamenco y un buen acompañamiento musical pero a mi modo de ver no logra entrar en el espíritu que requiere el tema, haciéndolo demasiado lánguido y espeso. Creo que el acercamiento actual de ciertas figuras del rock argentino al antes denostado tango, aún siendo meritoria, en la mayoría de las ocasiones deja bastante que desear.
Me resulta más gratificante la del fantástico violinista Itzhak Perlman. El violín siempre ha hecho buenas migas con el tango.

Por último una versión jazzística del excelente trompetista argentino afincado en España, Guillermo Calliero. Se trata de una actuación reciente en el entrañable Cafe Central de Madrid.

Alguien llora por mí

(Para Axis, que tiene un precioso blog y que se dio cuenta de  mi torpeza, al haber inhabilitado por error la posibilidad de dejar comentarios en esta entrada)

En octubre de 1932 la orquesta italoamericana de Ted Fio Rito, con el entonces cantante novel Muzzy Marcellino , le gana la partida al todopoderoso Paul Whiteman  publicando por primera vez este tema. En compensación, la versión del llamado "Rey del jazz" tuvo un éxito mucho más grande que la original.

500 o 600 versiones más tarde, ya en los 60,  Muzzy Marcellino vuelve a retomar el tema con el instrumento que le proporcionó más popularidad  gracias a su aparición en las películas de Disney o Sergio Leone.

En esos mismos años un dúo británico de pop algo relamido, Chad and Jeremy, consigue que el viejo tema vuelva a las listas de éxitos.

Ann Ronell es la autora de Willow Weep For Me y una de las pocas mujeres que pudieron entrar en esa gran fábrica de éxitos y eternos standards llamado Tin Pan Alley. Su mentor, su compañero, su pigmalión, quizás su amante fue George Gershwin a quien le dedicó el tema. Incluso los maldicientes llegaron a decir que Gershwin fue el autor real de la pieza y que le cedió los derechos a Ann como un regalo especial, algo que la posteridad y la bibliografía musical ha descartado.  
Ni que decir tiene que el jazz es el género musical que más provecho ha sacado de Willow Weep For Me. Por ejemplo, en esta escena de baíle llena de swing interpretada por Vera Ellen en la última película de los Hermanos Marx, Amor en conserva (Love Happy)

Cientos y cientos de versiones y arreglos para orquestas, pequeños grupos y solistas. 
¿Dónde elegir entre tanta variedad?
Ante la duda, me quedo con la que escuchándola suscitó esta entrada, la que me indujo a hacerla. No voy a ser nada original, aunque Art Tatum interpreto en muchas ocasiones este tema, la de 1949, del mismo año que la película de los Marx, ha quedado como la definitiva.

Para terminar una versión vocal realmente impresionante que no procede de la ortodoxia oficial jazzística. Se trata de la interpretada por la majestuosa Etta James, un nombre irreemplazable para los que nos gusta la música negra, sin fronteras.

Cantabile

Hace unas semanas en Música para gatos, el magnífico blog de mi amigo Jazzy, se hacía referencia al concierto que en 1997 dio en el Blue Note de Tokio, el pianista francés Michel Petrucciani acompañado del batería Steve Gadd y del bajista Anthony Jackson, su grupo de entonces, casi su grupo postrero.
El concierto es el origen de un disco realmente excepcional publicado a título póstumo en 1999, varios meses después de la muerte del pianista tras una crisis pulmonar que su precaria salud no pudo superar. 
Tal como dice Jazzy : 
"Trio en Tokio es una interesante colección de 8 temas, siete de ellos compuestos por Petrucciani más una cumplida versión del clásico "So What" de Miles Davis, en la cual este trio nos demuestra de forma eficaz lo efectivo del formato. Una extraordinaria base rítmica creada por Gadd y Jackson sobre la cual Petrucciani parece volar sin complejos, ofreciéndonos una auténtica demostración de su impresionante sentido de la melodía y la armonía..."
Con el mismo grupo, similar belleza, la misma luminosidad y puede que incluso con mayor compenetración con sus compañeros, el 8 de febrero de 1998 ofrece en el Kultur Und Kongresszentrum Liederhall de Stuttgart el que sería uno de su últimos conciertos del que tenemos testimonio videográfico. En él se repiten cuatro temas del concierto de Tokio. Su clásico e imprescindible Little Peace in C For You, el extraordinario September Song, su versión del So What de Miles Davis y ese bellísimo Cantabile, un himno embebido de gospel y soul cuya poderosa melodía se pasea impunemente desde hace unos días por mi cabeza. Sin duda, un rompecascarones de rompe y rasga.
Os dejo con las dos versiones. Si os apetece elegid alguna, yo soy incapaz. Las dos me encantan.

Volar tan arriba

(Dedicado a Paloma)

La muerte, esa zorra insaciable, se ha llevado a otro de los nuestros.  
Gerry Rafferty nació en una familia escocesa extremadamente humilde, trabajó duro desde muy joven y emigró a Londres en busca de éxito donde empezó su carrera cantando en el metro. Allí conocido a otros artistas callejeros y formó parte de The Humblebums. Tras la separación del grupo a principios de los 70, formó con Joe Egan otro grupo de folk rock llamado Stealers Wheel con los que realizó grabaciones de relativo éxito como Stuck in the Middle, un tema inmortalizado en la película Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. El éxito no impidió que el grupo saltase en mil pedazos y Gerry, por problemas con su contrato discográfico, no pudo realizar ninguna grabación en los siguientes tres años. 
Aprovechó el tiempo. Cuando el mundo musical empezaba a experimentar los temblores del terremoto punk  y el resto seguía de bailoteo bajo enormes esferas plateadas contagiado por el ritmo alegre y bullicioso de la música disco, Gerry  tomo aire, se impulsó hacia adelante y se lanzó de nuevo a la aventura musical con City to City un disco que contenía una de las más soberanas creaciones musicales de los 70 y para mí, una de las más emotivas de la música pop de siempre. Una rompecascarones, en definitiva. Todos recordamos eso solo de saxo del músico de estudio Raphael Ravenscroft, aunque es todo en su conjunto -letra, música e interpretación- lo que nos estremece o al menos a este servidor. 
Pasó lo que pasa tantas veces: tras la llegada a la cumbre solo queda el descenso hacia un horizonte de recuerdos y buenas regalías económicas que nunca son suficiente alivio cuando ya no se puede volver a volar tan arriba.

En la isla de Jesús

Me fío mucho de los entusiasmos ajenos y más cuando proceden de una persona que demuestra día a día desde su blog Desde mi cadiera lo buen explorador que es en ese territorio que algunos miramos con cierto reverente temor llamado free jazz. 



"por recomendar algo de blake de lo mucho e inmensamente bueno, su duo con jeanne lee de primeros de los sesenta. sin duda uno de los mejores discos de jazz vocal de la historia. "the newest sound around" (victor). ¿de que coño sirve una isla desierta si no te puedes llevar este disco?" (Jesús)
Este comentario entusiasta de Jesús en el blog de Esther Cidoncha me ha puesto en la pista sobre un maravilloso disco que no conocía. 



Mi contacto diario con este mundo de Internet, con este mundo de blogs, me ha enseñado a entender que aquello que predicaba Sócrates a sus discípulos hace 25 siglos sigue en plena vigencia. Me estoy refiriendo al reconocimiento de la propia ignorancia y al deseo, casi la necesidad, de aprender algo nuevo cada día. Yo por ejemplo he aprendido hoy a apreciar este maravilla que supuso el debut discográfico de la cantante Jeanne Lee y del pianista Ran Blake allá en 1962. Por cierto, el motivo que dio pie a ese comentario es una fabulosa foto de Esther Cidoncha en su blog. Aquí podeis verla



Cierto, Jesús, una isla desierta sería menos isla y más desierto si no pudiéramos contar con música como ésta.
 

Sensación de felicidad

Lo siento, me puede. Escuchar el que es uno de mis temas vocales favoritos desde hace muchos años, interpretado de forma conmovedora, genera en mi una especie de placentera y casi bobalicona sensación de felicidad.
Aquí os dejo primero, la tremebunda versión en directo del propio Sam Cooke en el Harlem Square Club, pocos meses antes de su asesinato.
 

La segunda es de Mr. Van Morrison es del 2017 y es un nuevo vídeo tras eliminarse el que puse en esta entrada cuando la publiqué en el 2010. El viejo león más viejo que entonces.

La tercera me parece espeluznantemente hermosa. La protagoniza Roger Ridley uno de esos músicos callejeros activo en ese fantástico proyecto musical llamado Playing for Chance. Toda una hermosa coreografía infantil le acompaña.
 

Como colofón, la versión del quinteto de Roy Hargrove, prematuramente fallecido en el 2018, al que tuve la gran suerte de ver y disfrutar gozosamente de su música en dos ocasiones.

En la cuna de tres imperios

Una playa atlántica, un atardecer de agosto y una mágica pareja de cantantes ciegos: Amadou y Miriam.

Vienen de un lejano territorio. Una tierra pobre, entre las 10 más pobres del mundo y sin embargo cuna de los tres grandes imperios que dominaban las rutas africanas en el medievo. En su centro estaba la ciudad de los 333 santos, la legendaria y mítica Tombuctú.

En ese tierra pobre, un descendiente directo del más poderoso linaje imperial nace maldito. Maldito por el color de su piel, pero maldito también por refugiarse en un arte prohibido y despreciable para los de su casta.

Tradiciones, leyendas, historia. Se vive en un pasado fabuloso para olvidarse de los males del presente. Los Djeli o Griots, son los transmisores del pasado, los juglares, la savia de la que se nutre la imaginación y la esperanza. 
La música es parte imprescindible en esa torrentera que vien de muy lejos y los Diabaté llevan más de 70 generaciones haciendo lo mismo. Se acompañan con la kora, una especie de laud de 21 cuerdas y extraña afinación cuya caja de resonancia es una calabaza gigante.

Ser de los Diabaté es pertenecer a otra nobleza, la musical. Más de setenta generaciones poniendo música a un pueblo. Entre ellos, Toumani el hombre que abrió la kora a rumbos desconocidos. En este vídeo, está acompañado por otra leyenda Ali Farka Touré, ya fallecido, el guitarrista empeñado en que el blues hiciera el viaje de regreso desde América para renacer de nuevo en África.

Es un mundo musical rico y fértil el de ese país que sobrevive a duras penas en la encrucijadas que unen el norte y el sur africano. Aunque quizás ser una encrucijada sea la clave de su fortaleza musical. Sensible a todas las influencias, abierta a todos los vientos, Mali permanece como un maravilloso oasis musical en el centro de lo que en su tiempo fue cuna de tres poderosos imperios.

Celebrando a La Tana

No sé lo que hay detrás de tu voz.
Nunca te vi, vos sos los discos
Que pueblan por las noches este departamento de París.
Te busqué en Buenos Aires, pero sabés seguro
Cuántos espejos de mentira te hacen pifiar la esquina,
Como después de andar de bache en bache
Acabás con ginebra en un boliche
Murmurando la bronca del despiste.
No sé, ya ves, ni como sos,
Tengo las fotos de tus discos, gente
Que te conoce y te escribe,
Paredes de palabras con glicinas
Y vos detrás, inalcanzable siempre.
(Y esto que digo Susana
es también la Argentina donde todo
puede esconder la estafa si no sabemos ser
como el farol del barrio, o como aquí sus tangos,
vigías de la noche y la esperanza).
(Para celebrar a Susana Rinaldi - Julio Cortazar - 1971)



El tango vivió su momento más crítico a finales de los 50 y principios de los 60, cuando se consumía regurgitando canónicamente las viejas melodías de antaño. Entonces surgió de los escombros el bandoneón prodigioso de Astor Piazzolla y la voz elegante, dramática y precisa de Susana Rinaldi.
Astor era un músico de larga carrera que encontró su nuevo amanecer en París al entró en contacto con los valores del nuevo jazz europeo. El tango-jazz lo apartó de la ortodoxia lo acercó a una música más internacionalizada y por ello sufrió el rechazo de los tradicionalistas. La Tana aunque con estudios musicales previos, procedía de la interpretación y tenía cierta experiencia profesional en teatro y TV. Con 31 años, en 1966, le surgió la posibilidad de hacer un disco de tangos y no la desaprovechó.



La voz timbrada, sofisticada y profunda de Susana Rinaldi era una antítesis de la voces masculinas y arrabaleras que habían predominado en el tango cantado. Esa forma nueva exigía letras diferentes, más complejas, menos misóginas con autores relativamente nuevos de la talla de Eladia Blázquez -tanto el tema anterior como el siguiente son de ella- o consagrados como Homero Manzi.



Susana tuve un gran éxito popular con sus discos de los 60 aunque nunca fue aceptada por los puristas. Ellos pensaban que la cantante había despojado al tango de sus connotaciones tradicionales acercándolo al teatro con su énfasis y sentido del melodrama. Piazolla y Renaldi estaban unidos por el rechazo, era lógico que grabaran temas juntos, como éste. 


El compromiso moral de La Tana era incompatible con el régimen sangriento que se instaló en Argentina a finales de los 70. Marchó a París y prosiguió su vida artística en Europa siendo emblema del tango en los años de hierro. Su vuelta a Argentina recuperada la democracia, no le hizo cambiar su opción por un tango con matices cabareteros, lo que contribuyó a mantenerla en el centro de la diana de los amantes del estilo antiguo. Ahora a sus 75 años es una de esas majestuosas cantantes latinoamericanas que han marcado una época en su género musical. Lejos quedan ya los tiempos de la figura solitaria en un paisaje en penumbras.
Un tema maravillosamente rompecascarones para terminar. Fue compuesto en 1955 con letra del poeta Homero Expósito y música de Roberto Nievas Blanco.

He sido abandonado por el mundo

(Episodio "Champagne" / Coffee and Cigarettes - Jim Jarmusch - 2003)

 

He sido abandonado por el mundo

en el que solía pasar tanto tiempo;

hace tanto que no ha sabido nada de mí,

que es muy probable que piense que estoy muerto.

No tiene consecuencias para mí,

que me crea muerto,

no lo puedo negar

porque es cierto que estoy muerto para el mundo.

Estoy muerto para el tumulto del mundo,

y descanso en un lugar tranquilo.

Vivo solo en mi cielo,

en mi amor, en mi canción.

La letra está extraída del poemario "Canciones por la muerte de los niños" (1843) en las que  Friedrich Rückert se lamentaba por la muerte de sus hijos, Louise y Ernst, fallecidos por la escarlatina poco antes de escribir la obra. Este poema siempre había atraído a Gustav Mahler  ya que creía que reflejaba su propia situación de aislamiento frente a la sociedad de su tiempo. En 1901 decide musicarlo en forma de lied junto a otros cuatro poemas de la misma obra. El propio músico dirigió el estreno orquestal en Viena el 29 de Enero de 1905. La interpretación de abajo  es a cargo de la fastuosa mezzosoprano Janet Baker.

Traído por el viento

Podemos imaginar a Charles Trenet, "Le fou chantant", en 1942. Sigue actuando en los viejos cabarets del París ocupado, pero apenas puede sobrevivir a la tensión que le rodea. En 1940 fue herido en una pierna aunque la prensa publicó que había muerto en el frente de guerra. En el 42 debe actuar ante los oficiales alemanes y su legión de colaboracionistas,  entre los que corre el rumor de que Trenet se ha cambiado el apellido para que no sepan que en realidad es judío. Él sigue actuando, hace alguna película pero tiene miedo. Tiene que demostrar documentalmente que no tiene antecedentes  hebreos y hacer concesiones a la potencia ocupante como actuar en los campos de prisioneros de guerra franceses. Al final de la guerra se le pasará factura y marchará a vivir a Estados Unidos hasta 1954. 
En aquel año de 1942, a pesar de la amargura del momento o quizás gracias a ella, compone uno de sus temas inmortales y eso es mucho decir si se trata de Trenet:
 
 ¿Nostalgia del amor perdido en tiempos de dolor? Nada más apropiado. 
La letra de Que reste-t-il de nos amours? es del propio Charles Trenet,-aquí la tenéis-. En la música colaboró su amigo Leo Chauliac. Esta es una interpretación del propio autor acompañado de la extraordinaria Dalida.

Es curioso comprobar la cantidad de versiones a dúo que ha  generado un tema escrito para y por un solo cantante. 
El éxito mundial de este tema tan evocador, con ese poderoso sabor agridulce tan prototípico de la obra de Trenet, tuvo rápida difusión a otros idiomas y a otras culturas. Franco Battiato lo convirtió en Che cosa resta en 1999. (Ese tono metálico de la primera parte es original de la grabación del cantante siciliano):

Es un tema intimista y dulce, por lo tanto muy apropiado para la sensibilidad de los hombres y mujeres de la bossa nova. Aquí la extraordinaria Rosa Passos lo interpreta junto a otra figura monumental de la canción francesa el recientemente fallecido Henri Salvador:
 
En el mundo anglosajón el tema es conocido por el título "I Wish You Love". Su primera versión data de 1957 y desde entonces se ha convertido en un standard habitual para crooners, cantantes pop e interpretes de jazz. Esta es la conmovedora versión de la vocalista Rosemary Clooney en su última etapa musical:
Una última interpretación a cargo del trompetista italiano Paolo Fresu que ha tocado el tema con relativa asiduidad a lo largo de su carrera (tiene una muy recomendable con Richard Galliano y Jan Lundgren en el disco "Mare Nostrum"). Aquí  está acompañado de su quinteto:

Agitando el alma

El barbudo conguero chicano Poncho Sánchez se sacó de la manga un gran disco en 1989 titulado Chile con soul. En él contó con su formación más o menos habitual formada por los Hermanos Banda (batería y bajo), Charlie Otwell al piano, Papo Rodríguez a la percusión, Art Velasco al trombón, Gene Burkert a los saxos, Sal Cracchiolo a la trompeta y fliscorno y la colaboración especial del fabuloso Tito Puente a los timbales. Este es el tema que da título al álbum.
A aún a riesgo de que tanta marcha sabrosona -de esas que agitan el alma- pueda romperme una estantería, me veo obligado a colocar a Chile con soul entre las
Rompecascarones del Dr. Krapp.